Brooklyn Funk Essentials - Stay Good

26 años después de su influyente debut, Cool And Steady And Easy (Dorado Records, 1993), Brooklyn Funk Essentials presentó su sexto álbum de estudio. Su importancia era por entonces bastante menor, en parte porque el acid jazz había perdido su destacado rol en la escena negra internacional desde hacía mucho tiempo, en parte porque sus aportaciones a principios de los 90 resultaban bastante menos llamativas dos décadas después.

Da la sensación de que la banda de Brooklyn ni siquiera trataba de alejarse de sus inicios, pues la génesis de Stay Good se sitúa antes incluso de su fundación. Este es el primer álbum del grupo en el que Alison Limerick ejerce de vocalista principal y la cantante británica inició su discografía con el EP Where Love Lives (Arista, 1990), clásico del house compuesto y producido por Lati Kronlund, uno de los fundadores de Brooklyn Funk Essentials. Esa referencia la compartieron con las populares remezclas de David Morales y Frankie Knuckles, y a este último destacado productor, que murió en el 2014, está dedicado el disco. Fue también en dicho EP donde Kronlund conoció a Arthur Baker, otro miembro original de la banda.

Stay Good concluye con una versión funk de Where Love Lives que parte más de la remezcla que del original: es prácticamente house instrumental al estilo de Tortured Soul. Como homenaje extra a Frankie Knuckles, el conjunto versiona también Whadda U Want (From Me), uno de los más memorables temas de su irregular Welcome To The Real World (Virgin Records, 1995). Aquí se convierte en Watcha Want From Me, un festivo disco-funk marca de la casa, el tipo de tema soleado por el que en ocasiones es comparado con The Brand New Heavies.

Una tercera versión suena en Stay Good: Y Todavia La Quiero, de Joe Henderson, un atractivo jazz-funk que se aleja sensiblemente del tono del resto. Por lo demás, en el conjunto abundan las piezas de funk y soul influidas por el jazz y la música disco, entre otros estilos, la mayoría de ellas vitamínicas y bailables, solo que esta vez figuran más cortes relajados que de costumbre, incluyendo la balada soul Breeze On Me.

Tiene uno la sensación de ya escuchado, pero la propuesta está tan bien realizada como de costumbre y convencerá a sus seguidores de siempre.

Créditos:
Lat Kronlund: Compositor, Bajo, Productor.
Iwan Van Hetten: Teclados, Trompeta, Productor.
Alison Limerick: Voz.
Desmond Foster: Guitarra, Voz.
Hux DeLuxe: Batería.
Leena Conquest: Compositora.
Roy Ayers: Vibráfono.
Anna Brooks: Saxofón.
https://unplanetadesonidos.com/







1 Stay Good 6:50
2 Ain't Nothing 3:49
3 No Strings 3:40
4 Watcha Want From Me 4:28
5 Miss Mess 5:33
6 Keep The Love 4:29
7 Funk Ain't Ova 3:52
8 Breeze On Me 4:26
9 Bakabana 3:12
10 Y Todavia La Quiero 7:19
11 Steps 5:23
12 Where Love Lives 3:45

Read More

额尔德尼其其格-四季的草原

Un viaje a la música tradicional de Mongolia y que fue galardonado con la Medalla Nacional Meritorio de Mongolia Las canciones populares tradicionales, como su nombre indica, son la música popular "auténtica" creada por la gente de todos los grupos étnicos difundida entre los pueblos de una generacion a otra. Son una parte importante de la música "oral patrimonio cultural inmaterial "de la nación china. Las canciones populares son la cristalización de la sabiduría de personas de todos los grupos étnicos y un retrato vívido de las personas en varios períodos históricos. Estas canciones son producidas directamente por el pueblo y se han distribuido durante mucho tiempo entre agricultores, barqueros, secadores de pies, pastores y mujeres. Reflejan todos los aspectos de la vida en la época y se puede decir que son pergaminos animados de la vida de las personas en varios períodos históricos. Estas canciones son compuestas oralmente por el pueblo y se enriquecen y desarrollan constantemente , las letras son más depuradas y las melodías se van perfeccionando poco a poco, tienen un alto valor artístico. El lenguaje de las canciones populares es vívido. No toma directamente el lenguaje simple de la vida, sino que también presta atención al ritmo y las técnicas tradicionales de poesía como Bixing. Se origina en la vida y es superior a la vida. Es una obra maestra de el pueblo y las masas La esencia del lenguaje. Los tipos de canciones populares en nuestro país son extremadamente ricos, principalmente incluyen las canciones pastorales largas y cortas de Mongolia Interior, la melodía Manhan y la melodía de montañismo de Hetao y áreas circundantes. Shanqu y Xintianyou en el norte de Shaanxi y el noroeste de Shanxi, Huaer de las regiones de Gansu, Qinghai y Ningxia, Doce Muqams en Xinjiang, Canciones de hermanas y Canciones de Maoshan en el sur de Shaanxi y el norte de Sichuan, Canciones de Wu en Jiangsu y Zhejiang, Jiangxi y Fujian, folk Hakka canciones en la intersección de Guangdong, canciones matutinas en el cruce de Yunnan, Guizhou y Sichuan, Canciones populares de Dading, canciones populares de Midu, canciones populares de Luti y canciones populares humorísticas en áreas habitadas por tibetanos y canciones populares de otros grupos étnicos.




01.纤纤十指
02.善美无极
03.父亲
04.永恒的爱
05.心灵的圣母
06.两颗心
07.四季的草原
08.爱的见证
09.克尔伦的影子
10.吉祥如意
11.泽尔根图山岭
12.辽阔的牧场
13.青海子的麻雀
14.小黄马
15.灰朦朦的小麻雀
16.和煦的风

Read More

Toumani Diabate & London Symphony Orchestra - Kôrôlén

 

Kôrôlén es una colaboración muy especial entre dos titanes de la música: Toumani Diabaté, el virtuoso kora de Malí ganador de un Grammy, y la London Symphony Orchestra, reconocida mundialmente por sus interpretaciones de música orquestal en discos, películas y escenarios. Diabaté, un griot cuyo linaje musical se remonta a generaciones anteriores, es bien conocido como uno de los músicos más creativos del continente africano y es casi el único responsable de llevar el sonido icónico de la kora a las audiencias de todo el mundo. No es ajeno a una colaboración que desafía el género, ha grabado dos álbumes ganadores de un Grammy junto al pionero del blues del desierto Ali Farka Touré, así como proyectos con Taj Mahal, Björk, Béla Fleck, Damon Albarn y Afrocubism. Encargado como un proyecto especial por el Barbican Centre en Londres y producido por World Circuit, estas grabaciones presentan a Diabaté y su grupo de eminentes músicos malienses (incluidos Kasse Mady Diabaté y Lassana Diabaté), acompañados por la presencia vertiginosa de la LSO, en arreglos dedicados. por Nico Muhly e Ian Gardiner y dirigida por Clark Rundell. El título otorgado por Diabaté a este lanzamiento único e innovador, 'Kôrôlén', se traduce del idioma Mandinga como 'ancestral', un tema apropiado para un álbum que reúne antiguas melodías griot y arreglos orquestales occidentales, lo que da como resultado una dolorosamente hermosa y fresca. Sonido afro-neoclásico que atraerá a los admiradores de la música africana, tradicional y nueva clásica y ambiental.

1)Haïnamady Town
2)Mama Souraka
3)Elyne Road
4)Cantelowes Dream
5)Moon Kaira
6)Mamadou Kanda Keita

Read More

Radik Tulush - Spirits Of My Land

Radik Tyulyush, cantante y músico de Tuva, comenzó su carrera con la música rock ("UER", desde 1993 hasta el presente, y "Yat-kha", 2000-2004) pero prevaleció el ansia de raíces y tradiciones étnicas, y en 2005, junto con Carole Pegg en Inglaterra (Universidad de Cambridge), Radik grabó su álbum debut “Tuva: Spirits of my Land”, luego de lo cual fue invitado por el grupo de renombre mundial “Huun-Huur-Tu” y trabaja con este grupo hasta ahora.




1 Ritual Call
2 The Rocky Mountain's Head
3 Dumchuktaar Kargyraa
4 Tangdy Uula
5 Middle Pass
6 Spirit of the Water
7 Song of the Crickets
8 River Ulaatai
9 Wind in Ovur
10 Orphan Child
11 The Hunter's Song
12 My Bai Taiga
13 Spirits of My Land

Read More

Mamani Keita 4 CD´s {RESUBIDOS}

Mamani Keita
En Mali la tradición prohíbe cantar o tocar un instrumento a los que llevan el nombre real Keita. Por suerte, hay excepciones. Nacida en Bamako y educada por su abuela materna en la más pura tradición Bambara, MAMANI KEITA es una de las que, de antigua cantante de otro Keita (Salif), ha pasado a convertirse en una de las principales embajadoras de la nueva escena musical africana.


Marc Minelli
Né en Normandie, il émigre à Paris dans les années 90 après divers groupes et un crochet aux états-unis où il collabore avec la scène 'punk' de Boston, on le retrouve plus tard en spécialiste des premières parties 'challenges', Cigale avec Chris Isaak, Zénith avec Aubert, Olympia avec les Communards.... Les mêmes années le verront sortir un tube improbable 'Love Atomic', passer à la télé chez Ardisson 'Lunettes noires pour Nuits blanches', Fréderic Mitterrand 'Du côté de chez Fred' , composer la musique d'un spectacle nautique, écrire pour Dani ou remixer Carmel, bref.... La suite se passe en Afrique avec le projet 'Electro Bamako' et Mamani Keïta, le disque fait le tour du monde, Minelli réalise quelques rêves (jouer à New York au festival d'été de Central Park, à Londres au Royal Albert Hall, au Paradiso d'Amsterdam...), il réalise aussi l'album d'Ernest Ranglin ""Alextown"" pour Chris Blackwell (Island) et remixe Amadou et Mariam.




01 - N'Ka Willy
02 - Abdoulayi Djodo
03 - Mirri Ye
04 - Macary
05 - Laydou
06 - Demisenoun
07 - Nedjagnè
08 - Nani
09 - Djonni
10 - Si Gui Té Mogoson

Assitan Keïta, popularly known as Mamani Keïta (Bamako, 20 October 1965) is a singer and musician from Mali."Mamani" literally means "grandmother".

She was raised speaking Bambara, and was a backup singer for Salif Keïta.She is best known in English speaking countries for her album with Marc Minelli, Electro Bamako. She is credited on four tracks of the soundtrack album of the French animated film Kirikou et les bêtes sauvages (2005).Mamani Keita released her second album entitled Yéléma in 2006 and Gagner l'Argent Français in 2011. Both albums were produced and composed by French multi-instrumentalist Nicolas Repac.





1. Djekato
2. Lado
3. Eye Djama
4. Djama Nyemao
5. Cocotte Minute
6. Kassi Koun
7. Kedide
8. Tamata
9. Diarabi
10. A Ya Mine
11. Mali Denou
12. Yelema

Au Mali la tradition interdit à ceux qui portent le nom royal de Keita de chanter ou de jouer d'un instrument. Heureusement, il y a des exceptions.

Mamani Keita en est une qui, d'ancienne chanteuse d'un autre Keita en rupture de caste (Salif), est en passe de devenir l'une des principales ambassadrices de la modernité musicale africaine. Gagner l'Argent Français, son troisième album est le plus rock, le plus électrique à ce jour. Celui où elle prend le plus de risques. Il révèle intégralement une personnalité forte, passionnée, insoumise, une voix rebelle dont la part mandingue se débride au contact d'un univers sonore aussi inventif qu'hétéroclite conçu par Nicolas Repac, guitariste et arrangeur connu pour sa collaboration au long cours avec Arthur H.




01. Gagner Largent Francais (05:27)
02. Demissen Koulou (04:45)
03. Doussou (03:47)
04. Sinikan (04:23)
05. Nenibali (04:20)
06. Massigui (05:08)
07. Konia (04:31)
08. Waleya (04:55)
09. Douba (03:27)
10. Siya (05:44)

A former backing singer with Salif Keita, Mamani Keita is best known for her 2001 recording debut Electro Bamako, which found her accomplished Malinke roots-based song craft comfortably couched in the jazz, reggae and electronic settings of her producer, Marc Minelli. Kanou largely leaves behind the occasional rock guitar dynamics of her subsequent two albums with Nicolas Repac in favour of sparser, more rootsy arrangements by Marc-Antoine Moreau.

The veteran Rail Band guitarist Djeli Moussa Kouyaté provides hypnotic guitar work, punctuated by spicy interjections from ngoni luminary Moriba Koita. Mamani’s warm, silky voice is best showcased on the memorable title-track, while the frisky and infectious ‘Dounia’ confirms her status as a writer of rootsy, dance floor-friendly pop.

Mali is already blessed with a surfeit of fine female artists and Mamani Keita is sure to get the share of the limelight she deserves if she keeps making records as good as Kanou.



1. Djalal Kibali
2. Kanou
3. Demissenou
4. Fanatan
5. Dougale
6. Dounia
7. Djigihia
8. Anissu
9. Deliko
10. Mogobaou
11. Marie Massa

Read More

Cannabis - New Harvest (Indian Big Beat)

1.Just You & I
2.Indian Ropeman
3.Indian Summer
4.Mother Africa Feeding Sista India 2001
5.Rainbow
6.Success (Thievery Corporation Remix)
7.Emerald Alley (Vinyl Edit)
8.Exploration
9.Janine
10.Mathar (R. Fearless Mix)
11.Traveller (Kid Loco's Once Upon A Time In The East Mix)
12.Missing Persons (From 8 mm. O.S.T.)
13.Do Not Deviate From Your Present Course
14.Emerald Alley (Maharani's Reflection Mix)
15.Emerald Alley (Beats)
16.Emerald Alley (Indian Morning Theme)
17.The Amber Prayer

Read More

Bamba Wassoulou Groove - Dankélé (2019)

 

El legendario Bamba Dembelé (Fallecido en 2018), cofundador de la mítica Super Djata Band, decide montar un nuevo grupo en 2013 en Bamako, acompañado esta vez de un elenco de músicos de origen bambara. Así se forma Bamba Wassoulou Groove, a partir de la experiencia de grandes orquestas junto a la tradición rítmica wasulu.

Bamba Wassoulou Groove provienen de Wassoulou y Ganadougou, dos regiones del sur de Mali donde la música impregnada de funk y de blues forma parte del paisaje y del carisma social. El sonido wassoulou, popularizado e internacionalizado por cantantes como Oumou Sangaré, Sali Sidibé o Nahawa Doumbia, tiene como elementos centrales el kamelengoni —una especie de arpa de seis cuerdas y el dosongoni un instrumento moderno considerado sacro y vinculado a los cazadores. Bamba Wassoulou Groove recoge la esencia modernizadora de estos estilos y los propulsa fuera de las fronteras malienses, donde resuenan aires de renovación constantes y de orgullo nacional por la cantidad de músicos, tanto consolidados como emergentes, que inspiran a otras naciones africanas y de fuera del continente.

 

Dankélé     4:25
Diarabi     4:07
Konokassilé     3:40
Donso Djiné     4:28
Maguett     3:50
Kamalinya     4:15
Niandala     3:39
Bina     5:00
Manamanako     4:31
Bamba Wassoulou Groove     3:31

Read More

Ballaké Sissoko - Djourou

 Ballaké Sissoko es uno de los músicos más grandes de África, un intérprete de kora de extraordinaria calidad, fuertemente arraigado en las tradiciones de Manding y la familia que lo han nutrido. También es un colaborador nato, con un sentido de la aventura que ha dado como resultado actuaciones y grabaciones muy fructíferas con músicos de su propia cultura, así como de otros de más lejos.

Ballaké Sissoko es uno de los músicos más grandes de África, un intérprete de kora de extraordinaria calidad, fuertemente arraigado en las tradiciones de Manding y la familia que lo han nutrido. También es un colaborador nato, con un sentido de la aventura que ha dado como resultado actuaciones y grabaciones muy fructíferas con músicos de su propia cultura, así como de otros de más lejos.

Su relación con el sello francés No Format ha sido inmensamente fructífera, no menos los dos álbumes ahora clásicos con el violonchelista francés Vincent Ségal - Chamber Music (2009) y Musique de Nuit (2015). Su último lanzamiento incluye Ségal una vez más, junto con la increíble interpretación de clarinete de Patrick Messina con riffs de la música de la Symphonie Fantastique de Berlioz. Hay dúos magníficamente conmovedores y discretos con el rapero maliense-francés Oxmo Puccino, Salif Keita, una de las grandes voces de África Occidental, la intérprete de kora Sona Jobarteh y el cantautor Piers Faccini, quien acaba de lanzar un álbum igualmente original de colaboraciones inspiradas, Shapes of the Fall, también con No Format.

Lo que siempre ha distinguido a Ballaké ha sido su mezcla de musicalidad incomparable y modestia fría; la "frialdad" aquí es la cualidad de la contención alineada espiritualmente que se encuentra en el centro de la estética africana. Con Ballaké, menos es siempre más, pero cada nota tocada en su 'arpa-laúd' de 21 cuerdas juega un papel en la creación del sonido mágico y fluido que ha hecho que la kora sea considerada como un instrumento que llama a la presencia del mundo de los espíritus. además de abrir al oyente a la curación. La versátil cantante Camille se une a una canción de alabanza tranquila y medio susurrada para el instrumento de Ballaké, jugando con la correspondencia entre la palabra francesa "corps" (cuerpo) y la kora. La delicadeza de su canto es una combinación perfecta para las cuerdas cristalinas de Malí.

Estas colaboraciones creativas fueron facilitadas por Laurent Bizot, fundador de No Format, quien animó a los músicos a encontrar un lenguaje común espontáneo. La mayoría funciona de maravilla, aunque la pista más larga con el brillante y excéntrico grupo Feu! Chatterton no logra evocar el mismo sentido notable de una asociación en la que el todo es más grande que la suma de las partes. La calidad especial de este álbum refleja la capacidad de Ballaké Sissoko para estar completamente presente sin ocupar un lugar central. Incluso en sus dos pistas en solitario, nunca permite que su indudable virtuosismo brille demasiado, sino que pone su técnica y estilo sobresalientes al servicio de algo que va más allá del ego y crea música con el poder de transmutar cuerpo y alma.

Track List
Demba Kunda
Djourou ft. Sona Jobarteh
Jeu sur la Symphonie Fantastique ft. Patrick Messina & Vincent Segal
Guelen ft. Salif Keïta
Kora ft. Camille
Mande Tabolo
Frotter les Mains ft. Oxmo Puccino
Kadidja ft. Piers Faccini

Read More

Sainkho Namtchylak - Like a Bird or Spirit, Not a Face

This, surely, will be the most unlikely fusion album of the year, mixing influences from the steppe with music from the Sahara. Sainkho Namtchylak was born in Tuva, bordering Mongolia, and is the best-known female exponent of that eerie and compelling regional speciality, throat-singing, in which a performer creates both droning notes and harmonic resonances at the same time. To this she adds a seven-octave range and a quirky, experimental approach. For her latest project she is joined by two members of Mali’s desert blues exponents, Tinariwen, with Eyadou Ag Leche on guitar and bass, Said Ag Ayad on percussion, and producer Ian Brennan adding “loops”. The result is predictably curious. Namtchylak’s voice switches from harsh-edged wailing and growling passages to sections where she is playful or demonstrates a high, controlled and unexpectedly soulful approach. The slinky African guitar lines and rhythm provide the perfect balance.

La vocalista de Tuvá Sainkho Namtchylak (voz y guitarra) y Said Ag Ayad (percusión) y Eyadou Ag Leche (bajo, guitarra, voz) dos músicos del grupo Tinariwen protagonizan un disco producido por Ian Brennan (ganador de varios premios Grammy) donde la tradición ancestral se hace vanguardia rompedora. Representan cada uno de ellos a culturas nómadas forjadas en las duras condiciones de vida, ya sea en las frías montañas o en las tórridas arenas del desierto del Sahara. Un encuentro de dos mundos distantes, diferentes, que tienen en la música el nexo perfecto, ya sea las voces guturales de Namtchylak –experta en el canto bifónico, capaz de emitir dos o más notas de manera simultánea– o las guitarras de los músicos del desierto. Las atmósferas que han creado en el estudio casero en el sur de Francia durante un breve encuentro, sobrecogen, embriagan y transportan al nuevo espacio musical, espiritual y místico que han creado. Un disco revelador.https://www.lossonidosdelplanetaazul.com/disco/sainkho-namtchylak-like-a-bird-or-spirit-not-a-face/

01. Nomadic Mood (4:26)
02. The Road Back (6:39)
03. Dushkan Ezim To (5:58)
04. So Strange! So Strange! (3:07)
05. Worker Song (Nomads Dance Around the Fire) (3:27)
06. Erge Chokka To (6:37)
07. Melody in My Heart (3:43)
08. Nomadic Blues (2:06)
09. The Snow Fall Without You (7:36)
10. Nostalgia To (2:32)

Read More

Leahy - Good Water

Their new album Good Water brings the five women in the group – Leahy sisters Julie, Erin, Maria, Siobheann, and Denise – freshly to the fore, in singing and especially songwriting, along with brother Frank on drums. As the songs on Good Water took shape, a new edge to their sound began to emerge with the addition of electric guitars which – as played by new band member Xavier Leahy (as well as guest musicians on the recording Bill Dillon, Nick Johnson and Adam Agati) – spurred the band on to explore the outer edges of their traditional/Celtic/folk/roots musical origins, pushing well beyond that footing. In another new development, Good Water finds the band working under the sharp, exacting hand of Grammy-winning Canadian producer David Bottrill (Peter Gabriel, Rush, Smashing Pumpkins, Afro Celt Sound System), who brought an additional new intensity to the sonic palette. The result is a wide-ranging collection of songs that newly ignite the many musical influences that motivate the band members – from rock to choral, country to classical, and beyond.

As an example, the first single and title track, “Good Water,” is an entirely contemporary song of hope; a timely message to a generation of “people called to be together” in a world stricken by anxiety, turmoil, and uncertainty. Although it expresses a universal sentiment, it’s as relevant a song as you’ll hear in 2020. With “Good Water,” Leahy have caught the eternal in the commonplace, and captured a feeling we can all recognize now, across the globe.

Over the course of their life as a band, Leahy has deservedly secured a place as one of Canada’s most highly regarded musical groups. Their emergence on the Canadian music scene in the late 1990s introduced audiences to the original Leahy sound – a foundation of strong stride piano, driving rhythm guitar, distinctive bass lines, and propulsive drumming, from which the band’s extraordinarily brilliant fiddles, passionate vocals, and exquisite harmonies were launched to mainstream music listeners.

Their reputation as excellent musicians, multi-instrumentalists, singers, and songwriters was (and continues to be) exponentially enhanced by Leahy’s stunning, high-energy live performances. It’s hard to imagine that anybody who’s seen Leahy play live would ever forget it. Their compelling live show remains fully intact with their captivating new sound, and is still the wind in the sails of their career voyage to a worldwide audience.

And what a career it’s been. Their 1997 eponymous album, Leahy, seized the public’s attention, and extensive touring (much of it as the opening act for Shania Twain) boosted the band to double-platinum sales in Canada. The album also sold impressively in the U.S. (where it reached No. 4 on the Billboard World Music chart), the U.K., and Europe. Leahy earned three Canadian JUNO Awards, for Best Instrumental Group and Best New Group in 1997, and Best Country Group or Duo the following year. Lakefield (2001) was Leahy’s second release, followed up in 2004 by In All Things. To date, Leahy have sold more than 500,000 albums worldwide. They’ve been featured in three PBS television specials – Leahy Live in Concert, Gael Force (with the Chieftains), and Leahy Live from Gatineau, Quebec – and are the subject of a 1985 Academy Award-winning documentary, The Leahys: Music Most of All.

Leahy are incredibly diverse, an 11-strong (with six in the current “core” touring band), multi-generational ensemble that encompasses the young and experienced; men and women; and mothers, fathers, daughters, sons, sisters, and brothers. Their eclectic music combines elements of the aforementioned folk, traditional, Celtic, and roots music – and now, especially, progressive, pop and rock – into a sound all their own. For Leahy there are no boundaries as they evolve – the band’s genuine love of such a diverse range of music fuels their uncompromising creativity. Refusing to be bound to the conventions of any one genre, defying easy definition, they’ve forged a truly unique reputation.







1. Good Water (with Prelude) 
2. Tears 
3. Little Moon 
4. Any Other Way 
5. Friend 
6. Star of the Sea 
7. Falling 
8. Joanne 
9. My Old Man 
10. Good Water (Radio Edit)

Read More

Mariza-Mariza canta Amália

 

Mariza canta Amália es un proyecto homenaje a la leyenda del fado, Amália Rodrigues. Celebra así 20 años de carrera, en el año en que Amália cumpliría 100. Una obra realizada entre Lisboa y Río de Janerio, con la producción de Jaques Morelenbaum.

Mariza, confía en que "este es un álbum que ella ha idealizado desde hace tiempo. Amalia está presente en nuestras vidas. Es una gran inspiración, no solo para mí, sino para tantos artistas portugueses y para muchos otros artistas internacionales, así como para todos ustedes portugueses. Como diría Antonio Variations o genial: 'Todos tenemos a Amalia en nuestra voz'. Recientemente pasé décadas de mi carrera, pero esta es una forma de honrar y agradecer a todos el legado y la inspiración que nos han dejado".


Presentación promocional
Cuando Mariza comenzó a explorar otros caminos contiguos al Fado, lo hizo como antes, solo lo había logrado Amália. Cuando Mariza se convirtió en embajadora de la música portuguesa del siglo XXI, asumió el manto que, antes, solo Amália había logrado llevar en el siglo XX.

Por tanto, no es de extrañar que Mariza finalmente rinda homenaje a Amália en su totalidad, como solo ella puede hacerlo: habitar el repertorio de la más legendaria de todas las fadistas a su manera, y llevarlo al siglo XXI sin quitarle el alma ni la identidad.

En su 20 aniversario de carrera, en el centenario del nacimiento de Diva - "porque siento que esta es la mejor manera de honrar y agradecer todo el legado e inspiración que nos dejó" - Mariza finalmente nos revela el proyecto que tanto anhelaba: Mariza Canta Amália.

"Amália es una gran inspiración, no solo para mí, sino para tantos artistas portugueses y muchos otros artistas internacionales, así como para todos los portugueses", explica Mariza. "Como diría el gran António Variações: «Todos tenemos a Amália en nuestra voz»".

Con guitarra y viola, como es la seña del fado, pero también con orquesta, como demostró Amália, Mariza nos regala su Amália. Con arreglos y dirección de orquesta de Jaques Morelenbaum, eterno cómplice de Caetano Veloso y Ryuichi Sakamoto, que conoce a Mariza 15 años después de haberle producido Transparente (2005).

Por supuesto: Mariza siempre cantó Amália - desde la obra que la reveló, Fado em Mim (2001), ya estaba reinterpretando "Barco negro" o "Oiça Lá ó Senhor Vinho", y a lo largo de sus siete trabajos de estudio y tres discos de conciertos en ocasiones anteriores grabó el repertorio de Diva.

Pero esta es la primera vez que Mariza dedica un disco completo a su repertorio. Y, de los diez temas elegidos para Mariza Canta Amália, antes solo había sido sacudido por uno: "Barco negro". Con los arreglos extraordinariamente líricos de Jaques Morelenbaum que le permiten encontrar nuevos matices, Mariza la convierte en uno de los grandes ex-libris de Amália: "Gaivota", "Extraña forma de vida", "Con qué voz", "Fado portugués", "Gente que se lava en Río", "Fue Dios". Como nunca los habíamos escuchado antes, y Mariza (re) los crea como solo Amália sabía cómo (re) crearlos antes.

Grabada entre Lisboa y Río de Janeiro, Mariza Canta Amália es el feliz encuentro entre un repertorio inagotable, una voz inmortal y un productor excepcional. Un encuentro que no olvidaremos.

1.Com que voz
2.Barco negro
3.Lágrima
4.Formiga bossa nova
5.Estranha forma de vida
6.Cravos de papel
7.Povo que lavas no rio
8.Foi deus
9.Gaivota
10.Fado português

Read More

Malouma - Nour

Malouma Mint El Meidah (en árabe, المعلومة منت الميداح‎; Mederdra, 1 de octubre de 1960), más conocida simplemente como Malouma o Maalouma, es una cantante, compositora y política mauritana. Criada en el suroeste del país por padres versados en la música tradicional mauritana, dio su primera presentación musical a los doce años de edad y poco después apareció en conciertos solistas. Su primera canción, «Habibi Habeytou», criticaba duramente la manera en que las mujeres eran tratadas por sus esposos y, aunque tuvo éxito inmediato, causó una respuesta negativa por parte de las clases tradicionales dominantes. Después de ser obligada a casarse cuando era adolescente, Malouma tuvo que dejar el canto hasta 1986. Desarrolló un estilo único que combinaba la música tradicional con el blues, el jazz y el electro. Hizo apariciones en televisión con canciones que abordaban temas muy controvertidos, como la vida conyugal, la pobreza y la desigualdad, y a principios de los años 90 fue censurada en Mauritania por lo que comenzó a dar conciertos en el extranjero para fines de la década. Después de que la prohibición fuera levantada, relanzó su carrera musical y discográfica, con lo que ganó popularidad, particularmente entre las generaciones jóvenes. Su cuarto álbum, Knou (2014), incluye letras que expresan sus puntos de vista sobre los derechos humanos y el lugar de las mujeres en la sociedad.










1 Khayala
2 Yemma
3 Nedine
4 Kentawiyate
5 Gamly
6 Nnew
7 Yarab
8 Habib
9 Chtib
10 Casablanca
11 Lemra
12 Nour

Read More

Tunguska-Guska: eine Meteoriten-Oper

Grace Yoon
Nacida en Pusan / Corea, llegó a los Estados Unidos en 1966, estudió en la London Art Academy de 1969 a 1974 y ha estado trabajando en Alemania como artista de performance, actriz y directora desde 1975. Desde 1991 audio art, autor y director de obras de teatro y reportajes radiofónicos. Desde 2015 profesor en el departamento de medios de la Universidad de Ciencias Aplicadas de Düsseldorf.

Iris Disse
Disse nació en Lüneburg en 1956 como hija de un consejero y un maestro y creció en Lüdenscheid en Sauerland. Estudió filosofía, política e historia del arte en la Universidad Ludwig Maximilians de Munich y luego se formó como actriz y directora. En Munich fundó la Disse-Gries Companie DGC con Gero Gries y representó diversas obras de teatro en Munich, Berlín, Hamburgo y Viena, entre otros. Las piezas escenificadas incluyeron el estreno alemán de Pier Paolo Pasolini Orgia para el teatro de verano de Kampnagel. Además de los teatros, representó repetidamente sus obras en fábricas. Además, Disse trabajó como actriz en varias películas de cine y televisión, entre ellas Tatort: ​​Moltke , dirigida por Hajo Gies . A principios de la década de 1990, Disse trabajó como directora artística de Werkheater Wedding y, junto a su socio David Höner, desarrollaron un concepto de performance multimedia en 1993, Pirates of the Voice , con el que recorrieron varios países en los años siguientes, cada uno tiempo junto con artistas y músicos de los respectivos países trabajaron juntos. En 1991 Iris Disse comenzó a trabajar intensamente con el arte de escuchar. En 1993 recibió el Premio BBC del Prix Futura junto con Sainkho Namtchylak y Grace Yoon por la obra de radio Tunguska-Guska , una producción de la Radio Bávara .

Sainkho Namtchylak
es una cantante experimental, nacida en 1957 en un pueblo aislado en el sur de Tuvá. Experta en canto de armónicos, su música abarca avant-jazz, electrónica, composición moderna e influencias propias de su lugar de origen. En Tuvá chocan numerosas influencias culturales: las raíces turcas que comparte con Mongolia, los uigures de Xinjiang y los estados de Asia Central, diversos grupos étnicos nómadas de Siberia, principalmente influencias del grupo de Tunguska-Manchu, los viejos creyentes rusos, las poblaciones migrantes de Ucrania, Tatarstán y otros grupos minoritarios del oeste de los Urales. Todos estos grupos, influencian en Sainkho, aunque mayormente dominan las de Siberia: su tesis producida durante sus estudios vocales, primero en la Universidad de Kyzyl, y luego en el Instituto Gnesins en Moscú durante la década de 1980, la cual se centró en el estudio de música lamaísta y de culto de grupos minoritarios de Siberia, y su música con frecuencia muestra una tendencia a imitar el estilo de canto Tungus.



1 Siiibiiiriiien 4:43
2 Aidys 4:42
3 Ivengi 6:44
4 Agu Kara Khan 3:39
5 Ra-Re-Ra-Hu 2:55
6 Countdown 6:43
7 Rabenbrot 9:42
8 Boa-Boa 6:02
9 Radio im Radio 4:57
10 Sehnsucht 2:53

Read More