Liar fue la pieza central del álbum debut de Queen, al letra toma la forma de un diálogo entre el protagonista (representado en los versos) y las fuerzas en su contra (representadas por el coro), ya que presentan un alma atormentada que anhela una guía religiosa pero es rechazada por ser un "mentiroso". Al final, la letra desprecia por completo la religión: "Mentiroso, mentiroso, nunca te dejan ganar/Mentiroso, mentiroso, todo lo que haces es pecado/Mentiroso, nadie te cree/Mentiroso, te derriban antes de que empieces". El estilo operístico de estas letras está totalmente respaldado por la música, que pasa por muchos cambios de tempo y diferentes secciones, ya que combina versos folky y ascendentes y un coro pisando fuerte con puentes instrumentales y vocales que llevan la canción en otras direcciones. La grabación de Queen de "Liar" envuelve esta compleja historia en un arreglo grandioso y grandilocuente que alterna delicados toques acústicos en los versos con ondas de acordes poderosos durante los puentes instrumentales y el estribillo. También funciona en una ruptura de percusión impulsada por cencerros para el penúltimo puente vocal de la canción que lleva el drama a un pico frenético. Freddie Mercury lo remata con una voz adecuadamente dramática que va desde un susurro en falsete hasta un rugido de barítono y sus impresionantes esfuerzos están amortiguados por armonías operísticas de Brian May y Roger Taylor. Todo ello dio como resultado un rock artístico pero poderoso que se convirtió en la columna vertebral de los primeros shows en vivo de Queen y se convirtió en uno de los temas favoritos entre los fans del grupo. Más importante aún, su grandiosidad fue un prototipo para canciones posteriores, aún más ambiciosos, como "Brighton Rock" y "Bohemian Rhapsody". Disfrutar de esta miniepopeya de heavy metal progresivo en expansión que le da a cada miembro de la banda un lugar para realizar un solo, es el festín de las melodías más encantadoras que rezuman de cada una de las multitudinarias secciones de esta composición que desafía fronteras. John Deacon toca lo que posiblemente sea el mejor solo de bajo de su carrera, no demasiado complejo pero sí muy poderoso y melódico, antes de que la canción termine con una sección extáticamente hermosa seguida por Brian May. Breve pero excelente coda de guitarra neoclásica. Tanto estructural como sonoramente, 'Liar' fue el predecesor directo de 'The March of the Black Queen', y junto a él constituye una de las mejores canciones de la banda. Lo único que decepciona un poco de la versión de estudio es que luego la canción desarrolló algunas líneas adicionales y siempre se interpretó en vivo de una forma más completa. Sin embargo, una mezcla alternativa indica que esas líneas adicionales solo se terminaron parcialmente durante las sesiones y es por eso que no se escuchan en la versión LP.
7 dias, 7 notas
viernes, 22 de diciembre de 2023
Disco de la semana 357: ( ) - Sigur Rós
Cuando la belleza dentro de un medio artístico supera
cualquier crítica de repetición, genérica o básica a través del valor
sensacionalista, entonces el álbum, para mí, se convierte en un disco esencial.
Inicialmente, al escuchar el disco de pop y post-rock de ensueño de Sigur Rós,
Ágætis Byrjun, me sentí abrumado por casi cada parte del álbum debido a que era
la obra de arte más surrealista que había escuchado desde Kid A. Mis expectativas
eran enormes para ( ). Ya el embalaje es precioso, parece seguir el modelo de
un bosque en un día nevado, la portada debajo del estuche, independientemente
del país en el que hayas comprado el tuyo, es una imagen manipulada de los
alrededores del estudio de la banda en Álafoss. El resto de las imágenes del
folleto son igualmente nevadas y parecen pizarra en blanco, al igual que el
encarte posterior. Y como todo el estuche es transparente, lo único que se ve
es nieve. Y la funda exterior, de la que deriva el título del álbum, también es
blanca. Muy ambientador.
Le sigue un número al estilo de Ágætis Byrjun, apodado Njósnavélin ("La máquina de espías"), que afortunadamente es menos desgarrador, un regreso a la batería de Orri y la voz de Jónsi Birgisson, este es uno de los más destacados de ( ) y ha sido una de sus canciones mas tocada en directo desde hace tiempo. Las progresiones de acordes aquí son mucho más edificantes y están muy bien acentuadas por la elevada parte de la guitarra. Por alguna razón, Njósnavélin parece la única canción de Sigur Rós que puedo llamar canción navideña, aunque no tenga absolutamente nada que ver con la Navidad, creo que son las partes del glockenspiel y el órgano, pero hay algo en esta canción que hace que la esperanza se enuncie en una especie de regalo. Álafoss, como se mencionó, es ese lugar en Islandia donde la banda tiene su estudio casero. Nunca he estado allí, pero si esta canción es un reflejo de cómo es el lugar, lo único que puedo imaginar son funerales en la nieve. Las tumbas abiertas y la marcha lenta y deliberada con el ataúd, presentes en el tamborileo y los gritos dolorosos del duelo, presentes en la desgarradora melodía vocal. Me resulta difícil escuchar a Álafoss y, a menudo, me lo salto, supongo que tengo que estar de luto para conseguirlo, no puedo desvincular las imágenes y el estado de ánimo, es problema mio supongo, pero mi deseo de omitirla no refleja si es buena o no, porque ES una buena canción. Sólo necesitas estar en la emoción adecuada para recibirlo.
Este no es el disco que pones mientras limpias la casa, este es el disco que escuchas con auriculares en una noche de invierno, en la oscuridad, solo, no lo descartes para estas fiestas que hoy 22 de diciembre de 2023 se avecinan. Dale la oportunidad de conmoverte y lo hará.
jueves, 21 de diciembre de 2023
El Reggae tiene su rollo: Un artículo de "Charly El Druida"
EL MANUSCRITO EN LA BOTELLA
1085 - Queen - Keep yourself alive
1085 - Queen - Keep yourself alive
miércoles, 20 de diciembre de 2023
1084.- Killing Me Softly With His Song - Roberta Flack
'Killing Me Softly With His Song' fue escrita por el equipo de compositores de Charles Fox y Norman Gimbel, la canción fue escrita para la cantautora de folk-rock estadounidense Lori Liebermann, quien originalmente grabó y lanzó la canción en 1972. Liebermann ha afirmado haber contribuido ella misma al proceso de composición, pero nunca ha sido acreditada oficialmente, fue después de que Lori Liebermann viera a Don McLean en concierto en el Troubadour Theatre de Los Ángeles, dijo que se sintió abrumada por la experiencia y escribió un poema para expresar cómo se sentía. Al día siguient le mostró el poema a Fox y Gimbel, quienes estaban en el proceso de escribir canciones para su próximo álbum, y ese fue el nacimiento de la canción. En una entrevista posterior, Gimbel reveló: "Ella nos habló de esta fuerte experiencia que tuvo escuchando a McLean, tenía la idea de que esto podría ser una buena canción, así que los tres lo discutimos, lo hablamos varias veces, tal como lo hicimos con el resto de los temas que escribimos para el álbum y todos sentimos que tenía posibilidades". Sin embargo, muchos años después, Fox desmintió la historia: "Es una leyenda urbana, realmente no sucedió así. Norman Gimbel y yo escribimos esa canción para una joven artista que se llamaba Lori Lieberman, me senté y la música fluyó junto con la letra. Y nos reunimos a la mañana siguiente e hicimos un par de ajustes y se la tocamos a Lori, y a ella le encantó, dijo que le recuerda estar en un concierto de Don McLean.”
La versión de Roberta Flack de 1973 es la versión definitiva, y la convitió en un clásico atemporal que ha resistido la prueba del tiempo, La letra de la canción es cruda y emotiva, y hablan directamente al corazón de cualquiera que alguna vez se haya sentido conmovido por el sonido de la música. Es fácil perderse en el brillo y el glamour de la música, pero en esencia, es un arte que toca el alma de las personas. La letra de “Killing Me Softly” captura perfectamente la esencia cruda y emocional de la música, hablan de alguien que escucha una canción que le habla directamente al corazón, lo que le hace sentir una profunda conexión emocional con la música, habla de la idea de que la música puede evocar diversas emociones y ser una fuente de consuelo, amor e inspiración. No es raro que una canción le hable a alguien de una manera que parezca casi sobrenatural, permitiéndole sentir una conexión emocional que trasciende las palabras, ese es el verdadero poder. La letra de “Killing Me Softly” es sólo la mitad de la magia, la otra mitad es la melodía, la voz de Roberta Flack es rica y conmovedora, y resalta los matices emocionales de la letra, el arreglo de la canción aumenta su profundidad emocional, la instrumentación delicada y minimalista centra toda la atención en la letra de la canción y la voz de Flack. La melodía es una parte esencial del significado de la canción, ya que transmite la idea de que la música puede ser una herramienta terapéutica, la melodía adecuada puede calmar la mente, sanar el corazón y traer esperanza a alguien que puede sentirse perdido o solo, es difícil imaginar a alguien que no se haya conmovido hasta las lágrimas al escuchar una canción que le habla al alma.
martes, 19 de diciembre de 2023
1083.- Knockin' on heaven's door - Bob Dylan
lunes, 18 de diciembre de 2023
1082 - Sui Generis - Confesiones de invierno
1082 - Sui Generis - Confesiones de invierno
domingo, 17 de diciembre de 2023
1081.- Woman From Tokyo - Deep Purple
Woman From Tokyo, Deep Purple |
Who Do We Think We Are es el séptimo álbum de estudio de la banda inglesa Deep Purple. Este disco fue el último de la denominada formación Mark II, ya que Ian Gillan y Roger Glover causarían baja de la misma después de este trabajo debido a las tensiones internas con Ritchie Blackmore. Este trabajo fue grabado durante el mes de julio de 1972 en Roma y posteriormente en octubre del mismo año en Alemania utilizando el Mobile Studio de los Rolling Stones. Fue producido por el mismo grupo y publicado en enero de 1973 en Estados Unidos el sello discográfico Warner Bros. Records, y por lo sellos EMI y Purple Records en Gran Bretaña en febrero de 1973.
Musicalmente, el disco mostró un movimiento hacia un sonido más blues, y en el seno de la formación se percibía una profunda crisis fruto de la fatiga y las tensiones internas. Aunque el sencillo Woman From Tokyo tuvo un gran éxito, el grupo no consiguió alcanzar las cotas de calidad que habían conseguido en sus anteriores discos, y todo a causa de las continuas discusiones en sus seno, que acabarían con la marcha de Gillan y Glover. El disco fue duramente criticado por la crítica a pesar de haber alcanzado e cuarto puesto en las listas de ventas de Gran Bretaña y el puesto decimoquinto en las listas de Estados Unidos.
Incluido en este álbum se encuentra el citado Woman From Tokyo, un tema que tiene tras de sí una curiosa historia. Deep Purple fue una de las primeras bandas que actuó en Japón a principios de los años 70, y como tributo a este hecho, la banda escribió la canción. La canción tiene referencias al "Sol naciente" y al "Sueño oriental", y la letra trata sobre una mujer japonesa cuyos encantos fascinan al narrador de la historia. Deep Purple comenzó a grabar Who Do We Think We Are en Roma en julio de 1972. En ese momento, la banda aún no había realizado giras, y tenían programados tres espectáculos en Japón: dos en Osaka seguidos de otro en el estadio Budokan de Tokio. La canción se convirtió en una de las más populares de la banda y consiguió una gran difusión en la radio. Curiosamente el grupo no incluyó en su set en vivo la canción en aquel momento, haciéndolo posteriormente en 1984 coincidiendo con la reformación de la banda. La admiración de Deep Purple por el rock progresivo queda reflejado por la larga pausa que encontramos a mitad de la canción. Una pausa que está incluida en la versión del disco y no en la del sencillo, lo que explica la marcada diferencia de duración durante las versiones. Roma era soleada e ideal para relajarse, por lo que la banda se dedicó a pasar más tiempo en la piscina que en trabajar, lo que unido al hecho de que hubiera un problema en el estudio, dio como resultado que únicamente sacaran de todas aquellas sesiones Woman From Tokyo. El resto del disco sería grabado en Alemania.
Burnin' - The Wailers #mesBobMarley
sábado, 16 de diciembre de 2023
1080.- Angel - Aretha Franklin
El consenso general sobre el decimonoveno álbum de estudio de Aretha Franklin , Hey Now Hey (The Other Side of the Sky) de 1973, se divide en dos corrientes de opinión: El primer grupo suele criticarlo como uno de sus peores álbumes, el momento crítico en el que su influencia en el panorama del soul comenzó a desparecer. El segundo lo cita como una obra curiosa, aunque menor, en su largo y distinguido catálogo, destacando sus excentricidades un tanto vanguardistas, sin embargo, la afirmación que cruza estos dos campos es que el álbum sirvió como un punto de partida brusco en la trayectoria artística de Franklin en ese momento. Esta vez, tomó las riendas nuevamente como coproductora (un papel que ocupó por primera vez en Amazing Grace de 1972 ) y se asoció con el legendario Quincy Jones, que ya había ganado prominencia como músico, compositor, arreglista y productor respetado en el mundo del jazz y estaba avanzando en su carrera como artista discográfico por derecho propio. En la década de 1970, su trascendental destreza musical cobró gran importancia en el pop, con numerosas producciones y aclamadas bandas sonoras para cine y televisión en su haber. Pronto tendría la mira puesta en darle un toque imborrable al R&B. Era inevitable que Franklin se sintiera atraída por Jones, mientras buscaba expandirse musicalmente en una era de creatividad y posibilidades sin precedentes que estaba explotando en la música negra. Hey Now Hey presenta a Aretha Franklin en su forma más esotérica, abarcando psicodelia, funk, música clásica, jazz y blues, es también su álbum más extenso, es cierto que su concepción está sobrecargada, pero al mismo tiempo está muy bien organizada. Ausentes, en su mayor parte, están los dramáticos tópicos amorosos que posicionaron a Franklin como la principal experta del alma de toda mujer enamorada, tanto Franklin como Jones se esfuerzan por lograr algo teóricamente meditativo y musicalmente complejo: reflexivo, terrenal, caprichoso y tremendamente relajado. Algo mucho menos arraigado en lo convencional del clima anímico de la época y en cualquiera de sus respectivos caminos.
El solemne clásico "Angel", escrito por Carolyn Franklin (hermana de la cantante), fue el único éxito de este álbum, convirtiéndose en el decimotercer éxito de las listas de R&B de Franklin y en el Top 20 del pop en julio de 1973. En una era en la que la participación de Estados Unidos en la guerra de Vietnam trajo desafíos importantes en la evolución de la cultura, también alimentó la corriente subyacente obsesionada con las drogas. Angel es una hermosa balada con una canción, Franklin interpreta esta excelente canción con un amor fraternal respetuoso, no soy un gran fan de los cortes de saxofón en las baladas de los 70, pero este es un caramelito, elevando este impresionante blues moderno a otro nivel.
viernes, 15 de diciembre de 2023
Disco de la semana 356: If I should fall from grace - The Pogues
1079.- Live and let die - Paul McCartney & Wings
jueves, 14 de diciembre de 2023
Soul Rebels - Bob Marley And The Wailers ( Mes Bob Marley)
BOB MARLEY & THE WAILERS se convirtieron en uno de los mayores referentes mundiales de reggae jamaicano a lo largo de los años 70, pero principalmente durante los años 1973-80, cuando firmaron con Island Records y permanecieron así hasta la prematura muerte de MARLEY en 1981. Esta banda clásica que probablemente ha sido escuchada por todas las personas en el planeta se formó en 1963 en Kingston, Jamaica, cuando Hubert Winston (Peter Tosh), Neville Livingston (Bunny Wailer) y Robert Nesta Marley (BOB MARLEY) se conocieron y crearon una de las primeras bandas de ska jamaicanas. Esto fue antes de que el ska evolucionara hasta convertirse en el efímero rocksteady, que finalmente se convirtió en el estilo reggae más familiar.
De todas las primeras pistas, algunas fueron compiladas y lanzadas en 1965 bajo el sobrenombre de The Wailing Wailers y el trío con varios músicos y vocalistas de respaldo no lanzaría el primer álbum bajo el nombre más familiar de BOB MARLEY & THE WAILER hasta 1970, que debutó con SOUL. REBELDES. Este fue un período interesante para la banda que tuvo lugar después de localizar al famoso productor e inventor Lee “Scratch” Perry, quien llevó a la banda al siguiente nivel de su carrera. Si bien el equipo solo colaboraría durante unos pocos años, los resultados fueron bastante productivos, ya que BOB MARLEY & THE WAILERS habían comenzado a desarrollar el sonido único y conmovedor del reggae que la mayoría solo ha escuchado en álbumes como “Exodus” o “Natty”. SOUL REBELS estrena el formato clásico de reggae de escasa instrumentación que implementa sólo una guitarra, un bajo, una batería y un órgano junto con el estilo vocal medio cantado característico de MARLEY. Considerado uno de los mejores álbumes de reggae de raíces de todos los tiempos, SOUL REBELS, liderado por Scratch Perry pusieron en la picota a THE WAILERS con una serue de sencillos que los impulsaron a través de los años 60 y que se centraron en un concepto basado en la rebelión y la justicia social. La banda contó con el respaldo recién configurado de los Upsetters, quienes luego formarían sus propios álbumes de reggae clásico mientras los WAILERS seguían su propio camino.
Las dos primeras canciones del disco, "Keep on Moving" y "Don't Rock My Boat", muestran una de las aspectos mas reconocibles de The Wailers: su habilidad instrumental suave y segura. La batería es excelentemente perezosa y las guitarras se abren paso a través de las canciones con su estilo relajado de manera impecable, las líneas de bajo suaves subrayan la música maravillosamente, emitiendo el ritmo tradicional del reggae con facilidad. Las canciones "Kaya" y "African Herbsman" fueron escritas por Marley sobre la marihuana, los sentimientos que siente por ello están muy bien reflejados en el lienzo proporcionado por la música. La voz de Marley, una de las más reconocibles en el mundo de la música, es especialmente conmovedora en el disco, con Peter Tosh y Bunny Wailer proporcionando un excelente refuerzo, como siempre. Todo esto hace que el disco sea muy fácil de escuchar, pero también muy divertido de escuchar. La guinda de todo, sin embargo, son las letras, escritas por Bob Marley, con un par de versiones de improvisaciones de reggae tradicionales. También está la pieza 'No Sympathy' cantada por Peter Tosh en el álbum y versionada por el cantante unos años más tarde en su primer álbum en solitario, el clásico 'Legalize it'.
1078.- Honky Tonk Heroes - Waylon Jennings
Si eres fanático de la música country Outlaw y de Waylon Jennings, entonces probablemente conozcas la historia de su histórico álbum de 1973, Honky Tonk Heroes, con todas las canciones de Billy Joe Shaver excepto una, es uno de los álbumes definitorios de la era Outlaw, puso a Billy Joe Shaver en el mapa y sigue siendo tremendamente influyente incluso hoy en día siendo posiblemente uno de los álbumes country más importantes de todos los tiempos. Pero sin dar por sentado que algunos no conocen la historia, aquí hay un repaso rápido: Billy Joe Shaver estuvo en la reunión Dripping Springs de Willie Nelson en las afueras de Austin en 1972, también conocido como Hillbilly Woodstock, mientras pasan el rato detrás del escenario, Shaver interpreta “Willy the Wandering Gypsy and Me” y Waylon Jennings lo escucha, quedó tan impresionado que invita a Billy Joe a Nashville para escribir canciones juntos. Waylon Jennings pasó los siguientes seis meses esquivando al viejo Billy Joe Shaver, hasta que Billy Joe, que se empeñó tanto en mostrarle a Waylon sus canciones, lo aborda en el pasillo del estudio y le dijo a Waylon que si no escuchaba sus canciones, le patearía el trasero allí mismo, delante de Dios y de todos. Waylon intentó darle 100 dólares para que se fuera, pero Shaver persistió. Finalmente, después de que Shaver lo derribara, Waylon escuchó y decidió grabar un álbum completo de canciones de Billy Joe Shaver. Pero este no fue el final de la historia, Waylon Jennings acababa de ganar el control creativo de RCA Records después de años de estar bajo el control opresivo del productor Chet Atkins. Ahora que Waylon podía hacer lo que quisiera (que en ese momento era grabar un álbum de canciones de Billy Joe Shaver), pensaba que estaba libre de que la gente le dijera qué hacer. Pero Billy Joe Shaver tenía otras ideas.
El 21 de febrero de 1973, Waylon Jennings estaba en el estudio grabando la canción principal de Honky Tonk Heroes . Billy Joe Shaver también estaba en el estudio y no estaba nada contento con lo que Waylon estaba haciendo con su canción, “Honky Tonk Heroes”, necesita un enfoque muy poco convencional del ritmo para una canción country, la canción comienza de manera bastante tradicional para una canción country, pero 90 segundos después, se lanza a un sonido de estilo rock más agresivo y eléctrico, al final, la canción desciende a un tiempo de medio tiempo. Ese ritmo del medio tiempo al final de “Honky Tonk Heroes” fue quizás una de las partes más históricas e influyentes de todo el álbum. Pero Billy Joe Shaver no quería saber nada de eso, se acercó y dijo: '¿Qué estás haciendo? Estás jodiendo mi canción. Las cosas no son así, Waylon y Billy Joe se ponen a gritase el uno al otro”. Billy Joe Shaver había consegudo que un importante artista country grabara un álbum completo con sus canciones, y corre el riesgo de arruinarlo "Billy Joe no entendía la forma en que lo estábamos armando..." explica Richie Albright. Waylon Jennings en su autobiografía. “Así surgió el concepto de 'Honky Tonk Heroes'. Billy Joe hablaba como hablaría un vaquero moderno, si saliera del Oeste y viviera hoy. Dominaba la jerga de Texas, su mundo era tan realista y realista como el día era largo, y llevaba su estrella solitaria como una insignia”. Más tarde, a medida que avanzaba la sesión, Billy Joe Shaver finalmente vio la visión más amplia que tenían en mente, y quedó deslumbrado. La historia tanto de la canción “Honky Tonk Heroes” como del álbum ilustra cómo a veces a través del conflicto puede surgir una gran creatividad. Si Billy Joe Shaver nunca hubiera abordado a Waylon Jennings en ese pasillo, quién sabe qué pudo haber pasado con el movimiento Outlaw. Y si “Honky Tonk Heroes” nunca se hubiera grabado como lo fue con los inusuales cambios de hora, tal vez el álbum no habría sido tan bien recibido e influyente como finalmente lo fue y sigue siendo.
miércoles, 13 de diciembre de 2023
1077 - Steely Dan - My old school
martes, 12 de diciembre de 2023
1076 - Chicago - Feelin' Stronger Every Day
lunes, 11 de diciembre de 2023
1075.- Cosmic Slop - Funkadelic
Cosmic Slop, Funkadelic |
Cosmic Slop es el quinto álbum de estudio de Funkadelic, la banda liderada por George Clinton, la cual se dedicaba a la rama más psicodélica del funk, ya que de la parte más tradicional siempre corría a cargo de su banda hermanada Parliament, también liderada por George Clinton. Ambas bandas daban forma al llamado sonido P-Funk. Dicho disco es grabado entre 1972 y 1973 entre el United Sound Studio de Detroit y el Manta Sound Studio de Toronto, bajo la producción del omnipresente George Clinton, y publicado en julio de 1973 por el sello discográfico Westbound Records.
El disco fue un fracaso comercial, llegando a alcanzar únicamente el puesto 112 en la lista de ventas Billboard Pop Chart de Estados Unidos, y el puesto 21 en la lista también estadounidense R&B Chart. Sin embargo, con el tiempo el disco ha sido reevaluado muy faborablemente por la crítica especializada. Para este álbum George Clinton, al contrario que con su antecesor álbum, America Eats its Young (1972), contó con una formación más pequeña para su grabación, limitada a dos guitarristas, Garry Shider y Ron Bykowsky, el percusionista Tyrone Lampkin, el teclista Bernard Worrell, y el bajista "Boogie" Mosson. Contó también con la colaboración en las voces de Mallia Franklin y Debbie Wright, ambos miembros de Parliament, y del baterista Tiki Fulwood en el tema Nappy Dogout.
Incluido en este álbum encontramos la canción que da nombre al mismo, Cosmic Slop, la cual tiene un potente ritmo y una letra muy incisiva que nos cuenta la historia de un mujer con cinco hijos que trabaja como prostituta para alimentar a su familia. Ella es una mujer temerosa de Dios que reza justificando sus pecados y que ruega por sus hijos, pero el diablo también le está escuchando y le responde: "Would you llike dance with me ? We're doing the cosmic slop" (¿Quieres bailar conmigo? Estamos haciendo el desastre cósmico). En una entrevista, el líder de la banda George Clinton afirmaba haberse inspirado en "mujeres que tienen que prostituirse para cuidar a sus hijos y se sienten avergonzadas de sí mismas, o sienten que no están haciendo lo que deben hacer". También afirmaba que "El instinto de tener que cuidar a tus hijos es un instinto fuerte, así que es un asunto mental. Crees que estás bailando con el diablo y tienes que hacer algo así para mantener a tu familia... Eso es lo que es Cosmic Slop". Clinton escribió esta canción con Bernie Worrell, el teclista del grupo. De las voces en esta canción se encargó el guitarrista Garry Shider, que solía llevar un pañal en las actuaciones en vivo.
domingo, 10 de diciembre de 2023
1074 - All the way from Memphis - Mott The Hoople
Mott the Hoople fue una banda marcada por la tragedia, pero no porque les pasara algo grave, la tragedia radica en que con demasiada frecuencia se pasa por alto si trabajo. Durante su mejor momento en la década de 1970, fueron un elemento anónimo del rock and roll, un gusto adquirido. El tiempo no les regaló nada más que un estatus de culto. Antes de ser Mott the Hoople, eran Silence, la banda de rock inglesa, compuesta formalmente por el líder Ian Hunter, el guitarrista Mick Ralphs, el organista Verden Allen, el bajista Pete Overend Watts y el baterista Dale “Buffin” Griffin, se llamó por primera vez Silence cuando se formaron en 1968, cambiaron su nombre a regañadientes a Mott the Hoople en 1969 con la promesa de un contrato discográfico. Su nombre fue tomado de una novela de 1966 del mismo nombre escrita por Willard Manus. En el libro, el personaje principal, Norman Mott, se considera un “grosero”, una palabra que el propio Manus tomó prestada de una tira cómica de un periódico llamada Our Boarding House."Hoople" es un término del argot para referirse a alguien que no lo hace bien. Consiguieron un fan en el gran David Bowie que acepto producir su álbum de 1972, Bowie también ofreció a la banda su recientemente escrita “All the Young Dudes”, una canción que se convertiría en la canción principal del álbum y en su mayor éxito.
All the Way From Memphia podría haber sido simplemente otra historia sobre una banda en la carretera que se dirige a Memphis para un concierto cuando se dan cuenta de que se han dejado us guitarras, pero Ian Hunter siempre tuvo la habilidad de no contar una historia de la manera ordinaria, y mientras menciona lo embarazoso de la situación ("¡Hombre, ese es tu instrumento!", le dice un tipo, y cuando agrega, "Me sentí tan ¡avergonzado!", se nota que no cubre ni la mitad), pronto Hunter comienza a asociarse libremente con el lento ascenso de Mott the Hoople hacia el éxito de la noche a la mañana ("De los muelles de Liverpool al Hollywood Bowl"), sus propias dudas sobre éxito ("Tu nombre se calienta mientras tu corazón se enfría") y su obstinada negativa a hacerse ilusiones sobre el estrellato del rock ("Pareces una estrella, pero todavía estás en el paro"). Pero nadie se habría atrevido jamás a argumentar que a Ian Hunter no le encantaba el rock & roll (Hunter incluido), y desde el áspero pisotón de los primeros acordes de piano (tocados por el propio Hunter) hasta el solo de saxo al final. (cortesía de Andy Mackay de Roxy Music), "All the Way From combina el rock & roll de la primera ola que hizo famoso a Memphis con la arrogancia glamorosa del rock británico de alrededor de 1973 de una manera que sólo un verdadero fan podría haber evocado.
Catch a Fire - Bob Marley and the Wailers #MesBobMarley
Catch a Fire, Bob Marley |
Catch a Fire es el quinto álbum de estudio de Bob Marley and The Wailers. Este fue el primer disco lanzado por la discográfica Island Records. Depsués de una gira por el Reino Unido, la banda había comenzado a grabar pistas para un nuevo disco, paro no tenía dinero para regresar a Jamaica y encima estaban en medio de una disputa contractual con CBS, por lo que su mánager Brent Clarke consigue que el productor Chris Blackwell, de Island Records, les adelante dinero para la grabación del álbum. En lugar de eso, Marley y compañía usaron el dinero para regresar a casa, donde completaron las grabaciones de Catch a Fire. El disco cuenta con nueve canciones, de las cuales siete fueran escritas por Bob Marley y las dos restantes por Peter Tosh (400 Years y Stop That Train). Una vez completadas las grabciones, Marley envió estas a Londres, donde Blackwell reelaboró las mismas, con contribuciones del musico de sesión de los famosos Muscle Shoals, Wayne Perkins, quien tocó la guitarra en tres pistas sobregrabadas.
Portada de la primera edición original |
Catch a Fire fue lanzado originalmente bajo el nombre The Wailers, y la portada era un encendedor Zippo, diseñado por los artistas gráficos Rod Dyer y Bob Weiner. Los lanzamientos posteriores tuvieron una portada alternativa diseñada por John Bonis, que representaba un retrato de Esther Anderson de Bob Marley fumando un porro. En dicha funda se acreditaba a la banda como Bob Marley and the Wailers. El disco fue grabado entre mayo y octubre de 1972 en Jamaica, mezclado en los estudios Island de Londres, bajo la porducción de Crhis Blackwell y Bob Marley, y publicaco el 13 de abril de 1973 por el sello discográfico Island Records.
La gira de promoción del álbum, que cubrió Inglaterra y Estados Unidos, ayudó a generar interés internacional por la banda, y el disco llegó a alcanzar el puesto 171 en las listas Biilboard 200, y el puesto 51 en las listas Billboard Black Albums, ambas estadounidenses. La revista Rolling Stone situó Catch a Fire en el puesto 126 d su lista de los "500 mejores ábumes de todos los tiempos", solo superado por su disco Legend (1984). Estamos ante un álbum clásico que define y trasciende dentro del género reggae, y que además consigue llegar a una audiencia más amplia. Este álbum sería el comienzo del camino de Bob Marley para convertirse en toda una estrella mundial. Catch a Fire es toda una creación grupal, donde la banda, los cantantes y los compositores trabajaron juntos para crear algo grande que esta muy por encima de las individualidades.
Las letras de las canciones nos hablan de las injusticia política hacia los negros, de la pobreza, nos hablan de inconformismo, de lucha, de levantarse, de no rendirse, comenzando con Concrete Jungle, una reflexión sobre la vida en la ciudad, la lucha y la supervivencia. Marley nos describe la vida en una ciudad con un entorno urbano hostil y agobiante, y explora la lucha diaria por la supervivencia y la falta de esperanza en dicho entorno. Slave Driver, con un ritmo enérgico y contudente, aborda la opresión y la resistencia a través de la metáfora de la esclavitud, comparando a los opresores con "conductores de esclavitud". La letras reflejan la resistencia y la lucha de aquellos que ejercen el control y el poder sobre otros. 400 Years es uno de los dos temas escrito por Peter Tosh, grabado originalmente para el álbum Soul Rebels (1970), y que fue regrabado para este disco. Estamos ante una feroz y abrasiva canción que aborda la historia de la opresión que sufren los afrodescendientes, haciendo referencia al periodo de 400 años, desde la esclavitud hasta la lucha por la emancipación y la igualdad. Todo un mensaje contra la opresión social y racial que han sufrido a lo largo de la historia. Stop That the Train con un ritmo alegre y animado, nos habla sobre escapar de los problemas y seguir adelante. En este tema Marley aborda la idea de detener el tren de los problemas para poder encontrar la libertad y la felicidad. A pesar de los obstaculos nos anima a seguir avanzando y superarlos. Cierra la cara A Baby We've Got a Date (Rock It Baby), una canción de amor con un contagioso ritmo y una alegre melodía que nos invita a bailar y a disfrutar con la persona amada.
La cara B comienza de la misma forma en la que acabamos la Cara A, con una romántica canción sobre avivar el amor y la pasión, Stir It Up. Un himno romántico que celebra el amor y la pasión. La canción tiene un suave y relajante ritmo típico reggae, y las letras hacen referencia, de forma metafórica, al hecho de hacer el amor. Kinky Reggae tiene un ritmo pegajoso que nos habla de la influencia del género reggae en la cultura. La letra se centra en la diversión y el ambiente festivo que podemos encontrar en la música y en las personas que disfrutan del reggae. El término "Kinky" en el título no esta asociado a nada sexual, más bien a la manera distintiva en la que el reggae cautiva y mueve a la gente. No More Trouble nos vuelve a conducir a la parte poderosa del disco, una llamada a la paz y la justicia en un mundo lleno de conflictos y problemas. Una llamada a la unidad y a la resolución pacífica para abordar los conflictos que enfrentan a la humanidad. Cierra la cara B, y por tanto este disco fundamental, Midnight Ravers, una canción con una intensa y enérgica atmósfera donde las letras se suman para crear una sensación de misterio mientras nos hablan sobre la vida nocturna, la fiesta o la euforia. Esta canción capta la esencia de la vida nocturna y la energía vibrante que se encuentra en esos momentos.
Catch a fire está considerado como uno de los mejores álbumes de reggae de todos los tiempos. Con este disco comenzo el ascenso al Olimpo musical de Bob Marley, y fue además el primer álbum de la banda que fue lanzado fuera de jamaica. Estamos ante un disco fundamental para entender el género reggae.
sábado, 9 de diciembre de 2023
1073.- If you want me to stay - Sly and the Family Stone
viernes, 8 de diciembre de 2023
1072.- Give Me Love (Give Me Peace on Earth) - George Harrison
El disco de la semana 355: Fire and Water - Free
Fire and Water, Free |
Free fue una banda británica fundada en 1968, y compuesta originalmente por Paul Rodgers (Voz, guitarra y teclados), Paul Kossoff (Guitarra), Andy Fraser (Bajo y teclados), y Simon Kirke (Batería). Este grupo se convirtió en una influyente banda dentro del panorama británico rockero, y sólo los problemas internos impidieron que esta banda perdurase más en el tiempo y se hiciera más grande, como varios de sus integrantes reconocerían posteriormente. Dejaron tras de sí 6 discos de estudio, siendo con el tercero Fire and Water, editado en 1970, con el que consiguieron despuntar, consiguiendo todo un éxito de ventas con su clásico tema All Right Now. Pero los problemas de algunos miembros con las drogas y la rencillas internas avocaron al grupo a realizar algunos cambios en la formación, que no llegó a cuajar y por tanto su disolución. Paul Rodgers fundaría Bad Company junto con Simon Kirke. Paul Kossoff lo intentó con Back Street Crawler, pero desgraciadamente fallecería poco después a causa de una sobredosis a la edad de 25 años.
Nos vamos a centrar precisamente en su tercer álbum de estudio en la recomendación de esta semana, Fire and Water, grabado durante los meses de enero y junio de 1970 entre los Trident Studios y Island Studios de Londres, bajo la producción del propio grupo, y publicado el 26 de junio de 1970 por el sello discográfico Island Records. Tal fue el espaldarazo de este tercer disco, que gracias a él llegaron a encabezar el famoso Festival de la Isla de Wight en 1970, con una audiencia estimada de dicho festival de entre 600.000 y 700.000. En dicho festival llegaron a compartir cartel con artistas como Jimi Hendrix, The Doors, Taste, Ten Years After, Miles Davis, Leonard Cohen, The Moody Blues y Jethro Tull, por nombrar sólo algunos. Llegaron a alcanzar el puesto número 2 en las listas de ventas del Reino Unido, permaneciendo en dicha lista un total de dieciocho semanas. En Estados Unidos alcanzaron el puesto número 17 en las listas de ventas.
Fire and Water contiene una mezcla de blues rock, hard rock y elementos de música soul, y muestra la potente voz de Paul Rodgers, el virtuosismo a la guitarra de Paul Kossoff y el buen hacer compositivo de la dupla Rogers/Fraser. Comienza el álbum con la canción que da título al disco, Fire and Water, tema donde podemos disfrutar de un buen blues rock aderezado con un toque de soul, mostrando ya desde inicio la potente voz y gran clase de Paul Rodgers y la habilidad a las seis cuerdas de Paul Kossoff. Le sigue Oh I Wept, una conmovedora balada donde Rodgers sigue demostrando por qué es una de las grandes voces del rock. Remember es una canción con un ambiente más suave, menos crudo que los temas anteriores, con una melodía muy emotiva y muy efectiva, conteniendo además unas letras muy reflexivas. Cierra la cara A Heavy Load, una canción más potente y enérgica que se encarga de equilibrar la balanza para mantener la intensidad del álbum.
Abre la cara B Mr. Big, uno de los grandes momentos del álbum. La canción contiene una letra muy dura, y Paul Rodgers se sorprendió cuando vió que el tema salía adelante. Sobre la letra Rodgers afirmaba: "Solía escuchar a BB King, y creo que me inspiré en su enfoque sobre la feminidad, ¡su postura varonil!, y esa canción es una lección de simplicidad". La canción también destaca por su característico riff de guitarra, para impulsar la canción. todo un reflejo del talento instrumental y vocal de la banda. Don't Say You Love Me combina elementos de blues y rock con unas emotivas letras, y no desentona con la química del disco. Cierra este gran disco con All Right Now, el mayor éxito de toda la discografía de la banda. Contiene un riff de guitarra que se convertido en todo un clásico dentro del género. La versión del álbum es más larga que la editada como sencillo, ya que contiene el segundo estribillo repetido y un solo de guitarra más largo. La canción fue escrita por el bajista Andy Fraser y el vocalista Paul Rodgers en el edificio de la Unión de Estudiantes de Durham, después de un mal concierto en Durham. Al terminar el espectáculo y salir al escenario para despedirse del público salieron con el sonido de sus propios pasos. Los aplausos habían muerto antes de que la banda abandonara el escenario. Necesitaban algo potente para cerrar los conciertos, y de repente, les llegó la inspiración, Fraser comenzó a bailar cantando "All Right Now". Se sentó y la escribió allí mismo, en el camerino.
Fire and Water es un álbum fundamental en la historia del rock por varias razones. En primer lugar, este disco fue el punto de inflexión para Free, llevándolos a la fama mundial y convirtiendo All Right Now en un icónico himno del rock; Además, el álbum mostró, con mucha elegancia y clase, una combinación de géneros como el blues rock, el hard rock y el soul, que influenció a multitud de bandas posteriores a la hora de fusionar diferentes estilos musicales; Muy destacables también la poderosa voz de Paul Rodgers y la habilidad con la guitarra de Paul Kossoff; Y por último, el impacto y legado que la banda ha dejado en generaciones de músicos y bandas posteriores, un impacto que a día de hoy todavía perdura.