El concepto y la cuestión de la identidad alimenta la música de la cantautora sudanesa Alsarah. De ascendencia nubia, y afincada en Nueva York, Alsarah es una ferviente etnomusicóloga: su mirada introspectiva, que comprende la compleja historia artística y política de la región africana a la que ella denomina hogar, define tanto a la artista como a su nuevo álbum Manara ("El Faro", 2016).
Alternativamente cantado en lenguas nubia y árabe, Manara habla enérgicamente del desplazamiento, de la desconexión diaspórica, del sentimiento sociopolítico y de las individualidades. A través de letras poéticamente abstractas, Alsarah y su banda, The Nubatones, logran transmitir multitud de emociones, folclore y pasiones autóctonas. Para ello se valen de instrumentos occidentales y africanos, incorporando discretos elementos electrónicos. "Retropop de África del Este" es como denominan su música, aunque Manara suena más contemporáneo y global.
En cualquier caso, en tiempos de crecientes restricciones migratorias, no está de más que la música nos recuerde uno de los muchos aspectos positivos de unir a gente de múltiple procedencia: el enriquecimiento que aporta la diversidad.
01. Salam Nubia
02. Asilah Interlude
03. Alforag
04. Albahr
05. Fulani Interlude 1
06. 3yan T3ban
07. Fulani Interlude 2
08. Ya Watan
09. Nar
10. Manara
11. 3roos Elneel
12. Asilah
13. Fulani
14. Safr Minni
No requiere mucha presentación cuando se habla de Mariza. Como el embajador más importante de la música contemporánea portuguesa, su nombre es sinónimo de la voz que hizo del fado su tarjeta de presentación y la misión de la vida. Pero ella nunca miró hacia atrás cuando se trataba de encontrar nuevas formas de fado.
Mariza es simplemente Mariza: única, expresiva, original. En consecuencia, su nuevo y séptimo álbum de estudio lleva el título simple pero apto "MARIZA". Por un lado, porque su voz y su talento que abarca el género nunca se encerraron en los cajones comunes. Por otro lado, porque no puedes esperar menos de Mariza que Mariza.
En consecuencia, parece lógico que ella envíe su nuevo álbum no solo uno, sino dos singles por delante. En el clásico "Trigueirinha", Mariza es la cantante de Fado terrenal, que amplía el espectro de la melodía tradicional de Fado con una brisa tropical, incluyendo bajos sabrosos y percusión. En "Quem Me Dera", sin embargo, ella puede ser escuchada como una intérprete sutil de una conmovedora balada acústica.
El Fadista y el cantante de baladas sentimentales suman una y la misma Mariza. Reflejan las facetas de Mariza, que se convirtió en un fenómeno mundial con su álbum debut Fado em Mim 2001, en realidad hace 17 años. Pertenecen a la Mariza, que por primera vez ha cantado y grabado su propio texto en la obra "Oração" para "MARIZA". Son parte de Mariza, que ha mostrado un gran crecimiento en el transcurso de cinco álbumes de estudio, tres grabaciones en vivo y una compilación Greatest Hits. Todas y cada una de sus muchas giras de conciertos, cada actuación, cada nueva experiencia, cada premio y cada título que ha recibido, para Mariza, cada aspecto de su carrera ha sido una lección. Ella siempre ha permanecido fiel a sí misma. Cada frase, cada nota está llena de ella, porque Mariza canta porque tiene que cantar porque su voz y ella son una. Eso es Fado. Y es por eso que Mariza es Fado, sin importar lo que ella canta.
Lo que ella canta en "MARIZA" es una mezcla seductora de tradición y modernidad, pasado y futuro. Jorge Fernando, Mário Pacheco y Tiago Machado, que han trabajado con Mariza desde sus primeros días, contribuyeron con canciones para el álbum. Las estrellas de la música urbana y la música africana como Matias Damásio o Héber Marques hicieron lo mismo para los colaboradores de toda la vida, junto a la cantautora pop Carolina Deslandes. Está acompañado musicalmente por viejos amigos como José Manuel Nateo, el mago de la guitarra portuguesa, el guitarrista flamenco y de jazz Pedro Jóia, Jaques Morelenbaum, el virtuoso del cello de Brasil y el productor Javier Limón, quien está trabajando junto con Mariza por tercera vez .
La voz se destaca por encima de todo: más madura, más expresiva, atractiva, más informal en cualquier contexto. Ya puedes reconocer esta voz en la primera nota y en el primer estribillo sentirás su poder seductor, que se ha llevado como máximo al final de una canción. Solo da esta voz una vez. Es la voz de Mariza, llena, experimentada, única, "MARIZA".
1Trigueirinha 2 Quem me dera 3 Amor perfeito 4 Oração 5 Sou 6 É mentira 7 Semente viva ft. Jaques Morelenbaum 8 Por tanto te amar 9 Nosso tempo 10 Verde limão 11 Quebranto 12 Oi nha mãe 13 Fado Errado ft. Maria da Fé 14 Fado Refúgio 15 Trigueirinha ft. Carolina Deslandes, Jorge Palma, Mafalda Veiga, Marisa Liz, Ricardo Ribeiro, Tim (Bonus Track)
Fatoumata Diawara (Costa de Marfil, 1982) es una actriz y cantante maliense que fusiona el folk Wassoulou con jazz y soul, residente en Francia. Ha colaborado con cantantes maliense como Oumou Sangaré.
“Fenfo”, el segundo álbum de Fatoumata Diawara tras el debut “Fatou”, ha sido grabado en Mali, Burkina Faso, Barcelona y París, y en él confluyen una amplia gama de géneros africanos, antiguos y modernos. Ahora Diawara se encuentra de gira recorriendo Europa antes de viajar a Estados Unidos en abril, para luego volver de nuevo a Europa
Cómo celebrar el desierto en el hogar, cómo protegerlo, desarrollarlo, unificarlo, respetarlo y, sobre todo, nunca olvidarlo, son los temas principales del nuevo álbum de Bombino 'Deran'. Están vestidos con diez canciones de rara madurez y poder que marcan un punto de inflexión en la carrera de un guitarrista y compositor que nació a la sombra de una acacia a unos ochenta kilómetros al noroeste de la antigua ciudad de Agadez, y que desde entonces ha ascendido a la nueva guitarra Tuareg Generacion. Es un retroceso en la fuente de todo lo que hace que Bombino sea quien es.
"Mi misión para este álbum siempre fue acercarme a África", dice. No sorprende entonces que se haya tomado la decisión de grabar 'Deran' lo más cerca posible de su Níger natal en el sur del Sahara. El lugar ideal surgió en la forma de Studio Hiba, una instalación de grabación de alto vuelo propiedad del Rey Mohammed VI ubicada en un suburbio industrial de Casablanca en Marruecos. Allí, Bombino y su estable banda a largo plazo -como Tuareg Illias Mohammed a la guitarra y voz, el estadounidense Corey Wilhelm a la batería y la percusión y el mauritano (que vive en Bélgica) Youba Dia al bajo- dormían, comían y hacían música en feliz aislamiento. Su círculo fue ensanchado por el percusionista marroquí Hassan Krifa, y por los primos de Bombino Anana ag Haroun (vocalista de la banda tuareg con sede en Bruselas Kel Assouf) y Toulou Kiki (cantante y estrella de la película Timbuktu), quienes acudieron para agregar algunos voces de 'pandillas'. Después de Casablanca, las cintas volaron a Boston para ser embellecidas por el amigo y tecladista sudanés Mohammed Araki.
Bombino y la tripulación evocaron un recorrido itinerante por el misterio de los sonidos saharauis contemporáneos, desde la roca diesel en crudo del abridor 'Imajghane' ('The Tuareg'), hasta el paso de camello de 'Tenesse' ('Idleness'), la tierna cadencia de Midiwan ('Mis Amigos') y el estilo 'Tuareggae' que es la única contribución de Bombino a la música del desierto en la canción 'Tehigren'. Todo el desierto está allí, duro y gentil, trágico y juguetón. Pero más que nada 'Deran' es honesto y verdadero. Deran, Deran, Alkheir. "Mis mejores deseos, mis mejores deseos, por la paz".
Geoffrey Gurrumul Yunupingu (Galiwin'ku, Elcho Island, Australia, 22 de enero 1971-Tiwi, Darwin, Territorio del Norte; 25 de julio de 2017) fue un músico aborigen australiano, que cantaba en el idioma yolngu.
Nació en Galiwin'ku (Elcho Island), en la costa de la Tierra de Arnhem, al norte de Australia, distante alrededor de 580 kilómetros de Darwin. Pertenecía al clan Gumatj del Yolngu y su madre era de la nación Galpu.2 Nació ciego, nunca aprendió braille y no tenía un perro guía ni usaba un bastón blanco. Yunupingu hablaba unas pocas palabras en inglés, y se decía que era extremadamente tímido.3
Tocaba la batería, teclados, la guitarra y el didgeridoo, pero era la claridad de su voz de canto la que había atraído críticas muy favorables. Cantaba historias de su tierra en los dos idiomas (Galpu, Gumatj o Djambarrpuynu, todo Yolŋu Matha) e inglés. Antes de Yothu Yindi, ahora está con Saltwater Band.
Strut presents the brand new album from cosmic jazz travellers The
Pyramids, led by saxophonist Idris Ackamoor, ’An Angel Fell’. “I wanted
to use folklore, fantasy and drama as a warning bell,” explains
Ackamoor.
“The songs explore global themes that are important to me and to us all:
the rise of catastrophic climate change and our lack of concern for our
planet, loss of innocence and separation... but positive themes too,
the healing power of music, collective action and the simple beauty of
nature.”
Produced by Malcolm Catto of The Heliocentrics, the album was recorded
during an intense week at Quatermass studios in London and is one of the
deepest, richest works yet from a band reaching their highest creative
peak since the early ’70s. Some of the many highlights include the
poignant title track depicting a fallen angel in purgatory, outrage and
grief on the powerful, hard hitting ‘Soliloquy For Michael Brown’ and
the lilting, beautiful album closer, ‘Sunset’.
The Pyramids originally came together in 1972 at Antioch College, Yellow Springs, Ohio where teachers included renowned pianist, Cecil Taylor.
After forming in Paris and embarking on a “cultural odyssey” across
Africa, the group recorded three independent albums, ‘Lalibela’ (1973),
‘King Of Kings’ (1974) and ‘Birth / Speed / Merging’ (1976) and became
renowned for their striking live shows, mixing percussive, spiritual and
space-age jazz with performance theatre and dance. After migrating to
San Francisco, they disbanded in 1977. 35 years later, the band reunited
in 2012 following growing demand for their music from vinyl collectors.
German label Disko B released the freeform album ‘Otherwordly’ and in
2016, they released their first album for Strut, the acclaimed ‘We Be
All Africans’.
Musicians:
Idris Ackamoor: Tenor Saxophone, Keytar, Lead Vocals
Sandra Poindexter: Violins, Lead Vocals
David Molina: Guitar, Effect pedals, Vocals
Skyler Stover: Double Bass, Vocals
Bradie Speller: Congas, Handsonic, Vocals
Johann Polzer: Drums
Album cover - top right
Artwork by Lewis Heriz.
1.
Tinoge 06:59
2.
An Angel Fell 08:37
3.
Land Of Ra 09:25
4.
Papyrus 07:41
5.
Soliloquy For Michael Brown 09:21
6.
Message To My People 07:48
7.
Warrior Dance 11:10
8.
Sunset 06:32
Estamos encantados de anunciar que Loreena está a punto de lanzar su
primera grabación de canciones originales desde su grabación de 2006 An
Ancient Muse. Su nuevo álbum, Lost Souls, se lanzará a nivel
internacional el 11 de mayo de 2018.
Los planes de giras internacionales para 2018/2019 también se anunciarán
en los próximos meses. Como miembro de la comunidad LM, será el primero
en estar informado de los tours y las oportunidades exclusivas de
preventa.
Este tan esperado y esperado álbum es un tapiz rico y ecléctico de
canciones tejidas con influencias de los celtas a los beduinos, cosidas
con los sonidos de una colección diversa y exótica de voces musicales,
incluyendo el nyckelharpa, oud, kanoun, guitarra flamenca y una banda
militar canadiense.
"Aunque Lost Souls no sigue el siguiente capítulo en mi búsqueda de la
historia de los celtas, ha sido gratificante completar una selección de
canciones en las que he estado trabajando durante algún tiempo", dice
Loreena. "La vida ha sido tan completa y exigente en los últimos diez
años; tanto a nivel personal como profesional también fue gratificante
volver a la parte creativa del proceso".
Hay nueve canciones en el nuevo álbum. Varias comenzaron hace algún
tiempo por Loreena, mientras que otras se han ido formando
progresivamente en medio de proyectos y viajes más recientes. Algunos se
basan en la poesía de John Keats y W.B. Yeats, mientras que otro evoca
un sabor distinto de Medio Oriente.
El álbum estará disponible en CD, disco de vinilo de 180 gramos y en
todos los servicios de música, incluidos iTunes, Apple Music y Spotify.
Los pedidos anticipados y el pre-guardado (para servicios de
transmisión) comienzan el viernes 9 de marzo. El CD y el disco de vinilo
están disponibles para su pedido por adelantado en una serie de tiendas
preferidas.
El álbum fue grabado de mayo a octubre de 2017 en Hamilton, Canadá, en
los estudios Catherine North y en los estudios Read World de Peter
Gabriel, cerca de Bath, en el suroeste de Inglaterra.
Cuenta con Loreena en voz, piano, teclado, acordeón y arpa, acompañado
por su núcleo de músicos, muchos de los cuales conoces: Brian Hughes en
guitarras, bazouki y sintetizador, Caroline Lavelle en violonchelo y
concertina, Hugh Marsh en violín, y Dudley Phillips en bajo acústico y
eléctrico.
Diseñado por Yossi Shakked, Stuart Bruce y Jeff Wolpert, las almas
perdidas fueron dominadas por Bob Ludwig en Gateway Mastering Studios.
El paquete del álbum fue diseñado por Jeri Heiden, de Smog Design, Inc.
El álbum también presenta artistas especializados como Robert Brian y
Tal Bergman (batería), Hossam Ramsey, Graham Hargrove y Rick Lazar
(percusión), Nigel Eaton (Hurdy Gurdy), Panos Dimitrakopoulos (Kanoun),
Sokratis Sinopoulos (Lyra), Haig Yazdjian (Oud), Ana Alcaide
(Nyckelharpa), Daniel Casares (Guitarras Flamencas) y Miguel Ortiz
Ruvira (Flamenco Percussion).
Tracklist:
1. Spanish Guitars and Night Plazas
2. A Hundred Wishes
3. Ages Past, Ages Hence
4. The Ballad of the Fox Hunter
5. Manx Ayre
6. La Belle Dame Sans Merci
7. Sun, Moon and Stars
8. Breaking of the Sword
9. Lost Souls
El galardonado grupo Monsieur Doumani, se formó en 2011 en Nicosia, Chipre, por Antonis Antoniou (tzouras), Angelos Ionas (guitarra) y Demetris Yiasemides (trombón, flauta).
Viniendo de diferentes orígenes musicales, pero influenciado por la tradición chipriota en varios niveles, Monsieur Doumani compone canciones chipriotas que se inspiran en la sociedad chipriota contemporánea, así como en las condiciones inestables de nuestra era. La identidad original del proyecto estuvo determinada por la adaptación de piezas tradicionales chipriotas, con un color contemporáneo especial en sonido y estado de ánimo, formando un estilo distintivamente propio.
1
Kick 'n' Slap
3:18 2
Hey You
4:32 3
Thorn of the Cactus
4:20 4
Fallow Fields
4:06 5
Mishmash
3:00 6
Gel Burda
3:04 7
Where Shall I Bang It?
3:26 8
Drinking and Kissing
4:51 9
Mother and Mistress of Us All
2:39 10
Little Car
4:09 11
Akamas' Dragons
4:22 12
Antics
5:46 13
Little Star
6:59
The opening track of ‘Avant Folk’ is like a dream of what contemporary experimental folk-meets-jazz-meets-chamber-music might be. Composed by Frode Haltli, ‘Hug’ begins with a galumphing off-centre rhythm that could be an accompaniment to elephants waltzing before the wheezing bellows-breath of Haltli’s accordion creates delightfully airy whispers of noise that drift across the other instruments like wisps of cloud across the sky.
Then we get the entry of the theme, a compulsive Nordic ear-worm folk melody led by Hardanger fiddle and violin that’s half woozy sea-shanty and half universal pan-African groove, backed up by shuffle-beat drumming like Ed Blackwell with Ornette Coleman. As if that wasn’t enough for one tune already, the music continues to evolve, with a beautifully poised improvised solo on trumpet by Hildegunn Øiseth that sounds so perfect it should really win some kind of award on its own. The groove slows down, the elephant waltz returns to form a satisfyingly symmetrical conclusion and the music gradually resolves into silence, bringing to an end what has been seven and a half minutes of continuous invention. It’s quite a performance, and quite a band, the dectet of expert players covering enough instruments between them to simulate the tonal breadth of a full orchestra while retaining the humble, home-made aesthetic of a traditional folk ensemble, matching compositional sophistication and individual virtuosity with collective empathy and hard-won grace.
Elsewhere, as the album develops, the folk references expand to include echoes of west African desert blues, east European gypsy swing, Armenian double-reed laments and lugubrious Nordic village knees-ups on a range of material partly adapted from traditional hymn-tunes and songs from Norway and the Faroe islands to form a kind of north Atlantic gumbo. But ‘Avant Folk’ never feels like a slapdash fusion of different elements mashed together without regard for the integrity of the whole. Importantly, the band always sounds like a proper band, as fleet-footed as any improvisational jazz ensemble, and able to hurdle with ease the normal generic divides separating one type of music from another. By the time the listener reaches the end of the album’s final track, ’Neid’ – another Frode Haltli composition, like the opening ‘Hug’ – ‘Avant Folk’ has effectively created its own genre, a pleasingly congruent collection of stylistic traits that sounds like nothing so much as itself. All the music, whether composed by Frode Haltli or adapted from antique sources, is arranged jointly by Haltli and the band members.
So where did ‘Avant Folk’ come from and why does it sound so good? For a start, Frode Haltli (born 1975, Norway) is, like many of the ensemble’s star players, a classically-trained virtuoso who from an early age (he began the accordion at seven) has been well used to working between different forms of music, from traditional folk to the avant-garde, and to collaborating with players from all sorts of backgrounds. Haltli also composes, both on his own and with Maja S.K.Ratkje (his co-producer on ‘Avant Folk’, who is responsible for the album’s editing and mixing), and has developed very strong links with fellow musicians and composers both within Norway and internationally, once again working across the normal boundaries demarcating one musical form from another, recording the complete accordion works of Arne Nordheim, for example, but also appearing with the various groups of jazz saxophonist Trygve Seim. His debut recording for ECM, ‘Looking On Darkness’ was released in 2002, followed by ‘Passing Images’ from 2007, (with trumpeter Arve Henriksen, violist Garth Knox and Maja S.K. Ratkje on vocals), and ‘Air’ (2016), a recording of music for accordion and strings by Hans Abrahamsen and Bent Sorensen with the Arditti Quartet and the Trondheim Soloists. His debut release for Hubro, ‘Vagabonde Blu’ (2014), is a live solo recording featuring works by Salvatore Sciarrino, Aldo Clementi and Arne Nordheim. As if any further exemplars of Frode Haltli’s customary melding of the classical repertoire with folk, jazz and beyond were needed, we can also note his current duo with the Norwegian violinist Gjermund Larsen; The Snowflake Trio (with Irish flautist Nulala Kennedy and Norwegian fiddler Vegar Vardal); and a trio with another fiddler, Ragnhild Furebotten, and the Swedish nyckelharpist Emilia Amper.
The breadth of Frode Haltli’s interests is not unusual in Norwegian music and this is paralleled by a number of his collaborators on ‘Avant Folk’, many of whom – like the inspirational fiddler Erlend Apneseth (a regular Hubro artist in a number of settings) or the keyboardist Stale Storlokken (of Supersilent and Motorpsycho, among others) enjoy similarly wide-ranging careers that weave in and out of numerous musical styles and settings. But the last word on ‘Avant Folk’ has to be the music. The album ends on the suitably epic note of Haltli’s ‘Neid
Después de treinta años de tocar en escenarios de todo el mundo, desde Dublín hasta Nueva York, de Tokio a Sydney, la principal banda irlandesa tradicional, Altan regresó a THE HILLS de Donegal para grabar su nuevo álbum, THE GAP OF DREAMS. Las 13 pistas transportan a The LISTENER al estilo de vida rural de Donegal, a un tiempo anterior a la electricidad cuando la gente se juntaba en las brumas del invierno para contar historias, cantar canciones y bailar hasta altas horas de la noche. La música elevó el espíritu de los locales y ayudó a elevarlos MÁS ALLÁ de las dificultades del día como el hambre, el conflicto y la emigración. Es este espíritu el que influyó en el desarrollo de la banda a través de sus múltiples fases de crecimiento, desde un dúo actuando en pubs hasta artistas de giras y grabaciones internacionales.
El título del álbum, THE GAP OF DREAMS, está tomado de un poema de Francis Carlin, The Ballad of Douglas Bridge, en el que escribe: "The Gap of Dreams never closed", en referencia a la brecha entre este mundo y el Otro Mundo. The Otherworld siempre ha ejercido una gran influencia en la tradición del condado de Donegal y ha servido de inspiración para la canción, la música y el folclore.
El álbum presenta muchos juegos de carretes tradicionales de Donegal, como la provocativa composición de Néilidh Boyle, "Seán saCheo" (John in the Mist), así como composiciones originales. Martin Tourish escribió dos animados carretes en el estilo de Donegal: "Tuar", que se traduce como "presagio o señal", y "Oíche Fheidhmuúil", que significa "una noche enérgica".
El cantante y miembro fundador Mairéad Ní Mhaonaigh se convirtió en el destinatario 2017 del TG4 Gradam Ceoil / músico tradicional del año, uno de los honores musicales más importantes de Irlanda, reconociendo su papel prominente en el apoyo, nutrimiento y fortalecimiento de la música tradicional irlandesa Una de las composiciones de Mairéad para este álbum es una plantilla deslizante, que presenta la canción principal, "The Gap of Dreams", y es seguida por dos más. La hija de Mairéad, Nia Byrne, escribió la primera, titulada "Nia's Jig", y toca el violín en la pista. El hijo de Mark Kelly, Sam, escribió el segundo, "El apicultor" (lógicamente llamado porque está en la tecla de B!), Y toca la concertina en la canción. Cuatro de las canciones están en irlandés (gaélico), que es el primer idioma de Mairéad, y el idioma del noroeste de Donegal. <
De vuelta en Donegal, en Attica Studios, en la ciudad de Termon, parecía como si la inspiración del amado paisaje se hubiera derramado en el estudio. Con los productores Michael Kenney y Tommy McLaughlin, el nuevo álbum captura la esencia que ha seguido representando el sello distintivo de la música de Altan.
THE GAP OF DREAMS se lanzará el 2 de marzo de 2018 en Compass Records y Altan iniciará su gira en Calgary, Alberta el 23 de febrero.
The Gap of Dreams / Nia’s Jig / The Beekeeper
The Month of January
Seán sa Cheo / Tuar / Oíche Fheidhmiúil (A Spirited Night)
Bacach Shíl Andaí
The Piper in the Cave / An Ghaoth Aniar Aneas (The South-West Wind)
Níon a’ Bhaoigheallaigh
The Tullaghan Lasses / The Cameronian / The Pigeon on the Gate
An Bealach Seo ‘Tá Romham (This Road Ahead of Me)
Dark Inishowen
The Templehouse Strathspey & Reel / John Mhosey McGinley’s / The Mermaid of Mullaghmore
A pesar de los evidentes vínculos históricos entre el jazz y la música
tradicional africana, pocos proyectos logran la fusión de estas músicas
.... Un pionero del género, el Kora Jazz Trio regresa con un sexto álbum
creado por el ecléctico Eric Legnini.
Éste sublima las composiciones del pianista Abdoulaye Diabaté, así como
las bellísimas interpretaciones de los estándares que son Via Conme de
Paolo Conté, Sodade inmortalizada por Cesaria Evora y Moanin 'of the
Jazz Messengers of Art Blakey.
Para esta Parte IV del Kora Jazz Trio, el Kora ha sido confiado a todos
los encuentros musicales habituales: Cherif Soumano (Dee Dee
Bridgewater, Tiken Jah Fakoli, World Kora trio, ...) y para mejorar el
repertorio añadir según las canciones, el canto de Woz Kali, el
contrabajo de Manu Marches, la percusión de Boris Caicedo, el balafón de
Adama Condé y la guitarra de Hervé Morisot (Sodade).
01. DJANFFA (Chérif Soumano) 3’46
02. SIRAGNAN – FAIN (Abdoulaye Diabaté) 4’21
03. VIA CON ME (Paolo Conte) 3’46
04. FAYDA (Abdoulaye Diabaté, Woz Kali) 6’03
05. BOURAMA (Abdoulaye Diabaté) 4’38
06. MOANIN’ (Bobby Timmons) 4’33
07. KEBA – DJITO (Abdoulaye Diabaté) 4’36
08. SODADE (Luis Morais) 6’23
09. ALA – LAKO (Abdoulaye Diabaté) 4’58
10. KORA YA ME VOY (Abdoulaye Diabaté) 5’41
11. MITOHA SONG (Abdoulaye Diabaté) 4’50
ABDOULAYE DIABATÉ – Piano, composition, arrangements
CHERIF SOUMANO – Kora
MOUSSA SISSOKHO – Congos, bongo, calebasse, cymbales, tama
MANU MARCHES – Contrebasse
ADAMA CONDE – Balafon
BORIS CAICEDO – Timbales, shaker, bongo, chekeré, cloche, claves
WOZ KALI – Vocal (04)
HERVÉ MORISOT – Guitare (08)
A Hawk and A Hacksaw comenzó en 2000 en la pequeña ciudad de Saumur,
Francia. Inicialmente, un vehículo solo para el baterista del Hotel
Neutral Milk Jeremy Barnes, el ímpetu principal del proyecto fue
enfocarse en las áreas grises en las fronteras de la música y la
geografía. El primer álbum fue lanzado en 2002 por Cloud Recordings.
Barnes conoció a la violinista Heather Trost en 2004 y la banda se
convirtió en un dúo. Desde entonces, la pareja ha lanzado seis álbumes y
realizado giras por todo el mundo. Han aprendido y colaborado con
algunos de los grandes.
En los últimos años, la banda se ha centrado en la grabación,
componiendo la banda sonora de un exitoso programa de televisión albanés
llamado Skanderbeg y el videojuego Forest of Sleep. Recientemente
también completaron una partitura para un nuevo corto del aclamado
cineasta Peter Strickland (Berberian Sound Studio, The Duke of
Burgundy). También fueron presentados, junto con Bartók y Ligeti, para
una noche de música de arte de Europa del Este en el Queen Elizabeth
Hall en Londres. La Orquesta de Conciertos de la BBC interpretó las
composiciones originales y los arreglos populares de AHAAH junto con la
banda.
Forest Bathing, el nuevo álbum, presenta diez composiciones originales.
El Persian Santur, un antiguo tipo de dulcimer golpeado con palos, y
ejecutado por Barnes, es un componente que se combina con el violín de
Trost, que se eleva y se sumerge. El dúo toca casi todos los
instrumentos, pero tiene algunos maravillosos músicos invitados en
algunos temas: el clarinetista turco Cüneyt Sepetçi, el maestro húngaro
Cimbalom Unger Balász, el trompetista de Chicago Sam Johnson, quien a
menudo gira con el grupo, el guitarrista de Deerhoof John Dieterich y el
bajista de Nuevo México. Noah Martinez de la banda Lone Piñon.
A1 Alexandria 4:56
A2 A Broken Road Lined With Poplar Trees 3:16
A3 A Song For Old People, A Song For Young People 3:05
A4 The Shepherd Dogs Are Calling
Clarinet – Cüneyt SepetçiTenor Saxophone – Chris Ogden (2)3:41
A5 Night Sneaker
Cimbalom – Unger Balász*Double Bass – Noah Martinez1:38
B6 The Magic Spring
Guitar – John Dieterich3:07
B7 The Sky Is Blue, The Desert Is Yellow 4:22
B8 Babayaga
Cimbalom – Unger Balász*Double Bass – Noah Martinez1:48
B9 The Washing Bear
Clarinet – Cüneyt Sepetçi2:19
B10 Bayati Maqam
Clarinet – Cüneyt Sepetçi5:26
José Adelino Barceló de Carvalho (nacido el 5 de septiembre de 1942 en Kipiri, Angola), mejor conocido como Bonga , es un cantante y compositor de folk y samba de Angola
José Adelino Barceló de Carvalho nació en la provincia de Bengo , y dejó Angola cuando tenía 23 años para convertirse en atleta , convirtiéndose en el récord portugués de los 400 metros (Angola era en ese momento una de las cinco colonias africanas de Portugal ). Él ya había comenzado su carrera de cantante a la edad de 15 años.
Carvalho abandonó el atletismo en 1972, concentrándose únicamente en su música, e inmediatamente se hizo famoso en su natal Angola, así como también en Portugal . Después de la Revolución de los claveles en abril de 1974, se convertiría en un éxito tanto para los inmigrantes de las antiguas colonias portuguesas como para los portugueses de origen africano y europeo.
Ha lanzado más de 30 álbumes, cantando en portugués y en idiomas angoleños tradicionales. Sus pistas son una mezcla de sonidos populares portugueses, semba , kizomba y elementos latinos .
https://en.wikipedia.org/wiki/Bonga_(musician)
La leyenda ghanesa Ebo Taylor regresa con quizás su mejor álbum hasta la fecha. Pero no tome nuestra palabra para eso. Eso viene directamente del hombre mismo. Y él debería saber después de más de 60 años en el negocio.
Escucha a Yen Ara y no solo escucharás las influencias afrobeat, sweet highlife, jazz y konkoma de alta energía por las que es famoso. También hay un pulso disco y un fuerte percusión en las pistas, producido por Justin Adams (Tinariwen, Rachid Taha, Robert Plant) y grabado en la sala de Electric Monkey Studio en Amsterdam. Un Ebo Taylor para estos tiempos, se podría decir.
Su grupo, SaltPod City Band, son todos músicos locales escogidos que presentan a dos de sus hijos. Una alineación adecuada en un álbum cuyos títulos significan "nosotros". Y están en buena forma, rasgando pistas como 'Krumandey' (un iniciador de la fiesta seguro) y 'Mind Your Own Business' (un mensaje simple entregado sobre un frenético ritmo de batería). Por otra parte, 'Aboa Kyirbin' complacerá a los fanáticos de los afrobeat grooves, mientras que Taylor podría estar incitando disturbios en su próximo concierto con 'Mumudey Mumudey', lo escuchamos llamar para 'preshaaah' y nos lleva a una llamada y respuesta como el la trompeta nos lleva más arriba. Y la elevación de esos cuernos en 'Ankoma'm' evoca algunos de sus mejores trabajos como 'Love & Death' y 'Come Along', este último grabado con los Pelikans y presentado en una reciente reedición Mr Bongo.
1. Poverty No Good /
2. Mumudey Mumudey /
3. Krumandey /
4. Aboa Kyirbin /
5. Mind Your Own Business /
6. Ankoma'm /
7. Abenkwan Puchaa /
8. Yen Ara /
9. Aba Yaa
La Barcelona Gipsy Balkan Orchestra (BGKO), una consolidada formación internacional de músicos con base en Barcelona, ha captado el interés de audiencias y programadores por toda Europa con sus genuinas reinterpretaciones de la música tradicional de los Balcanes, Oriente medio y el Mediterráneo. Ahora se presenta su cuarto disco, Avo Kanto, la continuación del viaje sonoro iniciado dos años atrás con Del Ebro al Danubio (Satélite K). Avo Kanto significa "las canciones de los abuelos" en esperanto, la única lengua capaz de expresar y dar voz a la diversidad de este grupo compuesto por miembros de procedencia tan diversa. Cada una de las canciones del disco está inspirada en los conciertos, lugares, personas, músicos y momentos que siguen enamorando el grupo cada día: temas tradicionales interpretados lo largo del tiempo, generación tras generación, que guardan en su interior el poder de evocar los sentimientos más profundos del ser humano. Además de los nueve temas que componen el disco, se incluye el bonus track "Lule lule", añadido al disco tras la insistencia del público. La canción, grabada en 2015, se ha remasterizado para la ocasión y es, junto con "Djeli Djeli", una de las señas de identidad del grupo.
Strut presents the new album from the modern day leader of Afrobeat, Seun Kuti. The youngest son of Afrobeat legend Fela Anikulapo Kuti is as incensed by injustice as his father ever was and, with his mighty new album Black Times including features from Carlos Santana and Robert Glasper, he honours the revolutionaries who have gone before and rallies the torch-bearers to come.
Black Times is the fourth album by Seun and Egypt 80, the extraordinary dance orchestra created by Fela Kuti as a conduit for the common people. Inherited by the 14-year- old Seun in 1997, the younger Kuti has been building to this, his most accomplished and honest album yet. “Black Times is a true reflection of my political and social beliefs,” says the singer, bandleader and musician, 34. “It is an album for anybody who believes in change and understands the duty we have to rise up and come together. The elites always try to divide the working class and the poor people of the world. The same oppression felt by workers in Flint, Michigan is felt by workers in Lagos and Johannesburg.” https://seunkutiegypt80.bandcamp.com/album/black-times
1 - Last Revolutionary 2 - Black Times ft Carlos Santana 3 - Corporate Public Control Department (CPCD) 4 - Kuku Kee Me 5 - Bad Man Lighter 6 - African Dreams 7 - Struggle Sounds 8 - Theory of Goat And Yam
Genticorum ( / dʒ ɒ n t ː r ʌ m / john-tee-cuh- RUM ) es un popular trío musical quebequés tradicional con sede en Montreal, Quebec , Canadá. Los miembros son Pascal Gemme ( violín y voz), Yann Falquet (guitarra, arpa de mandíbula y voz) y Nicholas Williams ( flauta de madera , acordeón), en sustitución de Alexandre de Grosbois-Garand ( flauta de madera , bajo y voz). Cada miembro adicionalmente proporciona percusión por obstrucción . La banda se formó en el otoño de 2000, y desde 2011, han lanzado cuatro álbumes en Roues Et Archets, un sello discográfico independiente .
Genticorum fusiona la composición moderna y los elementos del folk clásico y la música celta . Sus partituras son originales, en gran medida basadas en el repertorio de violines de Gemme, mientras que sus letras son a menudo tradicionales.
https://en.wikipedia.org/wiki/Genticorum
1
La Ligue du Vieux Poêle / La Grondeuse Opossum
4:07
2
La Bibournoise
4:37
3
Le Vingt d'Avril
4:40
4
Le Brandy Culotté
5:54
5
Le Moine Blanc
4:03
6
Hommage à André Alain / La Gigue à Pierre Chartrand
7:44
7
Les Remon
4:42
8
J'y vas mon train
4:17
9
Pinson et Cendrouille
4:05
10
Valse Beaulieu
4:10
11
Les Culottes de v'lour
5:15
12
Le Pommeau
4:18
Cuando
Tal National alcanzó la aclamación internacional con el 'Kaani' de
2013, el primer lanzamiento de la banda fuera de Níger, pasaron más de
una década atravesando su país natal, generalmente en caminos de tierra a
través del Sahara, tocando sets épicos de cinco horas, siete días a la
semana, vendiendo sus CD en las esquinas y rotondas.
En el proceso, se convirtieron en la banda más popular de Níger, con
canciones constantemente criticadas en la televisión nacional y
teléfonos celulares en todas partes.
Tras el lanzamiento de 'Kaani' de FatCat, el público y los críticos
occidentales rápidamente adoptaron el sonido singular y finamente
afinado de la banda. NPR fue golpeado por "la rigidez de la banda y la energía ardiente"; The Guardian elogió "su enfoque de inclinación total e intensidad hipnótica";
mientras que Songlines escribió sobre "un sonido rico e híbrido que se
basa en elementos familiares del oeste de África para crear algo
gratificantemente fresco y diferente".
FatCat lanzó la deslumbrante continuación, 'Zoy Zoy', el 13 de abril de
2015, una vez más con gran aclamación crítica, con gritos de Pitchfork,
Uncut, Afropop Worldwide, FADER, The Quietus y una portada en fRoots.
Con cada amontonamiento de elogios, todos parecían hacer eco de la
evaluación de NPR de que "¡No hay forma de que no bailes con este!".
Preparándose para su tercer álbum para FatCat, Tal National rememora un
período fértil en el que perfeccionó su sonido y recorrió los EE. UU.
Varias veces, dejando al público sudado y aturdido una y otra vez.
Han establecido sets increíbles en WOMAD y Roskilde, trayendo la misma
intensidad y júbilo al festival como lo harían con un club abarrotado,
convirtiendo al wallflower más acérrimo en un bailarín por la noche. En su esencia, esa es la intención de Tal National, hacer bailar a la gente.
Con el nuevo álbum 'Tantabara' (con vencimiento en febrero de 2018) la
banda continúa su búsqueda en curso para traducir esa energía a cinta,
embotellando la fiesta para uso personal. Níger tiene fronteras con Nigeria, Malí y Ghana.
Dentro de esta antigua colonia francesa se encuentran poblaciones
Songhai, Fulani, Hausa y Tuareg, todas ellas representadas en la
membresía de Tal National. Como tal, la nación disfruta de una mezcla muy variada de culturas y etnias, todas ricamente impregnadas de música. No es extraño a las músicas highlife, kora y afrobeat, mientras le da al mundo Tuareg Blues y una marca única de hip-hop.
En la música de Tal National se escuchan los ritmos ondulantes de 12/8
en la percusión fuji de Hausa, la aridez pensativa de la assouf de
Tuareg y la exquisita guitarra griot de Songhai de Mali, todo ello
entregado con precisión virtuosa y energía implacable.
Después de incluir a 'Kaani' en sus mejores 10 álbumes de 2013, The New
York Times escribió que "la música sigue adelante con una sorpresa tras
otra: partes de la guitarra que se alinean, divergen y reconfiguran,
tocando la batería que rebota en ritmos poco convencionales. Los patrones son nítidos, complejos e incansables ".
Los tres álbumes de FatCat fueron grabados en Niamey, la capital de
Níger, por el productor / ingeniero residente en Chicago Jamie Carter,
usando una plataforma de grabación remota en un polvoriento estudio
improvisado (para 'Kaani', Carter recibió tres serias descargas
eléctricas).
Uno de los países más pobres del mundo, Níger no tiene estudios de
grabación, tiendas de instrumentos de música o tiendas de discos
adecuados. El baterista hace sus propios palos. A pesar de esto, o tal vez por eso, Tal National prospera en un país agotado de recursos pero repleto de música y ritmo.
Sus canciones son intensas pero sofisticadas, combinando números
originales con nuevos arreglos de canciones populares de África
Occidental, que tratan temas de amor, tolerancia, paz, belleza femenina y
la expresión de la danza física de la mujer basada en los ritmos
africanos tradicionales.
La banda habla francés, pero usan la expresión estadounidense "muy rock
and roll" muy en serio, lo que implica su conciencia de que las
guitarras fuertes y la complejidad rítmica desconcertante los separa de
sus pares del oeste de África.
Un oyente atento podría captar las ideas de producción de una mente
occidental nutrida en el indie-rock que Carter no pudo evitar sugerir.
Usando como espina dorsal el sonido que respira Tal National:
electricidad pura e increíble virtuosidad tejiendo una red de melodía y
ritmo, la pulpa del álbum es una respuesta a la creciente estatura de
Tal National en casa en Níger y su exposición a audiencias en otras
partes de el mundo.
En el escenario, Tal National se presenta con seis músicos, pero debido
a su riguroso programa de actuaciones puede incluir hasta trece
miembros en cualquier momento.
En los espectáculos, los músicos cambian regularmente de lugar a mitad
de camino a través de las canciones (incluida la increíble vista de
percusionistas intercambiando sin perder el ritmo). Algunas noches la banda puede dividirse para tocar dos conciertos simultáneamente.
Cuando Imarhan lanzó su álbum debut homónimo en 2016, entraron en un género ya inundado de talento y exposición, pero aun así lograron ascender a la cima y ser anunciados como la "nueva ola de la música Tuareg" por Fact Magazine y The Guardian. . Es con mucha anticipación que la banda de Tamanrasset, Argelia, ha anunciado los detalles de su segundo álbum, Temet, que saldrá el 26 de febrero en City Slang.
Temet es un gran salto en la producción, así como también creativo para Imarhan. Mientras que su debut estuvo anclado en la meditativa tradición del Desierto del Blues, Temet eclipsa tales nociones, encontrando rebote y manejando al mezclar su sonido con funk, fuzz, disco y rock. Este no es un concepto novedoso para la banda, ya que cualquiera que los haya visto tocar dará fe. Hay una disparidad entre su primer álbum emocional y reflexivo y el espectáculo en vivo estridente y extático. Y aunque Temet es decididamente más ecléctico, la sabiduría estética y la visión singular de su debut permanecen en plena exhibición. La experiencia de Imarhan como banda de gira ha reforzado el enfoque y el significado detrás de su música. En lugar de atravesar el desierto, estos viajeros nómadas se han globalizado para reflexionar sobre las luchas de hoy. "Temet" en Tamashek significa "conexiones" e Imarhan lo usa como un despertador enérgico ... más
créditos
lanzado el 23 de febrero de 2018
Imarhan son Iyad Moussa Ben Abderahmane, Abdelkader Ourzig, Tahar Khaldi, Hicham Bouhasse, Haiballah Akhamouk, Eyadou Ag Leche
Cinco de los principales acordeonistas europeos se juntaron para grabar un álbum y una gira combinando sus talentos.Te
es un festival de acordeón lleno de actuaciones virtuosas,
interacciones fascinantes y un trabajo de conjunto magistralmente
sincronizado.
Las influencias musicales van desde
las tradicionales tradiciones vascas, irlandesas, italianas, finlandesas
y españolas de música folklórica hasta el jazz y más allá.
Los cinco artistas de Samurai Accordion incluyen a David Munnelly (Irlanda) en acordeón diatónico;Riccardo Tesi (Italia) en organetto diatonico;Simone Bottasso (Italia) en organetto y electrónica;Kepa Junkera (España) sobre trikitixa y percusión;y Markku Lepistö (Finlandia) en kolmerivinen haitari.
"Omutibo", un estilo de guitarra acústica exclusivamente keniata, fue inventado por George Mukabi a finales de la década de 1950, y rápidamente adaptado por sus vecinos en una región que demostró ser verdaderamente fértil para los guitarristas. En 2016, Cyrus Moussavi (Raw Music International) se estableció a lo largo de las orillas del río Yala para documentar las canciones de los viejos tiempos. Grabados en locaciones y patios, estas son las canciones e historias de una era de oro de Kenia al borde de la Independencia, bellamente resucitada por los propios compositores, más de 50 años después. Con presentaciones y entrevistas de: Johnstone Ouko Mukabi, Shem Tube, Fanuel Amimo, Jimmy Bongo, Sukuma Bin Ongaro, Peter Akwabi, Zachariah Omufumbwa, Omari Machio y Johanias Kiunya.
1.
Jimmy Bongo - Lumumba Is Dead 02:30
2.
Omari Machio - Usiende Ukalale (Don't Sleep) 01:46
3.
Johnstone Ouko Mukabi - Nili Kwenda Safari (I Went For A Journey) 03:16
4.
Zachariah Omufumbwa - Ndogo Ndogo (Small Ladies) 05:17
5.
Fanuel Amimo - Ndeshela Omwana (Leave The Child With Me) 02:57
6.
Jimmy Bongo - Mulochi (The Curser) 03:43
7.
Fanuel Amimo - Dickson Omuranda 04:11
8.
Johnstone Ouko Mukabi - Kwetu George (I, George) 02:48
9.
Shem Tupe - Adui (Enemy) 05:33
10.
Zachariah Omufumbwa - Ndarula Ebutsetse (I Left Ebutsetse) 05:08
11.
Sukuma Bin Ongaro - Mama Lucy 06:01
12.
Johnstone Ouko Mukabi - Kwetu George 02:48
13.
Peter Akwabi - Malenya 02:58
14.
Johanias Kiunya - Mungu Nisaidie (God Help Me) 07:45
Son ocho los títulos grabados en estudio por Roberto Fonseca y, a estas alturas, cuando el último, ABUC, inició su rodaje en 2016, resulta poco discutible la primacía de este pianista y multiinstrumentista en la música de jazz que se hace ahora en Cuba. ABUC (2016), que no es otra cosa que "Cuba" al revés, viene a ser un disco de verdadera celebración de la música cubana ya que Fonseca ha incluido buena parte de las músicas más populares de la isla: desde el bolero al jazz, el mambo, el chachachá y la contradanza, un estilo que llegó a Cuba a finales del siglo XVIII con influencias francesas a través de Haití.
Roberto Fonseca se dió a conocer al mundo de la mano y la voz de Ibrahím Ferrer, con el que participó en el proyecto Buena Vista Social Club en 2001. Tal era la admiración que sentía Roberto por Ibrahím, que llegó incluso a producir el disco póstumo de éste, Mi sueño. Esta relación encuentra prolongación natural en el fervor que también sentía Roberto por el pianista Rubén González.
Ambos artistas ilustraron a Roberto en la creación del temario de Zamazu, su verdadero debut discográfico a nivel internacional. Una monumental grabación, realizada en 2007, que reunió a más de 20 artistas y que consiguió fusionar elementos integrados de sus diversas influencias: afrocubana, jazz, música clásica y música tradicional cubana. Entre las y los músicos que figuran en esta diversa y ambiciosa grabación están Omara Portuondo, Javier Zalba, Carlinhos Brown, Vicente Amigo, Ramsés "Dynamite" Rodríguez y muchos otros. Tras la publicación de Zamazu, Fonseca tuvo la oportunidad de presentar un intenso repertorio en algunos de los festivales más prestigiosos del mundo frente a audiencias hechizadas.
ABUC es el título de su nuevo álbum bajo el sello impulse!, también espectacular. Aunando ritmos pícaros con contundentes vientos, entretejidos de referencias, recuerdos y contrastes, ABUC es un caleidoscopio donde Roberto narra una historia: el grandioso y rico compendio de la música cubana, de ayer a hoy.
01. Cubano Chant
02. Afro Mambo
03. Tumbao de La Unidad
04. Contradanza del Espíritu
05. Tierra Santa
06. Sagrado Corazón
07. Family
08. Tierra Santa Santiago de Cuba
09. Habanera
10. Soul Guardians
11. Asere Monina Bonco
12. Después
13. Velas y Flores
14. Cubano Chant (Piano Solo)
El guitarrista y compositor Derek Gripper ha forjado una impresionante carrera fusionando la música clásica con las tradiciones populares africanas. Libraries on Fire (2016) es el segundo trabajo que dedica a versionear temas de los grandes maestros africanos de la kora.
En su disco One Night on Earth (2012) adapta la compleja música de la kora para guitarra clásica solista. Sus transposiciones de obras de Toumani Diabaté, Ali Farka Touré y otros maestros han tenido una acogida espectacular. Incluso la leyenda de la música John Williams dijo que pensaba que era "absolutamente imposible… hasta que escuché a Derek Gripper hacerlo", y el propio Toumani quedó tan impresionado que invitó al guitarrista a colaborar con él en Malí.
Este segundo álbum, Libraries on Fire, fue grabado en una tarde por Simon Ratcliff en el Sound and Motion Studios de Ciudad del Cabo, y en él Derek Gripper interpreta otras nueve piezas de kora, seis de ellas del repertorio de Toumani Diabaté.
Los resultados son, una vez más, espectaculares, tanto en términos de brillantez técnica y como en musicalidad. También agrega composiciones de Ballaké Sissoko (de At Peace, 2012) y Amadou Bansang Jobarteh (miembro de la gran dinastía de la kora de Gambia) a su proyecto, para crear un repertorio africano para la guitarra clásica, siendo tremendamente instructivo deleitarse en sus tomas junto con las versiones originales de kora. "Lampedusa", por ejemplo, se escuchó por primera vez en el álbum de 2014 Toumani & Sidiki, y suena de manera como si Gripper no se perdiera ni una sola nota, a pesar de las seis cuerdas de su guitarra con las que juega frente a las 42 que resultan de las dos koras de Toumani & Sidiki Diabaté. Impresionantemente maravilloso.
Kwaito es un género incrustado en la sangre y los huesos de los amantes de la música sudafricanos. Tomando su inspiración de los ritmos de la cámara lenta, el kwaito se
convirtió en el sonido de una generación y una innovación musical bien
recibida después del régimen del apartheid.
El género no solo ayudó a unificar a una nación, sino que también dio
lugar a su propia expresión física en la forma de la danza "Pantsula".20 años después, kwaito y Pantsula se han convertido en una especie de arte perdido. Pero su resurgimiento ha entusiasmado a muchos fanáticos de la música
dance, y 2017 parece ser el año del auge de la cultura sudafricana de la
música de baile.
¡Las 12 pistas seleccionadas para Pantsula! provienen de un tiempo y lugar muy únicos, muy diferentes. Representan
el nacimiento de la música dance electrónica en Sudáfrica, a través de
las canciones de un sello independiente particular de la época: Music
Team. El sonido representa la culminación de la era del bubblegum, cuando
los artistas disco de Sudáfrica superaron sus influencias
estadounidenses y forjaron un sonido pop cada vez más electrónico y
"local".
Evolucionando
en el tiempo desde mucho antes de los 80, la subcultura distintivamente
sudafricana de Pantsula está más cercanamente asociada con una actitud,
un estilo y un baile característico, más que con un sonido específico. A
finales de la década de 1980 y principios de la de 1990, Pantsula fue
también el nombre dado a un nuevo tipo de música de baile tomando las
calles de Sudáfrica, influenciado por el chicle anterior y el
surgimiento de Shangaan Disco, pero con un atractivo mucho más amplio y
más difícil, sonido puramente electrónico
01. The Equals - New Lover 02. Jazino - Ushelakanjani 03. Jivaro - What Next 04. S.Y.B - Jika Magogo 05. Scotch Band - Watsotasama 06. Kakappa - Sisonke 07. Spirro - Ma Hero (Dub Mix) 08. The Hard Workers - Ayoba-yo 09. Ayobayo Band - Sorry Bra 10. Rush feat. Linda Ziqubu - Sobohla Manyosi 11. Chaka - Via Tembisa 12. La Viva - Go Siami
Creo que sería labor de los Ministerios de Cultura de cada país difundir la cultura musical y facilitar su acceso sin cortapisas.
Naturalmente queda a criterio de cada cual que,una vez escuchado, pueda adquirirlo en su tiend habitual, supuesto válido sólo para un reducido número de discos, ya que muchos de ellos no están en los circuitos comerciales convencionales y acceder a su compra en algunos casos será harto difícil cuando no imposible. En esta página no hay finalidad económica alguna. Única y exclusivamente el deseo de ayudar a que disfrutes con algo tan maravilloso como es la música.
Mi gratitud a los autores que nos hacen disfrutar de sus creaciones y también a todos aquellos que permiten que llegue a nosotros, facilitando que podamos ampliar nuestra cultura y sensibilidad, constituyendose así en un extraordinario regalo.
Geoffrey Gurrumul Yunupingu (Galiwin'ku, Elcho Island, Australia, 22 de enero 1971-Tiwi, Darwin, Territorio del Norte; 25 de julio d...
La Música
La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso. La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido. La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
