Claudia Puyó - Del Oeste (FLAC - 1985)

 

 

Primer álbum de una de las cantantes mas talentosas y versátiles de la música argentina. Publicado en 1985, el disco contiene composiciones propias junto a otras de artistas como Miguel Mateos o Miguel Zabaleta, mas un tema que le regaló Luis Alberto Spinetta (Viento del lugar), que el Flaco nunca grabó.

 
"Mi primer disco lo empecé a grabar el 7 de junio de 1984, lo recuerdo muy bien porque es el día de mi cumpleaños. Y como bien decís, fue muy difícil todo porque Oscar López que era el productor tenía una discográfica con Billy Bond que se llamaba Shazam Records. No quería que grabara mis canciones sino versiones de otros artistas, pero finalmente y luego de discutir mucho pude incluir 4 y elegir a Daniel Freiberg como productor y arreglador que conocía por haber hecho un gran trabajo con Alejandro Lerner. Por eso y gracias a que me sugirió agregarle cuerdas a algunas de mis composiciones, es que Del Oeste cuenta con la participación increíble de La Camerata Bariloche y con una hermosa versión en piano de “Creo que tengo que decirte algo”. Y la frutilla del postre fue que el mismísimo Luis Alberto Spinetta me regalara un tema propio que se llama “Viento del lugar” y que nunca grabó. Un flash, porque el Flaco siempre fue el músico que más admiré en toda mi vida".

Claudia Puyó

 

"Claudia Puyó es una de las grandes (y muchas veces olvidadas} cantantes de rock y blues que surgieron en lá década del ochenta. Recién conocería la gran exposición pública, sin embargo, haciendo coros con Fito Páez en la época de El Amor Después Del Amor. Del Oeste marca su debut como solista, tras una larga carrera previa en escenarios, primero como integrante de los grupos Ana Gris y Trigémino, luego como corista de Alejandro Lerner, Pedro y Pablo, y Cantilo y Punch. Después, Claudia cantaría como solista en festivales legendarios como B.A. Rock 82' , el Circo Eléctrico Del Rock and Roll y, varias veces, en La Falda. Tras haber grabado como invitada en discos de Suéter, David Lebón, Patricio Rey y sus Redonditos Rícota, y luego de múltiples postergaciones, se concreta su lanzamiento discográfico en 1985. Del Oeste se había comenzado a grabar casi un año antes, con temas propios como "Creo que tengo que decirte algo" y "Para Ver El Sol", aunque las sesiones terminaron recién en junio de 1985. El repertorio es una excelente muestra de su talento y voz inconfundible, capaz de impactar y emocionar en canciones lentas, rocks o blues. El tema de difusión fue "Fuera de la línea", y una rareza especial es la inclusión de "Viento del lugar", de Luis Alberto Spinetta". 

Marcelo Fernández Bitar

"Yo empecé a los 15 años con un dúo que se llamaba Ana Gris. Después canté en Trigémino junto al Pollo Raffo, Marco Pussineri y esa gente. En el '77 armé un grupo —Tierra de Octubre—que duró sólo un recital. Después de eso volví a armar Ana Gris con Aníbal (Forcada) y un guitarrista que ahora está en Berkley: Claudio Tricutti. Cuando Aníbal se fue a trabajar con León (Gieco), yo seguí con Claudio hasta que en enero del '81 nos fuimos a Brasil. Estuvimos viviendo en San Pablo y allí canté la música de una película, haciendo el doblaje al castellano de un tema de Chico Buarque. Cuando volví comencé a ir los domingos a Jazz & Pop a zapar con cualquiera. Yo, en esa época, ya componía algunas cosas, aunque cantaba de todo porque en definitiva lo que a mi me gusta es cantar.
Un día me llamó Oscar López, me presentó a Miguel Cantilo y así empecé a hacer coros con Pedro y Pablo. Después de eso canté algunas veces con Alejandro (Lerner) y más tarde comencé a buscar músicos para mi banda. Ahora, por suerte, ya estoy trabajando con mi propio grupo. Los integrantes son Daniel Vicenti en guitarra, Yalo en bajo (ambos ex Studebaker), y dos miembros de El Tren: el baterista Guillermo Trapparti y el tecladista Guillermo Yonas."
Todo es más complicado siendo mujer porque el mundo es más difícil, la sociedad es más dificil. Siendo mujer es más difícil todo y te cuesta más demostrar que sos un buen músico. Joni Mitchell es Joni Mitchell y todo el mundo la respeta, pero ahora. Hasta que vos le demostrás al mundo que sos buena en lo que hacés, te cuesta una barbaridad. Además te tenés que bancar a todos los que te quieren levantar.
Según Claudia, en este momento se está viviendo "la hora de la decantación musical", pero pese a eso asegura que van a seguir surgiendo mujeres en el rock porque "hay muchas que matan y merecen surgir y mostrar lo suyo". Entre los planes de Claudia Puyó figura el grabar a corto plazo un álbum, aunque aún no sabe cuánto comenzará a trabajar en los estudios. El disco será una buena oportunidad de conocer más a fondo a esta joven solista, ya que si bien el público escuchó su excelente voz y observó su atractiva figura, aún no tuvo oportunidad de adentrarse en el sentimiento de Claudia como compositora . C.P.: "Obviamente, en el disco va a haber varios temas míos, pero también pienso incluir temas de otros autores, como el caso de mi guitarris-ta. Mucha gente ve a Claudia como una "nueva" Celeste Carballo y asegura que ella es la respuesta de una agencia artistica a otra. Claudia no da mayor importancia al tema porque dice que "eso es un problema entre agencias" y enfatiza su propia definición sobre el tema: "Muchos me preguntan si yo soy la segunda Celeste Carballo y yo siempre respondo que soy la primera Claudia Puyó". C.P.; "Si las agencias compiten es un problema de ellas. Los músicos no tenemos por qué competir. A mí me encanta Celeste, me encanta Sandra (Mihanovich) y me encanta que haya muchas mujeres haciendo cosas". Claudia admite que su mayor influencia fue Aretha Franklin -aunque comenta que "con el tiempo escuché a Janis Joplin y me mató"- y no acepta que se la defina como una cantante de rock and roll porque "si bien me encanta ese estilo, me siento más identificada con el blues." "De todas formas —enfatiza a modo de despedida— a mi me gustan muchos estilos y lo único que quiero es cantar".

Claudia Puyó (Revista Pelo 1983)

 

 

 

Músicos Que Participan:

Voz, coros, pandereta (04): Claudia Puyó
Bajo: Jorge Alfano / Roby Pesino (10)
Batería: Zurdo Roizner (01-05-06-07)/ Alejandro Mareos (08)/ Oscar Moro (04) / Luis Ceravolo (09) / María C. Sánchez (10) / Osvaldo Fattoruso (02)
Percusión: Rubén Rada (08) / Cesari Junior (09)
Guitarras: Guillermo Arrom (rítmicas en 02-04) / Tano Vincenti (solos en 02-04; rítmicas y solos en 01-10) / Francisco Rivero (05-06-07-09) / Miguel Meteos (08)
Piano, sintetizadores y arreglosde cuerdas: Daniel Freiberg / Alberto Gómez (piano en 02)/ Roby Krygel (piano y poli 800 en 10)
Saxo tenor: Andrés Boiarsky (08)

Temas:

01- Fuera de Linea
02- Aquellos tiempos modernos
03- Creo que tengo que decirte algo
04- Empezar de nuevo
05- Viento del lugar
06- No quiero aprender
07- Vas a llegar a mi
08- Baño de damas
09- Para ver el Sol
10- Tras el Dorado

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Arco Iris - Agitor Lucens V (FLAC - 1975)

 

 

Agitor Lucens V es el último trabajo discográfico de Arco Iris con su formación original, que incluía a Gustavo Santaolalla y Horacio Gianello. Nuevamente abordan aquí, como en el álbum Sudamérica o el regreso a la aurora, una temática conceptual. La base argumental del álbum hace referencia a la llegada de seres extraterrestres a nuestro planeta. Musicalmente el grupo comienza a incorporar (de la mano de Ara Tokatlian), elementos de jazz contemporaneo, junto a su clásico estilo de rock progresivo con arreglos de raíz latinoamericana. Disco imprescindible de una de las grandes agrupaciones del rock argentino del años setenta.

 
Otra obra fundamental de este magnifico grupo y la última con la formación clásica de Tokatlian, Santaolalla, Bordarampe y Gianello. Nuevamente un doble vinilo (al igual que su trabajo anterior). Con menor, aunque no ausente contenido folklórico, igualmente nos deleitan con esas zambas y malambos electricos que saben hacer. No dejan de utilizar instrumentos regionales aunque el protagonismo de los vientos y teclados en manos de Tokatlían y la personal guitarra de Santaolalla es predominante. Impecable como siempre el trabajo de Gianello en la batería apoyado por los otros miembros en la percusión. Abordan la temática de los extraterrestres y es interesante comentar que, mientras buscaban material para la obra, surge del encuentro con Fabio Serpa, un ex actor devenido en investigador de fenómenos sobrenaturales, la realización de la musica para un audiovisual llamado "El Cosmos y el quinto Hombre". Este material se conserva grabado y nunca ha sido publicado. Para las presentaciones entablan relación con Oscar Araiz, que participará con su ballet e incluso representará la obra en París.
En las letras que se aprecian en los temas y por su portada, uno se puede dar cuenta que la historia se basa en un ser extraterrestre que visita una civilizacion indigena nativa, donde este ser, Agitor Lucens V, miembro de alguna dinastia sideral baja de su nave madre y convive con dichos nativos. Si habria que calificar este disco conceptual en tres palabras, serian: "Metafisico, Espacial y Monumental" como lo son las culturas Inca y Maya.
Luego de este álbum Santaolalla y Gianello se separan de la agrupacion, fundamentamente por diferencias en el enfoque filosófico de la comunidad. Un par de años después editarán junto a otros músicos el álbum de Soluna "Energía Natural" (publicado en el blog). Arco Iris continúaria con Ara, Bordarampe y otros musicos. 

 

 "En "Agitor" el folklore está presente en toda la obra. Si bien tiene características marcadamente diferentes en relación con los demás álbumes. En este caso, como es lógico, adaptamos los ritmos a la temática particular de la obra. Por eso aparece, pero bajo formas diferentes —aclara Gustavo—. Por supuesto ésa era nuestra visión particular sobre el hombre y el cosmos.
Como dice Gustavo —continúa Horacio— no fue un hecho premeditado, sino que nos adaptamos a las circunstancias de la obra. En "Agitor" nosotros comenzamos a explotar nuevas formas métricas y métrico-rítmicas, totalmente novedosas. En la actualidad existe un grupo inglés que. revolucionó el ambiente utilizándolas, la Mahavishnu Orchestra. Este método de composición fue descubierto en los Estados Unidos en el año '66 por Don Elis. A partir de los Beatles hasta hoy, lo común para cualquier grupo era tocar ritmos de cuatro por cuatro, tres por cuatro, o cinco por cuatro. Esto de alguna manera significó la música de las bandas progresivas de los años sesenta y principios del setenta. Este músico norteamericano empezó a utilizar otro tipo totalmente diferente de corntrases, si bien ya existían en la música griega o turca, y empezó a utilizar compases de medio tiempo. El resultado fueron compases de tres y medio por cuatro, cuatro y medio por cuatro, etc. Son todas esas formas métricas que hacen distintivo el trabajo de la Mahavishnu Orchestra, que es el grupo que puso ese estilo en vidriera. Nosotros ya empezamos a usar esas formas en "Agitor" y estarán en el próximo long play. Hemos Ilegado a componer métricas absolutamente inusuales; por ejemplo, hay tema de Gustavo que va en quince por dieciséis, Todo esto parece muy técnico y frío así dicho, pero estas variantes le proporcionan un vuelo total a la composición". 

 

Gustavo Santaolalla y Horacio Gianello (1975)

Presentación de Agitor Lucens V, junto a ballet de Oscar Araiz (Teatro Gran Rex-1975)

Integrantes:

 

Gustavo Santaolalla: Voz, guitarra, charango, efectos de sonido
Ara Tokatlian: Teclados, saxo tenor alto y soprano, flauta, armonica, efectos de sonido
Guillermo Bordarampe: Bajo, contrabajo, voz
Horacio Gianello: Bateria, percusión 

Temas:

 

01- Intro (La Divina Madre)
02- Lucero Andino
03- Vientos Celestiales
04- a) Bas-Bus
      b) Si El Señor Me Dio Estas Manos
05- Bas-Bus
06- Principe Del Alba (Aurora Boreal)
07- Las Luces Eternas
08- El Regreso Del Pajaro Dorado
09- La Nave Madre
10- El Arcangel Miguel
11- Agitor
12- Sendero De Marcahuasi
13- Paraiso Sideral
14- Un Tiempo Y Tiempos Y La Mitad De Un Tiempo
15- Lucens V
16- Las Huestes De Orion
17- Salmo a Cristo (El Sublime Peregrino) 

 

 

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Los Gatos - En Vivo!!...y En Estudio (FLAC / 1970-1971) Remaster. 2017

 

 

"En Vivo y En Estudio" está compuesto por material grabado entre 1970 y 1971 que permaneció inédito hasta 1987. Como su nombre lo indica está integrado por un lado grabado en estudio, sin la intervención de Pappo, con Toth en guitarra y Nebbia en bajo. El lado 2 de la edición original conteniene temas grabados en vivo el 4 de diciembre de 1970 en el Teatro Odeón.

 

A comienzos de 1969 Los Gatos se separan momentáneamente. Durante nueve meses, todos los integrantes de la banda, con excepción de Nebbia, viajaron por Estados Unidos, conociendo la música local, escuchando a los "grandes del momento" y llegando, incluso, a grabar un simple con un cantante norteamericano, que quedó inédito. En el interín, Nebbia inició su carrera solista, filmando la película "El extraño de pelo largo" y lanzando su primer LP.
Los Gatos retomarían el camino al año siguiente con "Beat Nº1", con Pappo en el lugar de Kay. En este álbum se notan claramente los dos estilos: el mas melódico de Litto (en "Sueña y corre") y el rockero que imponía Pappo en temas como "Hogar".
"Rock de la mujer podrida" era el título para el siguiente LP, pero por problemas de la censura sería cambiado por "Rock de la mujer perdida" (1970). Este, el último, será el álbum más rockero y, para muchos, el mejor.
A mediados de 1970 Pappo ya abandonó la agrupación para formar su propia banda. Nebbia pasará a tocar el bajo y Toth ocupará el lugar del guitarrista alejado. "Le estamos sacando otro sonido al conjunto", anticipaban. Sin embargo la suerte ya estaba echada: un simple de baja repercusión y una serie de recitales signaron el adios definitivo a este grupo clave de la música nacional. A partir de ese momento, Litto Nebbia continuaría su carrera como solista.

"Este sexto álbum de los Gatos permaneció inédito desde qua desarmamos el grupo a comienzos de 1970. Contiene un lado en estudio y el otro en "vivo" realizado en un recital del Teatro 0deón de Buenos Aires. Aquí el grupo es un cuarteto, con los miembros originales, exceptuando al guitarrista Kay Galifi, que se fue del grupo mucho antes a vivir a Brasil. Ciro Fogliatta toca piano y Organo. Albedo Toth la guitarra eléctrica; Oscar Moro la batería, y yo además de cantar, toco el bajo eléctrico y la armónica en "vivo" y en estudio, realizo también algunas partes de guitarra rítmica y solista en "Canción para un ladrón". Conjuntamente con la reedicion de los discos originales de los Gatos y mi primer LP solista, es que aparece hoy por primera vez esta publicación que había quedado postergada. Sinceramente:"

Litto Nebbia. Bs. As. Abril '87

 

 

 

Integrantes:

Alfredo Toth: Guitarras, armonica, coros
Litto Nebbia: Bajo, guitarra (en "Canción para un ladrón"), voz
Ciro Fogliatta: Teclados
Oscar Moro: Bateria

Temas En Estudio:

01- Mamá Rock
02- Canción para un ladrón
03- Canción para un reventado
04- La casa de diarios viejos

Temas En Vivo:

05- Presentación y charla en público
06- Blues de la calle 23
07- Mujer de carbón
08- Final: Campo para tres

 

Bonus Track:

 

09- Canción para Antonio (Antonio)

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Patricio Rey y Sus Redonditos De Ricota - Paladium 86 (Bootleg / FLAC - 1986)

 

 

Hace unos meses atrás presentamos en la nave el icónico "Oktubre". Ahora completamos esa gran etapa de Los Redonditos con la presentación del álbum en vivo, ocurrida justamente el 18 y 25 de octubre de 1986 en el emblemático boliche Paladium de Buenos Aires. Un bootleg con un sonido mas que aceptable, originalmente grabado de consola y posteriormente digitalizado de CD en formato FLAC.

 

Especial agradecimiento al navegante Fernando Alonso, quien tuvo la generosidad de enviar este material (y mas) al correo del blog, para que sea compartido aquí en la nave. Salud Fernando!!

 

"Paladium 86" es una mezcla de los conciertos acontecidos el 18 y 25 de octubre de 1986 en Paladium (Reconquista al 945) a las 21:00 horas, para la presentación del nuevo álbum de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, Oktubre. El álbum tienen canciones de los dos álbumes del grupo hasta ese momento, además incluye varias canciones inéditas como por ejemplo, "El regreso de Mao", "Roxana Porchelana", "Rock de las Abejas", "Patricio Super Show" y "Nene Nena". También cuenta con "Blues de la Libertad", que fue editado recién en 1996 en Luzbelito.

En 1986, aprovechando el portaestudio del Gonzo, el grupo compone nuevos temas y bucea en un nuevo sonido. El resultado es gran parte del material que tomará parte del segundo disco: "Fuegos de octubre", "Semen-Up", "Musica para pastillas", "Preso en mi ciudad", "Motor psico" y "Divina TV Führer". En mayo tocan en Palladium, en shows que arrancan con la grandilocuente Obertura 1812 de Tchaicovsky. Por entonces, a la hora de encarar la grabación definitiva, el método de los ahorros permite que vayan a un estudio como Panda y ahí registran Oktubre, en los meses de agosto y septiembre. Los invitados de turno son Daniel Melero (por entonces en Los Encargados), en teclas, y Claudio Cornelio (del grupo revelación del momento, Don Cornelio y La Zona) en percución electrónica. La tapa, claro, una vez más va a dar a las manos de Rocambole. Para los siguientes shows, un ciclo en el centro Parakultural de la calle Venezuela y otro en Palladium, se suman Claudio Cornelio y el tecladista Andrés Teochadiris con su órgano Hammond. Durante el verano siguiente, en el momento en que el grupo decide incorporarlo como miembro estable, Andrés muere en un accidente. Skay y el indio deciden no reemplazarlo.

"Los Redonditos estuvieron recluidos en un estudio durante un par de meses y algo se apagó en el oscuro ambiente underground porteño. Los Redonditos volvieron para presentar su segunda obra, “Oktubre”, en un duro octubre para los que se aventuraron en organizar algún concierto, y Paladium se llenó hasta reventar.
Escenografía de revolución, brazaletes rojos, banderas y panel de manifestación más una opertura gloriosa, el monumental tema “Oktubre“ fueron la contundente imagen y sonido del reencuentro. Y la banda sonando mejor que nunca, potente pero fresca. El grupo ya tiene diez años, pero se ha superado y ha transformado su concepto para sonar, conmover más allá del mito. Lo que no suena bien —como una bateria directamente fuera de tiempo durante varios pasajes— al menos es simpático.
Una exposición de todo el nuevo material puede parecer riesgoso como para presentarlo ante un millar de fans —fans absolutos, de los que corean todos los temas— enardecidos. Pero los Redondos lo hicieron, y tan bien como para que la gente se diera cuenta que las canciones más recientes son también excelentes: ”Semen Up” —una especie de tango psicodélico—, “Ya nadie va a escuchar tu remera” —con una interesante teoria sobre los slogans estampados sobre la ropa— y “Divina TV Fürer”, junto con la primera, fueron de hecho lo mejor del concierto en Paladium. Otros pensarán que la verdad de los Redondos es el rockanroll más clásico. Pruebas no faltan: el final, con esa serie de siete —u ocho o nueve— rockanrolles seguidos fue sencillamente apoteótico."

Revista Pelo - Reseña de los conciertos (1986)

 

 Temas:

 

01- Fuegos de Oktubre
02- El regreso de Mao
03- Cancion para naufragios
04- Roxana Porchelana
05- Divina tv fuhrer
06- La bestia pop
07- Jijiji
08- Blues de la libertad
09- Rock para las abejas
10- Semen-Up
11- Preso en mi ciudad
12- Musica para pastillas
13- Patricio Super Show
14- Ya nadie va a escuchar tu remera
15- Nadie es perfecto
16- Unos pocos peligros sensatos
17- Nene nena

 

Integrantes:

 

Indio Solari: Voz
Skay Beilinson: Guitarra
Tito "Fargo" D'Aviero: Guitarra
Semilla Bucciarelli: Bajo
Piojo Ávalos: Batería
Willy Crook: Saxofón
Andres Teocharidis: Teclados
Claudio Cornelio: Percusión

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

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Ave Rock - Ave Rock / Espacios (FLAC - 1974/1977)

 

 

 

Ave Rock fue un grupo pionero en la instauración de una identidad progresiva dentro del circuito rockero argentino, surgido a mediados de los 70. No tan popular como otras agrupaciones del mismo género como Crucis o Espíritu, Ave Rock dejó como legado de su música dos discos imprescindibles, los cuales compartimos ahora en formato de alta calidad.

 

Formada por excelentes instrumentistas, esta agrupación comenzó con sus ensayos a fines de 1972, mientras se presentaba en contadas presentaciones. Su debut oficial se produjo en el Teatro Del Centro en junio de 1973.
Un año despues logró editar "Ave Rock" su primer álbum. El disco muestra a una banda muy habil con los cambios de ritmo y una solida base enriquecida por el trabajo de Caló y Borda.
Antes de presentarlo, se marchó de sus filas Osvaldo Caló, quien dos años despues se integraría a la agrupación de Astor Piazzolla como tecladista y, en ese papel, viajaría por Europa.
Caló fue reemplazado por Alfredo Salomone, pero los problemas internos fueron mas lejos. Al tiempo, Luis Borda y Daddy Antagona dejaron su espacio a Pancho Arregui y Pancho Ruiz.
Con esta nueva formacion, presentaron temas de lo que seria su segundo material, en un concierto realizado el 12 de noviembre de 1976 en el Teatro Astral.
Posteriormente editaron "Espacios", que no llegó a ser presentado formalmente ya que Sainz, principal compositor de la banda, abandonó sus filas, trayendo como consecuencia la separacion definitiva.

 

"No siempre es necesario eixgir e ]os músicos que sean buenísimos intérpretes, o virtuosisimos instrumentistas, Porque muchas veces debajo de eso no hay nada. Lo esencial, dentro de la música y cualquier otra expresión, es tener un sentido (si es muy bello, mejor) de lo artístico. Y después de escuchar el primer álbum de Ave Rock, este nuevo grupo argentino, uno tiene ganas de, decir muchas cosas. Pero es necesario destacar, trasmitir las que tienen más valor. Y lo que resalta meridianamente en ellos es una esforzada intensión por encontrarse con el arte. Sería difícil afirmar que lo han encontrado en totalidad, pero están haciendo un camino de belleza que, seguramente, es e] más correcto para llegar a la música. En el disco se notan muchas contenciones de sentimientos fogosos para buscar soluciones, armónicas en formas más pacientes y seguramente siempre más correctas. Hay un gusto especial en las guitarras de Ave Rock, aunque no un virtuosismo sorprendente; los solos no son expresiones egocéntricas, intentando en cambio reflejar una expresividad especial. El sostenimiento melódico a través de los teclados de Carlos Caló le da al grupo una dimensión que lo aleja —quizás por fortuna— del rock elemental y simple. Los tiempos han cambiado. Y eso lo demuestra esta grabación, perteneciente a un grupo nuevo, pero con una intención de sonido y música que tiene un nivel mínimo. De todos modos sería importante que para el próximo álbum Ave Rock. —o quien corresponda- conociera más profundamente las técnicas de producción de un disco. Si este álbum hubiese tenido una producción imaginativa en la relación estudio-sonido el grupo habría logrado un rendimiento seguramente mayor En cuanto a lo parte literaria. hay muy pocas expresiones: apenas tres letras y un tema con una coda. Federico Sainz —el más proiífico- tiene una intención de trasmisión de angustias y alienaciones intentando la poesía. con un mérito: ser claro, sin buscar el surrealismo para ocultar que en verdad no se tiene qué decir. Tapa: las caras exteriores buenas. Las interiores no bien diagramadas y medio amateur. La información técnica es escasa, aunque figuran las letras. Síntesis: Un excelente álbum; sorprendente por tratarse de un grupo nuevo y por ser su primer trabajo". 

 Revista Pelo: Reseña del primer álbum (1974)

 

"Espacios" es el segundo y ultimo trabajo de Ave Rock, y segun parece ser la opinion unanime, es su creacion musical mas lograda. Para empezar, de entrada se nota el abrazo de unas altas pretensiones compositivas, dada la presencia de dos temas de extensa duracion (el primero dura mas de 21 minutos, mientras que el ultimo llega casi a los 15 minutos y medio), pero mas alla de estos detalles, es de destacar el empleo organico de diversas ideas melodicas, texturas y cambios de ritmo, todo ello ejecutado con destreza y sensibilidad. Las influencias musicales de su sonido provienen de la exuberancia sinfonica de Yes y Genesis, asi como de la magia languida de Invisible y algo de la melancolia eterea del Pink Floyd 73-75, que funcionan a contrapelo para incluir matices en medio de la fastuosidad propia del sinfonismo: el resultado es un espectro estilistico variado y una inventiva para crear contrastes en sus composiciones. Las partes cantadas, aunque no son muy numerosas, muestran un gusto por las armonias vocales, lo cual realza en cierto modo la influencia de Yes. En suma, un disco atractivo y envolvente, que surge como una de las muestras mas efectivas del sinfonismo argentino de los 70s.

 

Reseña del álbum "Espacios" (1977)

 

 

Ave Rock en el Teatro Estrellas

Integrantes y Temas (Primer álbum, 1974):

Luis Borda: Guitarra, voz
Federico Sainz: Guitarra, voz
Oscar Glavic: Bajo, voz
Osvaldo Caló: Teclados
Daddy Antogna: Percusión

01- Ausencia
02- El absurdo y la melodía
03- Gritos
04- Déjenme seguir
05- Viva Bélgica

Integrantes y Temas (Album Espacios, 1977)

Francisco Aguirre: Guitarras, voz
Federico Sainz: Guitarras, voz
Oscar Glavic: Bajo, voz
Alfredo Salomone: Teclados
Hector Ruiz: Bateria, percusión

01- Pausa en espacios
02- 4.30 en el universo
03- Surcos en el aire 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

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Hair - Adaptación Argentina de la Obra Musical (V.A. / FLAC - 1971)

 

 

En 1971 se presentó en el Teatro Argentino una adaptación de la Comedia Musical “Hair” que venía arrasando a nivel mundial. La puesta argentina tuvo un toque local fuerte y contó con un staff con mucha gente conocida a través de los años: Ricardo Acosta, Carlos Avalos, Luis Vacantes, Mirta Busnelli, Cristina Bustamante ( la “muchacha ojos de papel” inmortalizada por Spinetta), Jorge Bustamante, Chango Bongo, Jorge Costa, Susana Debert, Regina Dosantos, Carola Cutaia, Raul Fernandez, Sussan Ferrer, Horacio Fontova, Jorge González, Juanco, Marcela de Laferrere, Danile Laufer, Maby, Sergio Makaroff, Roberto Martinez, Julio Ocampo, Juan Carlos Ochipinti, Ruth Reisin, Rolo, Mara Suárez, Franca Tosato, Susana Migliore de Vega, Teddy Vega, Emilio Vigo, Rubén Rada, Valeria Lynch y Pot Zenda...

La dirección musical corrió por cuenta de Carlos Cutaia, quien mas tarde sería tecladista de Pescado Rabioso y La Máquina de Hacer Pájaros.

 

Mundialmente exitosa comedia musical estrenada en Buenos Aires el 7 de mayo de 1971 en el Teatro Argentino propiedad de Alejandro Romay quien además produjo la obra en Argentina. Billy Bond también intentó hacerse de los derechos para poder ponerla en escena en Buenos Aires pero fue finalmente Rubén Elena quien los consiguió gracias a la ayuda económica de Romay. 

Fue originalmente estrenada en Estados Unidos en 1967 y es un alegato antibélico como respuesta a la intervención militar de los Estados Unidos en Vietnam. En la obra se hace culto al movimiento hippie de mediados de los 60's nacido en San Francisco, USA y enarbola las banderas del pacifísmo anunciandola llegada de una nueva corriente: "La Era de Acuario" en la cual las drogas pueden llevar a alucinar con una vida mejor, los negros son iguales que los blancos y el amor libre es un gran signo de libertad, al igual que el las barbas y el pelo largo, y el nudismo como vehículos de expresión de la libertad. La obra va narrando a traves del baile las experiencias de un grupo de jóvenes de New York que se van a vivir en comunidad protestando del servicio militar obligatorio a causa de la guerra de Vietnam, llevando una vida bohemia, criticando la sociedad de consumo, practicando el amor libre y utilizando drogas como manera de liberarse y poner la mente en trance viajando e imaginado distintas situaciones.

Este musical se emparenta en cierta manera con nuestro rock nacional dado que fue el debut de varios músicos y actores que con el correr del tiempo se hicieron conocidos. Entre los más de treinta integrantes de la tribu que participaron en este primer elenco de Hair del año 1971, estaban: Carolina Fasuolo (Carola), Horacio Fontova, Sergio Makaroff, Rubén Rada, Ricardo Acosta, Carlos Avalos, Luis Vacantes, Mirta Busnelli, Sussan Ferrer, Cristina Bustamante, Jorge Bustamante, Chango Bongo, Jorge Costa, Susana Debert, Regina Do Santos, Raúl Fernández, Jórge González, Juanco, Marcela De Laferrere, Daniel Laufer, Maby, Roberto Martínez, Julio Ocampo, Juan Carlos Ochipinti, Ruth Reisin, Rolo, Mara Suárez, Franca Tosato, Susana Migliore De La Vega, Teddy Vega, Emilio Vigo.

La mayoría de ellos fueron reclutados de cafes trasnochados, de campamentos en médanos de la costa atlántica y de festivales de música beat, pues el contrato exigía que los actores debían tener experiencia en vida comunitaria libre y comulgar con los principios que establecía el argumento de la obra. Hair se representó en nuestro país hasta el año 1974 con otros elencos entre los cuales también estuvo Valeria Lynch. En 2003 fue repuesta en Bs As con un agiornamiento haciendo referencia a la guerra del Golfo.

La obra contiene 2 canciones que marcaron toda una época, ellas son "Acuario" ( Aquarius) y "Deja Que Entre El Sol" (Let The Sun Shine In) que aún hoy son muy recordadas, convertidas en clásicos inmortales aunque mucha gente ignora que forman parte del musical de Hair.

Además esta obra marcó a cientos de jóvenes en los '70s con el ideal hippie y muchos se fueron a vivir al Bolsón, incluso parte de integrantes de la tribu de Hair también recalaron en el Bolsón por algún tiempo, según confesó en algún reportaje Miguel Cantilo que conoció a varios de ellos viviendo allí. El furor de Hair en el mundo era tan grande en aquellos años, que nadie en Bs As quería quedarse afuera, y según cuenta una leyenda urbana (corroborada por el propio director de la obra, Rubén Elena) se dice que hasta Luis Alberto Spinetta se presentó al casting pero su registro de voz no le permitió quedar entre los elegidos.

 
"Recorrí Europa con Katusha en busca de nuevas experiencias teatrales y en Roma conocí a Laura Virgiglio, quie me hizo escuchar el disco de Hair. Este fué mi primer contacto con la obra y entonces comprendí su éxito y el delirio de poder hacerla en algún lugar del mundo. Laura, habiendo visto la obra en París, sugirió que la viera en Roma y juntos tuvimos la idea de hacer Hair en Buenos Aires. En la premiere de la obra en Roma conocimos a Isabelle Blau, representante y amiga de los autores, y conversamos sobre la posibilidad de conseguir los derechos. Viajé a Nueva York y poco después conseguimos los derechos.
Laura y yo regresamos a Buenos Aires y comenzó la buqueda de "La Tribu", junto a Richard Osorio (productor ejecutivo), por los cafés trasnochados de Buenos Aires, festivales de música beat, zapadas clandestinas y en los médanos de Villa Gesell. Junto a Michael Butler y Alejandro Romay, como productores, Hair llegó a Buenos Aires. El día de la premiere Hair emocionó como la primera vez. Los que la han visto en otras ciudades del mundo, como Tel Aviv, Toquio, Amsterdam o París, sintieron que Hair en Buenos Aires es una de las mejores y es ahora un gran éxito.
Hoy, después de distintas luchas, logramos editar por primera vez la versión en castellano de la obra mas famosa y polémica de los últimos tiempos, cantada por una de las mejores tribus".

 

Rubén Elena - Director (Escrito en la contratapa del disco-1971)

 

 

Parte de la "Tribu" de Hair (Revista Semana Gráfica-16.04.1971)

Temas:

01- Acuario  
02- Donna hashish
03- Sodomía  
04- Negro reventado
05- Manchester Inglaterra
06- Soy negro - No tengo un no
07- Vía muerta
08- Creo en el amor
09- Aire
10- Iniciales
11- Tengo vida  
12- Pelo  
13- Mi convicción
14- Como pueden ser tan crueles  
15- Hare Krishna
16- Por donde voy? 
17, Electric blues  
18- Muchachos
19- Muchachos blancos  
20- Caminando en el espacio  
21- Tres-cinco-zero-zero  
22- Que obra de arte el hombre es - Ojos abiertos  
23- Buen día, estrella  
24- Los errores de la carne (Deja que entre el sol) - Ojos miren el fin

 

 

Formato: FLAC - 44.100 Hz / 16 Bits

 

 

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Las Blacanblus - Cuatro Mujeres y Un Maldito Piano / Rituales (1994 / 1997)

 

 

Cuatro damas de origenes diversos que hicieron historia en el blues, el jazz y el spirituals de nuestro país, en la decada del 90. Quizas un poco olvidadas en la actualidad; razón suficiente para rescatar en la nave sus dos primeros discos, muy dificiles de conseguir al día de hoy. Disfruten de estas cuatro voces maravillosas empapapadas de blues, y tan solo un maldito piano.

Esta publicación esta dedicada al amigo navegante Juan Manuel Muñoz.

 

Cristina Dall, Déborah Dixon, Mona Fraiman y Viviana Scaliza conformaron el cuarteto Las Blacanblus, reconocida agrupación femenina dentro del blues en Argentina. Estas cuatro mujeres se conocieron en un coro de “spirituals” y en 1992 deciden unirse y formar su banda de blues. Fueron dándose a conocer y sus conciertos comenzaron a ser recomendados por los críticos musicales de los diarios bonaerenses. Gracias a esto fueron invitadas a participar como coristas en la grabación del primer disco de La Mississippi.
En 1993 el cuarteto, liderado por la costarricense Déborah Dixon, acompañó a Pappo en un concierto en el estadio de Obras. A partir de ese momento, el mundo del blues argentino tuvo como protagonistas a estas mujeres que con “Cuatro mujeres y un maldito piano”, su primer álbum, en el cual se nota ese profundo sentimiento que unía a estas cantantes con el blues.
En 1994, Las Blacanblus grabaron su primer disco: “Cuatro mujeres y un maldito piano”. Esta grabación aumentó la popularidad del grupo, lo cual se reflejó en el premio “Revelación del año” entregado por la Asociación de Cronistas del Espectáculo.
En 1995 la banda participa en el Alligator Festival, presentando material de lo que sería su segundo álbum que se llamó “Rituales”. En 1995, en una entrevista para el diario El Clarín de Buenos Aires, Las Blacanblus dijeron lo siguiente: “Nos sigue gente que viene del blues, pero también del jazz y, por qué no, del rock. Sobre el hecho de tocar un "blues argentino", contestan "sería tonto pensar que una vive en la misma realidad que un negro que trabaja en una plantación de algodón en New Orleans. Pero lo que realmente importa en la música es que uno ponga emoción, ya sea para decir algo alegre o triste. El asunto es saber volcar la vida interior en una canción y el arma que nosotras tenemos es ésta”.
Por razones de salud, Mona Fraiman se retiró de la banda (lamentablemente fallecida en 2017), pero las otras tres integrantes siguieron adelante en su camino, abriendo su repertorio a los aires latinos y la música del Brasil, sin dejar a un lado el blues, obviamente.
En noviembre del año 2003 Las Blacanblus presentaron su cuarto disco, “Suena en mí” y tres años después la banda se separa definitivamente. En su discografía quedan 3 discos en estudio y uno en vivo: “Cuatro mujeres y un maldito piano” de 1994, “Rituales” de 1997, “Especial en vivo” 1998 y “Suena en mí” de 2003. 

 

 

Integrantes:

Déborah Dixon: Voz
Mona Fraiman: Voz
Viviana Scaliza: Guitarra, voz
Cristina Dall: Piano, voz

Músicos Que Participan:

Fernando Duro: Guitarra
Marcelo Mira: Batería
Gonzalo Serrano: Bajo 

 

Temas - Cuatro Mujeres y Un Maldito Piano (1994):

01- No Quiero Tu Dinero (El Rockito)
02- Blues Latino
03- Maldito Piano
04- Como Lo Hacia Fred Astaire
05- Rouge y Pentagrama
06- El Agitador
07- John Henry
08- Up Above My Head
09- St. Louis Blues
10- Ma Babe
11- After You´ve gone
12- Sweet Home Chicago
13- Sixteen Tons

Temas - Rituales (1997):

01- Blues Postnuclear
02- Bendicion
03- Hartas
04- Maxi
05- La Pasion Segun Tchang-Dong
06- Magia Discreta
07- It´s Tight Like That
08- Resuelvelo
09- Mas Mala Que La Peste
10- Dos Vasos Mas
11- Chau Valentino
12- Steal Away Home To Jesus

 

 

Formato: Mp3 - 320 Kbps 

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