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18/02/2011

Eugenio Finardi - Anima Blues (2005)

A masterpiece of Italian blues.

«Anima Blues è il capolavoro di Eugenio Finardi, è un canto offerto alla sorgente del Mississippi, un’invocazione che sale ondeggiando come una lingua di fumo sui campi delle terre del sud, è un amore che esplode e travolge, la lunga strada verso casa del cantautore milanese. C’è una voce straordinaria in Anima Blues, una voce che avvolge come le onde dell’oceano e in cui ci si può perdere per sempre, e una spiritualità profonda che svela magie “annegate” nei caldi colori della musica nera. Come in Heart of Darkness, Eugenio Finardi risale il fiume della vita e, arrivato alla fine della sua ricerca, trova finalmente il disco che aveva perduto, quello inseguito per tanti anni, da tenere stretto a sé come un figlio, e c’è una purezza che commuove in questo, un dolce conforto dopo tanta amarezza per aver dovuto nascondere, come un cospiratore, un amore assassinato tante, troppe volte: l’immenso, appassionato amore per il blues.

Troverete tutto questo nell’ultimo, straordinario lavoro di Eugenio Finardi, autore sensibile e colto, spesso poco capito, tiranneggiato da un sistema che gli ha chiesto, a tratti, un’italianità ostentata a costo di farne una gabbia in cui soffocare l’anima preziosa della sua musica. “La vita comincia a cinquant’anni” diceva Bukowski e anche se Finardi ha in effetti una carriera importante alle spalle, forse solo ora, che canta in inglese dalla prima all’ultima nota, riesce a liberare la forma pura, intatta di un’arte germogliata in silenzio, lontano dai vacui clamori di un palcoscenico italiano che somiglia sempre più a un’arena, un circo, un mercato in cui fondamentale è vendersi. Anima Blues nasce dalla musica suonata, dalle jam fatte con due pards di lunga data come Vince Vallicelli e Pippo Guarnera a cui si è unito il giovane e talentuoso chitarrista Massimo Martellotta.
Con lui Eugenio Finardi firma undici delle dodici canzoni di Anima Blues, fatto questo che ha dello sbalorditivo se si pensa che l’autore milanese non scriveva canzoni di proprio pugno dai tempi di Accadueo. Si tratta fra l’altro di creazioni davvero felici che evidenziano in modo superbo la favolosa vena di Finardi: si va dal blues acido e tinteggiato di hard rock di Mojo Philtre ai profumi latini di Estrellita, dalle preghiere intrise di gospel di Holyland agli accenti sacrali di un country-blues visionario come Heart of the Country. Efficace e scintillante nelle musiche, con liriche personali e segnate da una matura dolcezza, Anima Blues consacra la rinascita artistica di Eugenio Finardi e ne fissa l’ampio respiro culturale prendendo le distanze dalle piccole miserie di un mercato italiano che assomiglia sempre di più a una piccola, malata colonia dell’Impero.» (bluesguitar.it)

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19/12/2010

The Festival in the Desert / Le Festival au Désert (2003)

«It’s the unlikeliest place to imagine a festival, in the Sahara, not far from the Malian town of Timbuktu. But that’s the home of the Festival in the Desert, which celebrated its third anniversary in 2003. While it attracts international talent, the real focus is on artists who make their homes in the area, often of the nomadic Tuareg people. But there are others who live locally, like the legendary guitarist Ali Farka Toure, whose village of Niafunke lies just 40 kilometers away, and whose “Karaw” here is a masterpiece of desert funk. But so many of the bands here mine a wonderfully dark, spare, bluesy groove, like Tindé, or Tinariwen, whose “Aldachan Manin” has a muscular suppleness. Oumou Sangare, one of the great singers from Mali’s southern Wassoulou region, brings plenty of raw soul to “Wayena”, and kora genius Ballake Sissoko collaborates with Italian pianist Ludovico Einaudi for a fascinating piece. America’s Blackfire connect the dots between the Sahara and the Arizona deserts, although their punk-inflected rock is a little out of place, but still powerful. Lo’ Jo, one of the festival’s instigators, team up with Malian Django for a storming version of their “Jah Kas Cool Boy”, and with “Win My Train Fare Home”, Robert Plant and Justin “Scarecrow” Adams offer a circular blues that fits in perfectly with the other artists. Every performance is outstanding, but even more, they communicate the open nature of the festival, the feeling of what it was to be there on those nights and days in January 2003. And that is what makes this very special indeed, lifting it far above most live albums. This one definitely has the magic, making it simply one of the best live albums ever released.» (AMG)

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17/05/2010

Trilok Gurtu & Arkè String Quartet - Arkeology (2006)

«Another Trilok triumph. Once again, the Indian percussionist and composer Trilok Gurtu proves himself to be among the world’s most adventurous, skilled and intelligent fusionists, on this spectacular marriage between East and West, in collaboration with Italy’s Arkè String Quartet. Many of the best fusions are sound collisions, their very success based on a thrilling clashing of cultures. Arkeology is different, for it seeks to emphasise not the differences but the seamless empathy between two apparently contrasting musical worlds.

The opener, ‘Balahto’, is one of Gurtu’s three featured compositions and is typical of the approach, kicking in with an urgent insistent bass pattern over skittering Asian percussion before the Western classical strings take up a dancing melody with a vaguely Celtic feel.

Nobody’s showboating or trying to outplay each other: every instrument, Eastern and Western is carefully calibrated in perfect balance.

Oddly, it’s often the compositions by the Italian quartet that have the strongest Asian feel. ‘Kermanşah’ is written by violinist Valentino Corvino but has Gurtu’s dreamy tabla playing to the fore, and bursts of Indian tala singing over some lovely, Gypsy-like strings, while ‘Fes’, composed by fellow violinist Carlo Catnini, is another sublimely moody piece that unites Asian, Mediterranean and North African influences. There’s both an attention to detail and a broader, cinematic quality. To say that in places it sounds like high-class film music is no criticism at all. (Nigel Williamson, Songlines. More reviews here)»

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11/05/2010

Enzo Avitabile & Bottari - Salvamm' O Munno (2004)

«Italian saxophonist Enzo Avitabile went from being a noted sideman to blazing his own trail in the new millennium fusing traditional Italian music with progressive, new ideas. Born in Naples in 1955, Avitabile began studying sax as early as age seven. His musical path led him to conservatory, where he would gain an education in both contemporary and traditional musical techniques. Throughout the early ‘80s Avitabile worked as a sideman, backing up the most famous names in pop music. In the 20 years that he logged as a musician-for-hire, Avitabile was solicited by musical greats like James Brown, Richie Havens, Tina Turner, hip-hop legend Afrika Bambaataa, and more. At the dawn of the new century, Avitabile sought a new direction for his musical career. Harnessing the centuries-old musical power of the Bottari tradition, where percussionists made huge drums out of wine vats, Avitabile created a powerful and unique ensemble. Through performances on renown stages like the Womad world music festival and high praise for the group’s debut record, Save the World (Salvamm’o munno), Enzo Avitabile and Bottari gained significant attention from folk and progressive music audiences. Drawing on southern Italian and north African musical concepts, Avitabile gained a reputation as a musical innovator and cultural historian. The band’s second record, Festa Farina e Forca (2007), enjoyed a lasting presence on World Music Charts Europe.»



Salvamm'o munno

«The Mediterranean is a cultural crossroads, and musical traditions have crept across water and borders to influence other countries. It’s quite evident in the Italian music of Enzo Avitabile and Bottari, where the heat of Italy mixes with the dry sounds of North Africa. The basis of their sound is the rural Bottari rhythms, banged out on sickles and barrels. It gives a powerful underlay to the sound, which is filled out by plenty of guests, many of them from across the water – people like Khaled, Amina, and Simon Shaheen, among others. But they only emphasize the Maghrebi flavor that’s an intrinsic part of this Southern Italian sound. It’s an energetic, spiritual album, ranging from traditional dance rhythms such as the pastellessa and the zeza (along with the slower passo del morte), and even a touch of soul on the live cut “O Munno Se Move”. Everywhere there’s a full sound, and the guests, who also include Hugh Masekela and the almost ubiquitous Manu Dibango, fit into the music rather than stand out, making for a wonderful, sonorous integration. It transcends country and gives passion – a remarkable achievement. Add in two video cuts and you have a real winner.» (AMG)

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03/05/2010

Rogério Tavares - Galope (2004)

«Rogerio Tavares is undoubtedly one of the greatest new talents to play Spanish guitar. This exceptional debut album somehow manages to mix the traditional side of Brazilian traditions with modern influences. His superb mastery of the Spanish guitar is evident on nearly every track, but unlike many players he brings in very light touches of electronica to help fuse the sounds. Galope is an intimate, introvert album, sometimes sad, sometimes joyful, with flashes of serenity and warmth, rhythm and party.» (Amazon)

«Rogério Tavares nasce a Pau dos Ferros, (Brasile). Comincia a suonare la chitarra all’età di dieci anni per accompagnare il papà al canto e prosegue gli studi da autodidatta e in parte presso il conservatorio di Natal, Brasile. La musica non lo abbandonerà più nelle riunioni in famiglia, tra amici e nelle prime esibizioni in pubblico nel Nord-Est brasiliano dove cresce e prende la maggiore influenza ed ispirazione per la sua musica. Cantante e compositore, vive stabilmente in Italia dagli anni 90. Partecipa ai festival latino-americani di Modena, Torino e Bologna e alle manifestazioni Blu Rimini (RN), Radio Villazza (VC), Appennino Music Festival, Veneto Jazz Festival. Nel 2004 esce Galope, il suo primo lavoro discografico, distribuito da Halidon (H.squared), ma anteriori e successive sono le collaborazioni con altri artisti e la realizzazione di alcuni brani per compilation. Il suo ultimo disco è Round, Tavares Quintet (vedi http://www.myspace.com/tavares5%29.).» (MySpace)

Intervista a Rogério Tavares qui.

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15/04/2010

Riccardo Tesi - Presente Remoto (2007)

«A composer, an instrumentalist and a researcher: these are the aspects of the complex and multifaceted musical personality of Riccardo Tesi, a true pioneer of ethnic music in Italy.

From his debut in 1978 with Caterina Bueno, strongly rooted in the folk tradition, to the present day collaborations, the musical curriculum of Tesi, born in Pistoia, is characterized by a precious continuity based on eager passion and curiosity that have led him to compare his Tuscan heritage to the Italian, Basque, English, French and Madagascar traditions, as well as to jazz, liscio (Italian popular dance music) and songwriting.

His instrument, the diatonic accordion (melodeon), is an example of perfect symbiosis with his conception of memory. For the first time in Italy, he even dedicated a whole record to this instrument, a forerunner of the accordeon.

What is amazing about Tesi is his easily recognizable style, allowing his concertina to speak both an archaic and modern language, widening the vocabulary and the technique of an instrument for a long time preserved as part of a traditional heritage. A brilliantly outdated choice that places Tesi, thanks to his lyrical and virtuoso skills, among those who have brought the accordeon and all the instruments alike back to their dignity all over the world.» (Riccardo Tesi’s official website. Click here for more info)

Presente Remoto is a nice collection celebrating Riccardo Tesi’s 30-year career in the music biz.

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10/02/2010

Alta Madera - Alta Madera (2004)

«Our musical “voyage” begins with the traditions of Cuban music, passing then through Brazil, Argentina and Venezuela, going back to its Hispanic origins. The strong acoustic impact and jazz language our music carries with it, takes us in a direction we could perhaps define as “Acoustic Latin Jazz” or “World Latin Jazz”.

A characteristic of Alta Madera’s sound is definitely the absence of percussion typical of a “Latin sound” that is replaced here by instrumental arrangements explicit in their rhythmic.

Alta Madera is: Ruben Chaviano (violin), Mino Cavallo (guitar) and Filippo Medol (double bass).»

«Il percorso musicale di Alta Madera è un “viaggio” che parte dalla tradizione della musica Cubana, passando dal Brasile all'Argentina al Venezuela fino a raggiungere le sue origini ispaniche. Il forte impatto acustico e il linguaggio jazzistico accompagnano questa esperienza musicale in una direzione che potremmo definire “latin jazz acustico”.

L'elemento che caratterizza il suono di Alta Madera è l’assenza delle percussioni tipiche del “latin sound”, sostituite da arrangiamenti attraverso i quali si espone l'idea ritmica.

Il “viaggio” di Alta Madera percorre prevalentemente musiche originali, filtrate dal carattere artistico dei tre musicisti; in particolare la musica cubana, terra del violinista Ruben Chaviano, ma anche dall'esperienza degli altri musicisti Mino Cavallo e Filippo Pedol, che nonostante la diversa provenienza geografica, sono accomunati da lungo tempo da una ricerca stilistica sulla musica latina.» (Alta Madera on MySpace)

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12/01/2010

Ludovico Einaudi & Ballaké Sissoko - Diario Mali (2003)

«Mali Diary (Diario Mali) is a studio recording of duets between the highly successful Italian classical-crossover pianist, Ludovico Einaudi, and Mali musician Ballake Sissoko – one of the most gifted kora players in Africa. This unexpected collaboration was recorded in February 2003, less than a month after they had appeared together at the now famous Festival in the Desert. They had a track included on the best-selling CD of the event.

At this time, Einaudi was just beginning his breakthrough to a much wider UK public. His Echoes Best-of collection was released in the September of that year and early in 2004, he had a track featured on Buddha Bar vol.6 – a sure sign of musical “lifestyle chic”.

Dismissed by large sections of the classical media, his accessible, melodic minimalism – compared by some to Philip Glass and Michael Nyman – has undeniably produced music of wide appeal, and championed by Classic FM in particular, the 8 CDs he has so far issued in the UK have all achieved substantial sales. Born in 1955, Einaudi was awarded a diploma in composition at the Milan Conservatory, and continued his studies with Luciano Berio. He has also composed chamber and orchestral compositions, music for dance and the stage, and film soundtracks, as well as a variety of multimedia works. He completed a sell-out 13-date tour of the UK in Feb 2005.» (Discovery Records

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13/01/2009

Sine Nomine - La Musica Italiana del XV Secolo (1992)

A great collection of (secular) Italian Renaissance music. Highly recommended.

Sine Nomine:

Gloria Moretti (voice, percussions),
Alessandra Fiori (alto, portative organ),
Stefano Pilati (Tenor, synphonia, lute, percussions, Renaissance guitar),
Marco Ferrari (bass, flute shawn, dulcian),
Roberto Caccio (Lute, bass),
Fabio Tricomi (pipe and tabor, fiddle, lute, Renaissance guitar, Jew's harp, Percussion),

Pier Gabriele Callegari (tromba a tirarsi)

Contents:

1. La vida de Colin (Anon.)
2. Fate d'arera (Anon.)
3. Rosetta che non cangi mai colore (Antonio Zachara da Teramo)
4. Fugir non posso (Anon.)
5. Alle stamegne, donne (Anon.)
6.
Ricercare (Anon.)
7.
D'un bel matin d'amore / Bâl d'la lîvra (G.B. Zesso / Anon.)
8. Curte c’ascurte (Anon.)
9. Un cavalier armato Cavalca Sinisbaldo (Anon.)
10. Movit'a piedade (Antonio Zachara da Teramo)
11. Amoroso (ballo francese) (Giovanni Ambrogio)
12. De là de l'acqua / Piva (F. Patavino / J. Dalza)
13. Dhè fusse pur qui meco (Anon.)

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06/10/2008

Difondo - Himalaya (2008)

Difondo are an experimental band from Sardinia. Himalaya is their last work. Not exactly my cup of tea, but a fine work indeed, quite original and fluent. The group, consisting of Sergio Camedda (sampler, looper, voice, cd players, turntable, sound objects, fx and space controller), Giampaolo Campus (sampler/ looper, synth, drum machine, sound objects, glockenspiel, melodica, fx and space controller) and Giuseppe Casu (guitar, looper, fx and sound objects), presents his sonic research as follows:

«The path of performing research, which has characterized the latest cd-rs, follows in this work through an even more mixture between acoustic elements and digital processings. Great emphasis has been given to the use of sound objects and acoustic instruments, mainly with a percussive character, performed with their natural timbre or sampled and processed in real time. This attitude remains however open to a melodic research which is from time to time rethought through the elements mentioned above or the suggestions coming from the guitar.

The work was developed from various improvisational sessions, held in different times starting from May 2006. During which time have lead to a selection of pieces which have been that subsequently undergone editing and mixing. This has been intended as a work which conjugated the performing urgency to a sound quality suitable to the timbrical research, avoiding to put in action heavy processings on the material coming from the various sessions.

Particular emphasis has also been given to the dislocation of sounds in the space which, in the performing moment, has been realized in a quadriphonic spatial dimension even though, in the cd version, has been brought to a stereophonic one to allow a wider circulation of the project.

The title, comes from a fragment of a poem declaimed in Italian by a group of German language children from Alto Adige (northern Italy), reveals the idea of the geographic connotation of the work - the mountains - the place where the music comes up. This is considered a relevant aspect of the compositive moment, intended as a specific perspective from which the surrounding world is observed.»

Thanx to Francesco and Difondo for this post.

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07/07/2008

Quartetto Marini - Cantata Profana (1990)

One of the best female Italian folksingers, here in action with her wonderful vocal quartet, in a more experimental mood. Well worth diggin’it!

«Il quartetto vocale nasce nel 1976 con lo scopo di eseguire alcune musiche che avevo scritto con intento polifonico, ma che eseguivo sempre da sola non avendo amici musicisti cantanti in grado di leggere la musica né tanto meno in grado di cantarla come immaginavo. (Vivevo allora nell’ambiente della ricerca del canto contadino e nel mondo della canzone politica, dove i cantori non erano musicisti, ma piuttosto antropologi, sociologi, scrittori, registi, architetti, intellettuali di ogni genere, con la passione della musica, ma senza la conoscenza necessaria a leggere una partitura, intonare in modo perfetto, ecc.).
Piano piano c’è stata un’evoluzione nello studio della musica, negli anni settanta abbandonata la canzone politica, molti sono entrati nel mondo della musica professionale: è nata a Roma la Scuola Popolare di Musica di Testaccio, e finalmente, insegnando in questa scuola che divenne anche centro di confluenza di molti musicisti stanchi del ghetto costituito dai conservatori di musica, incontrai molti giovani appassionati di canto, che già conoscevano le mie canzoni, e con queste (all’epoca erano solo donne) formai il mio primo gruppo polifonico.
Eravamo undici, progressivamente molte dovettero lasciare il gruppo prese dai loro impegni, e così siamo rimaste in quattro.

Dal ‘76 ho incominciato a scrivere per il Quartetto Vocale molti madrigali che ora compongono il nostro repertorio.
C’è stato un avvicendarsi di cantanti, al mio fianco, tutte hanno contribuito con il loro studio e la loro esperienza vocale alla crescita del quartetto. Grazie all’impegno vocale delle mie amiche [Patrizia Nasini, Patrizia Bovi, Francesca Breschi] ho potuto scrivere pezzi sempre più acrobatici. […] Con questa formazione il Quartetto Vocale può ricoprire secoli e secoli di produzione vocale eseguendoli con maestria e rigore: un sogno che non credevo di riuscire a realizzare. Ogni volta che ci incontriamo per cantare è una gioia. In ogni Cantata eseguiamo pezzi da me scritti espressamente per il racconto della Cantata, scritti in partitura, che la grande sensibilità delle mie colleghe permette di cantare come fossero pezzi di tradizione orale. Ognuna di noi ha, a lato, le proprie attività musicali, concertistiche, di insegnamento: Patrizia Nasini è molto richiesta dai compositori contemporanei per eseguire la loro musica grazie ai suoi straordinari colori vocali, Patrizia Bovi ha formato con altri musicisti umbri il gruppo Micrologus di ricerca ed esecuzione di musica medioevale, Francesca Breschi ha un suo gruppo di esecuzione di canzoni d’autore, e inoltre è una magnifica assistente musicale istruttrice di cori e di canto tanto da garantire un’esecuzione perfetta dell’opera a lei affidata. Con queste tre amiche cantare è un piacere.» (Giovanna Marini)

Ringrazio il mio amico Giuliano per il post di questo splendido disco. Many thanx!

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14/05/2008

L'Orchestra di Piazza Vittorio - Sona (2006)

«15 musicians from 11 countries and 3 continents, speaking in 8 different languages thrown together to create an absolutely novel music. World Music in the true sense of the word, music from Planet Earth, the globe in its entirety. The Orchestra di Piazza Vittorio represents a unique experience, perhaps the first of its kind. Each musician brought to the orchestra their instruments and personal backgrounds of traditional music creating a fusion of cultures, old and new sounds, unknown instruments, memories, distant yet universal melodies, and voices from around the world. And when the orchestra begins to play, rhetoric goes out the window, swept away by the sheer carnal and visceral force of their music, which eclipses vague discussions of “good” and “right”. It is evocative music that manages to be free and structured at the same time, bound to millennial traditions and yet open to the future. Music that gets hands clapping and entrances a broad range of listeners, from the more refined to the more distracted. Music you can sing to, dance to, and listen to in peace and quiet. Music that belongs to everyone, for everyone. The Orchestra di Piazza Vittorio is a “product” without a target. A marvellous anomaly in the contaminated sea of pop music that can’t be pigeonholed into a specific category. There’s an entire world there for the understanding and enjoyment: free your minds and listen. Since its debut in November 2002, the Orchestra di Piazza Vittorio has performed in over 250 concerts in Italy and abroad including New York, Buenos Aires, Paris, Melbourne, Vienna, the Berlin Jazz Festival, Köln, Nuremberg, and Switzerland. It has produced 2 CDs, their debut album L’Orchestra di Piazza Vittorio in 2004 and Sona in 2006, as well as the CD Made in Piazza Vittorio which can be found in the special edition DVD set. “The Orchestra di Piazza Vittorio” is also the name of our feature-length film: a film-diary that narrates the genesis of the Orchestra.» (OPV’s MySpace site)

Official Site: http://www.orchestradipiazzavittorio.it/

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17/04/2008

Bandabardò - Iniziali Bì-Bì (1998)

«Enrico Erriquez Greppi, un bilingue dal passato franco lussemburghese, convince A. M. Finaz, rampante chitarrista elettrico, a gettare alle ortiche qualsiasi amplificatore o pedale di sua appartenenza. Questo per la convinzione di Erriquez che sarebbe bello e divertente portare su un palco la stessa atmosfera di festa che si instaura nelle "cantate tra amici", momenti magici in cui stonati e intonati uniscono le voci in canti senza fine. Seguono a ruota la terza chitarra acustica (Orla), il contrabbasso stradaiolo e francofono (Don Bachi), una batteria minimale (il giovane Nuto) ad assicurare le danze e un fonico di fiducia (Cantini). Si è poi aggiunto Ramon (percussioni) che presta ora la sua imponente mole e il calore di echi cubani.

Ottenuto l'amalgama voluto, il gruppo inizia una vita live costante e devastante per numero di concerti ed energia profusa: quello che la formula bardozziana permette dal set stradaiolo a quello rombante da palazzetto. Concerti sempre e ovunque (Italia, Francia, Svizzera e Slovenia) alternati a incidenti ai furgoni e collaborazioni con chi ama allegrie acustiche (Litfiba, Daniele Silvestri, CSI, Max Gazzè, Paola Turci…).» (Primomaggio)

«Con il titolo – omaggio all'enorme Serge Gainsbourg – la banda continua il suo gioco sentimental-linguistico col simbolo di B. Bardot, italianizzato a dovere. Nel disco si parla d’amore con la convinzione che chi trova banale parlare d’amore ha seri problemi esistenziali. Si parla di amore per la terra (Lo Sciopero Del Sole; Quello Che Parlava Alla Luna), per le nostre radici (la francese Mélo), per la vita in generale (Ubriaco Canta Amore). L’amore con la sua forza (Hammelin Song; Just le Temps), i suoi dubbi (Cuore a Metà) e i suoi drammi (L'Estate Paziente). L'amore per noi stessi, per la vita da gestire e guidare in prima persona (Beppeanna; Disegnata).I suoni sono quelli acustici di una band acustica: 3 chitarre, contrabbassi e pelli varie.» (From the official site: http://www.bandabardo.it/)

«Italian folk/rock group Bandabardó got involved in the local scene in the early '90s, mostly playing acoustic tunes based on inspiring lyrics about positivism. Formed by singer/songwriter Enrico Erriquez Greppi and guitarist A.M. Finaz, the band was later joined by percussionist Paolino, bassist Don Bachi, guitarist Andrea Orlandini, also known as Orla, and C.C. Cantini. After issuing an EP in 1994, Bandabardó's debut album, called Il Circo Mangione, was released in 1996, followed by 1998's Iniziali: Bi Bi, 1999's Barbaro Tour, and 2000's Mojito Football Club.» (AMG)

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27/02/2008

Modena City Ramblers - Appunti Partigiani (1945-2005)

Since a reader from Argentina requested me to post some Modena City Ramblers music, I’m very happy to anticipate the post of these “Appunti Partigiani”, which I had planned to post on the 25th of April in concomitance with the Festa della Liberazione, the Italian feast day celebrating the liberation of Italy from the German army at the end of World War II. I hope you’ll appreciate these songs of the Italian Resistance movement, revisited by the Modenese band with the help of many Italian and international friends, including Billy Bragg, Goran Bregovic, Moni Ovadia, Bandabardò, Francesco Guccini and many others.

«Per una giornata come quella odierna [25 aprile 2005] non c’è colonna sonora migliore di quella offerta dai Modena City Ramblers. La band guidata da Cisco Bellotti sin dagli esordi aveva manifestato la necessità della memoria, soprattutto nei confronti della Liberazione, attraverso canzoni a tema, o riproposizioni di canti partigiani come “Bella Ciao”. E proprio da “Bella Ciao” parte il nuovo “Appunti partigiani”, album che l’ensemble emiliano ha realizzato con un nutrito gruppo di ospiti e amici. E così le note del canto della resistenza per eccellenza si contaminano con i suoni balcanici dell’orchestra di Goran Bregovic, in un percorso sincretico decisamente interessante. All’appello non può mancare “Auschwitz”, conosciuta anche come “Canzone nel bambino nel vento”, cavallo di battaglia dei Nomadi, e qui proposta insieme al suo autore, vale a dire Francesco Guccini, che la interpreta al suo solito, con quella “erre” carica della tristezza e disperazione che la canzone vuole giustamente (ri)evocare. “Oltre il ponte” vede la partecipazione di Moni Ovadia, mentre la Bandabardò ha il compito di contribuire a rendere spumeggiante “I ribelli della montagna”, in un percorso sonoro irripetibile con i Modena, caratterizzato da venature celtiche. Dal repertorio di Fabrizio De Andrè arriva “La guerra di Piero”: la voce ospite in questo caso è quella di Piero Pelù. Il pezzo viene presentato in un arrangiamento piuttosto scarno ed essenziale, con chitarre elettriche sullo sfondo a sottolineare l’ambientazione bellica. I Modena City Ramblers ripropongono anche “Al Dievel” (era inclusa ne “La grande famiglia”) in coppia con il coro della Mondine di Novi (Modena). Ma la vera sorpresa è “All You Fasciscts” cantata insieme al re del rock progressista inglese, vale a dire Billy Bragg: mai una collaborazione di questo tipo poteva essere più appropriata, soprattutto in un momento in cui la musica si deve porre la necessità di ricordare ai giovani che 60 anni fa in Italia si è verificato un momento storico importante, che ha segnato l’avvento della democrazia, e la sconfitta del regime fascista. Modena e Casa del Vento propongono una bellissima versione di “Notte di San Severo”, mentre ne “Il sentiero” i Modena si ritagliano uno spazio tutto per loro, con l’unico inedito dell’album. Bunna degli Africa Unite contribuisce a rendere reggaeggiante “Il partigiano John”, che però non perde la venatura rock, mentre Fiamma presta la sua voce delicata ne “L’unica superstite”. Il finale è tutto pieno di sorprese: il comico Paolo Rossi offre il suo contributo per una energica “Spara Jurij” (ricordate i C.C.C.P.?), trasformata da punk rivoluzionario a canto folkloristico della resistenza, e non stona per tematica e ambientazione, pur essendo stata concepita negli anni ’80. I marchigiani Gang con “La pianura dei sette fratelli” e Ginevra Di Marco con “Pietà l’e’ morta” riscaldano l’ascoltatore al punto giusto per il pezzo finale. Ed infatti a chiusura di “Appunti partigiani” arriva una “Viva l’Italia” di Francesco De Gregori, che vede alternarsi alle voci, tra gli altri, Ginevra Di Marco, Piero Pelù, Morgan, Bunna, Marino Severini (Gang). La canzone di De Gregori, uscita nel 1979 e contenuta nell’album omonimo, può essere considerata un po’ la canzone simbolo del CD, oltre ad essere uno dei brani più amati dal mondo di sinistra. Perché questa canzone inizia e si chiude proprio con i richiami alla Liberazione (“Viva l’Italia, l’Italia liberata”) e alla resistenza (“Vita l’Italia, l’Italia che resiste”). “Vita l’Italia” è la frase che pronunciavano tanti partigiani prima di morire, o ancora scritta nelle tante lettere spedite nel corso della resistenza. In mezzo ci sono tanti fatti della storia italiana, come il terrorismo (“L’Italia con gli occhi asciutti nella notte scura / viva l’Italia l’Italia che non ha paura”) e la strage di piazza Fontana (“L’Italia del 12 dicembre”). E poi ci sono quell’“Italia che resiste” e quel “Viva l’Italia tutta intera” che in tempi recenti hanno reso la canzone incredibilmente sempre più attuale (il “resistere, resistere, resistere” pronunciato dal giudice Borrelli e l’avvento della Lega). Per questo la canzone di De Gregori nella versione corale offerta dai musicisti in questo nuovo lavoro dei Modena City Ramblers rappresenta un punto di raccordo tra la memoria storica e il futuro, un invito a non dimenticare e soprattutto a non mollare anche di fronte a proposte che vorrebbero far scomparire la festa del 25 aprile e riconoscere pari dignità ai repubblichini della Repubblica sociale di Salò.» (Musicalnews)

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07/02/2008

Eugenio Finardi - Non Gettate Alcun Oggetto dai Finestrini (1975)

A masterpiece of Italian rock.

« Singer, lyricist, guitarist and pianist. Eugenio Finardi was born in 1952 in Milan, the son of an Italian sound engineer and an American opera singer who had come to Italy to sing at the LA SCALA Theatre in Milan.
His first recording experiences came early in his childhood when he sang in children’s’ records and in recordings of American classics for the expatriate community in Europe.
As a teenager he started singing the blues with friends like Fabio Treves and Alberto Camerini.
He went to the American School in Milan and then studied theatre at Tufts University in Boston.
Upon his return to Italy he started working as a studio session man and as a radio DJ in the first underground FM radio stations.
In 1975 he released his first album, for “Cramps”, a pioneering “alternative” label, which single-handedly created Italian rock, blending lyrics inspired by the cultural and political issues of the seventies “movement” with a sound influenced by rock but with jazz, blues and traditional Italian folk influences. His highly original Musica Ribelle from Sugo became the soundtrack of that period and started the evolution of Italian pop music.» (Read more)

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04/01/2008

Maria Carta - Chelu e Mare (1992)

Some time ago, Francesco (many thanx, although regrettably belated!)from Sardinia sent me this beautiful album by the sadly late Maria Carta, one of the best interpreters and innovators of Sardinian folk music. Somehow, the files got lost in the vaults of my hard disk. Now, prompted by another reader from Sardinia who sent me a picture of his beautiful land, at last I managed to find it. So here it is, enjoy!

«Maria Carta (Siligo, 24 giugno 1934 - Roma, 22 settembre 1994) è stata una cantante e cantautrice di musica tradizionale sarda. Ha inoltre partecipato a film e rappresentazioni teatrali e ha scritto un libro di poesie (Canto Rituale, 1975).
In 25 anni di carriera ha ripercorso i molteplici aspetti della musica tradizionale della sua terra (ninne nanne, gosos, canti gregoriani, eccetera), spesso aggiornandoli con un tocco moderno e personale. È riuscita a portare con successo la musica folk sarda in manifestazioni popolari a livello nazionale e internazionale (soprattutto in Francia e negli Stati Uniti).
Interprete estremamente sensibile e dotata di notevole presenza scenica, non ha mancato di affascinare registi come Francis Ford Coppola e Franco Zeffirelli, che l’hanno chiamata a recitare nei loro film. Legatissima alla sua terra, Maria Carta era però innamorata anche di Roma, città in cui ha vissuto per lunghi anni; nella capitale ha ricoperto il ruolo di Consigliere comunale dal 1976 al 1981 tra le fila del Partito Comunista Italiano. Nel 1985 ha vinto la Targa Tenco per la musica dialettale.
Negli ultimi anni della sua vita Maria Carta è stata molto legata all'Università di Bologna, dove ha svolto un ciclo di lezioni e seguito studenti che preparavano tesi di laurea aventi per oggetto tematiche a lei consuete, fornendo loro preziose indicazioni derivanti dalla sua esperienza personale, umana e di studio. Nel 1991 il Presidente della Repubblica Francesco Cossiga l'ha nominata “Commendatore della Repubblica”.
Maria Carta ha tenuto il suo ultimo concerto a Tolosa (Francia) il 30 giugno 1994; malata da tempo di cancro, è morta nella sua casa di Roma a 60 anni, il 22 settembre 1994.»

For more info: http://www.myspace.com/mariacarta

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02/01/2008

Aktuala - La Terra (1974)

«Fino ai primi Anni Settanta, strutture e strumenti musicali etnici erano presenti solo in un certo tipo di jazz o di musica contemporanea. John Coltrane impiegava moduli africani e asiatici nelle sue composizioni per sassofono, pianoforte, contrabbasso e batteria. Charlie Mariano e Yusef Lateef usavano strumenti e scale melodiche etniche in abbinamento con il piano, la batteria ecc. Anche gruppi rock come i Beatles e i Rolling Stones, per citare gli esempi più noti, si avvalsero in qualche loro canzone di strumenti musicali extraeuropei, come il sitar e vari tipi di percussioni.
Questa era la situazione in cui emerse Aktuala, con una formula strumentale nuova che non si basava solo sul jazz, rigorosamente priva com’era di batteria, contrabbasso e pianoforte (cioè gli strumenti base del sound jazzistico, i primi con il loro swing, il piano con le armonizzazioni).
Una congerie di percussioni sostituiva la batteria, al posto del piano comparivano strumenti a corda antichi e insoliti come la balalaica o il saz e una miriade di fiati, più effetti sonori misteriosi e nuovi per quell'epoca. Il tutto all'insegna di parallelismi tra stili musicali compatibili, come per i ritmi dispari che ritroviamo nei Balcani, nel gamelan balinese e nella musica indiana. Il tutto con codici di improvvisazioni incrociati. Oppure, la creazione di nuovi impasti sonori di fiati, dovuti alla sperimentazione di combinazioni inusitate di strumenti, come per esempio zurna + sax soprano + flauto + armonica bassa nell’album La Terra.
Il capolavoro degli Aktuala è La Terra (primo LP in cui compare Trilok Gurtu), realizzato nel 1973 e messo in commercio nel 1974, uno dei primi lavori di world music in assoluto, ancora ineguagliato quanto a fusioni stilistiche e sonore e a originalità degli insiemi strumentali.» (Soundcenter, freely edited)

«Aktuala represent one of the most meaningful musical innovations in the Italian scene of the 70s. They were involved in popular musics of every age and country, passionate collectors of ancient and ethnic instruments who tried to make a sort of universal popular music, a total experience without the mediation of the classic culture; their music was instinctive, primordial, in it the same signs of the nature, the daily sounds became music. Middle East, Africa, Mediterranean countries, Australia were part of this complex sonic geography, along with free jazz and avantgarde music. The band didn't play in theatres or the usual concert circuit, choosing to play instead in different contexts, like public squares, beaches, restaurants, even psychiatric hospitals.» (Soundcenter)

Tracklist, line-up and more reviews here: Progarchives

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27/12/2007

Paroplapi - La Finestra dell'Ultimo Piano (2005)

Tobi, again (thanx!), proposes us this interesting trio that offers us a vast selection of popular songs from Italy and France, all revived with classy arrangements and inspired readings. A small gem, well worth a listen!

«Questo gruppo, dal nome insolito, propone dall’inizio del XXI secolo l’incontro “musicale-linguistico” proveniente dalle rive del Mediterraneo. Paroplapi attinge le sue ispirazioni particolarmente in Francia e in Italia, che rappresentano le zone d’origine dei membri del gruppo. Voci e significati. La pratica e lo studio di questi repertori, mette in luce i legami profondi fra i popoli e i valori in comune: così, non sono più le sole tradizioni musicali di una regione che gli
artisti valorizzano, ma bensì una ricerca culturale, in continua evoluzione in nome dell’unione nella diversità. Individualmente portatori di questi repertori da molti anni, i membri del trio Paroplapi si sono riuniti con lo scopo di poter offrire un ampio spettro di canti popolari dell’arco latino, florilegio di ciò che la memoria collettiva ha raccolto sul filo del tempo.»

«Ce groupe au nom iconoclaste propose depuis le début du XXI siècle des croisements "linguisticomusicaux" de chants de l'arc latin. C'est au bord de la méditerrannée que Paroplapi puise son inspiration, et ce plus particulièrement en France et en Italie, d'où sont issus les deux chanteurs fondateurs du groupe, Samuela Gallinari et Gael Princivalle. La pratique et l'étude des répertoires de tradition mettent en exergue les liens profonds entre les peuples, ainsi que leurs valeurs comunes. Ainsi, ce n'est plus un répertoire ou une région que les artistes portent en étendard, mais la recherche d'un chemin culturel universel, en perpetuelle évolution. Porteurs de répertoires de tradition depuis de nombreuses années, les membres du projet Paroplapi proposent un ample panel de chants populaires de l'arc latin, florilège de ce que la mémoire collective a sélectionné au fil du temps.»

Official site: http://www.cant.org/paroplapi/default.htm

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15/10/2007

Various Artists - A... Canzoni per l'Ambiente (Songs for the Environment) (2000)

Hello everybody,

although mine is mainly a music blog, I adhered gladly to the Blog Action Day campaign because, as a citizen of this planet, I am profoundly concerned with the actual conditions of its natural environment. We live on the thin-like-a-record surface of the only known world able to support life as we know it, and yet we continue to hurt it in every possible way and treat it as mankind’s dustbin. Well, perhaps the American/Western way of life is not that blessed as Mr. Bush and his fellow oilmen would say, and it’s time to let them go back to their ranches and villas (usually, please note, located quite far from polluted and wasted areas…) and begin to change our lives. Well, I don't want to be annoying. Let me just add that protecting the environment is a political issue, absolutely crucial for our future. And when we come to politics, the most crucial point is information. So, I warmly invite you all to dig the Internet, for example, also to discover what’s really happening right now (don’t expect they'll tell you on the TV…) and what you can do to improve the situation.

One last thing: before downloading this nice collection of «Canzoni per l’ambiente» (Songs for the environment), featuring some of the best names in the Italian “alternative” pop scene (Africa Unite, Agricantus, Nidi d'Arac, Bandabardò, Mau Mau, Max Gazzè, Subsonica and so on...), please leave a green message for everybody to read!

That’s all, folks! R.

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22/08/2007

Stefano Bollani - Småt Småt (2003)

A small (Danish småt) homage to a genius.

«Stefano Bollani è un pianista geniale, un figlio unico. Lo dicono in molti: bastano la sua fantasia e la sua stravaganza a renderlo evidente anche a chi non è un esperto del settore.
La genialità di Bollani, o presunta tale, è nella tecnica, nel tocco, ma ciò che lo rende veramente unico è il suo coraggio: la sua musica è una sfida, più o meno consapevole, a qualunque genere. È un tentativo di comunicare una musica, tanto profonda quanto libera.
Questo è, in fondo, quello che fanno i geni: al punto che, per paura, la loro arte viene percepita come un’azione di rottura. Chiedetelo a quegli appassionati di jazz che vedono il “loro” pianista sporcarsi le mani con collaborazioni “profane” con Irene Grandi, con la Bandabardò o con Bobo Rondelli. Chiedetelo a chi continua ad aspettare che maturi, che abbandoni le sue “scappatelle” in altri territori. Chiedetelo a chi da anni sperava in un suo disco solista.
“Smat Smat” è infatti il suo primo disco solista. Un disco che rompe: un incontro non facile per chi è abituato a suddividere la musica, a farla propria attraverso categorie esclusive. Ma anche una rivelazione per chi lascia che sia la musica ad aprirsi e ad aprire, in modo esclusivo.
Di esclusivo c’è che Bollani è il primo musicista jazz in Italia con un suo fan club (i Bollati). C’è che ha fatto un disco con cinque pezzi suoi e nove interpretazioni. C’è che quelle covers non sono i soliti standards, non sono nemmeno rarità sconosciute ai più. Sono pezzi dei Beatles, di Marco Parente, di Frank Zappa, di illustri compositori come Ginastera, Durano, Villoldo, Barbosa, Del Turco.
Bollani nutre la sua impostazione classica con amori sensuali, relazioni pensate e vissute, attrazioni che non hanno pudori, di quelle che vi fanno sorridere da dentro, anche quando siete per strada o sul posto di lavoro. “Smat Smat” è un disco che contiene una struttura complessa e una voglia di stupire, semplice, come un fumetto: è la voce di un Paperino, dotato delle conoscenze e delle intuizioni di un Archimede.
È un disco che vuole essere voce. Ed è voce, una voce che dà un piacere sottile, simile a quello che deriva dai film di Charlie Chaplin. Prokofiev suonato come un rock’n’roll, il classico pianismo europeo avvolto nei gomitoli di Frank Zappa, il pop dei Radiohead alternato alla limpidezza lunare di Thelonius Monk, i saltelli giocosi della musica latinoamericana con la canzone d’autore italiana. Ogni brano è un acquarello, un sasso lanciato nello stagno: quattordici cerchi che si propagano fino a formare un unico vortice. In cui si riflette un volto giovane, forse di un bambino, che “viaggia” su una barchetta di carta e sfida il mare. Mentre canta una musica tutta sua, che fa… “smat smat”.» (Christian Verzeletti, Mescalina)

«Stefano Bollani is another formidable force in contemporary jazz piano, fuelled by a hot core of orthodox jazz-piano energy, but pulls in his wake all manner of atmospherics derived from plucking and banging the innards of the instrument. This unaccompanied set features 14 brief expositions drawing on Monk, Prokofiev and Frank Zappa, among others. Lennon and McCartney are also there, on a version of “Norwegian Wood” that punctuates the dreamy unfolding of the theme with startled percussive accents made from striking the strings. Giant low-register stompings underpin contrastingly romantic right-hand dances, and Bollani sometimes sings in a halting, low-key, torch-song manner, or engagingly duets with his scurrying piano lines on harmonica. Sometimes he's a little arch in his classical-music references, or sounds like a virtuosic Chico Marx or a wine-bar pianist left on his own after closing-time. But his inbuilt rhythmic drive makes an exhilarating job of the bent-blues original “Giroconlon” and turns the Zappa import “Let's Move to Cleveland” into a whirling fast waltz.» (John Fordham, The Guardian)

Biographie en français: http://www.label-bleu.com/artist.php?artist_id=107

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