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lunes, 3 de julio de 2017

CATHERINE RIBEIRO + ALPES - Le Rat Debile et L'Homme des Champs (1974 /PHILIPS)

De padres portugueses, Catherine Ribeiro es una de las musas de la chanson francaise. En los 60 combina su carrera como cantante folk (varios singles), con la de actriz (aparece entre otras, en "Les Carabiniers", de Jean-Luc Godard). Su inquietante y gélida belleza recuerda a otra misteriosa valquiria, la alemana Nico.


En 1969 forma la banda 2Bis  con Patrice Moullet, músico experimental, psicodélico e inventor de instrumentos de curiosas sonoridades como el percuphone, cosmophone, the omi. ....Al poco tiempo cambian el nombre a Catherine Ribeiro + Alpes.  Fuerte activista política de izquierdas, sus textos son combinados con música mágica y extraña, ideada por Moullet. En 1974 editan su quinto disco, "Le Rat Debile et L'Homme des Champs". Acompañados por Moullet en guitarras, percuphone y cosmophone, y la voz de Ribeiro, tenemos a Daniel Motron (órgano, teclados), Gerald Renard (bajo, percuphone), Denis Cohen (percusión,  timbales) y Jean-Jacques Leurion (orgolia).

Comienza la obra con "La Petite Fille  aux fraises " (5'07), con sonidos rítmicos de parecidos con un secuenciador estilo Tangerine Dream, presumo que efectuados por los inventos de Patrice Moullet. Musicalmente guarda una "similitud desquiciada" con Sliver Apples. La voz de la Ribeiro se muestra angustiada y desafiante. Como la misma música, exquisita, por otra parte.

"L'Ere de la Putrefaction" (se referían a ésta? ) es una suite en cuatro movimientos, como bien definen ellos, de 13 mts. El órgano es casi catedralicio, no es de extrañar que gustarán de tocar en iglesias por su particular sonoridad. De ser alemanes, estaríamos hablando de kraut rock de primer nivel. El bajo forma la columna vertebral rítmica, por encima de un serpenteante órgano,  apoyado por guitarra rítmica  (no suele haber guitarra solista), y la voz acongojante de la Ribeiro. Concienciando al mundo de las catástrofes ecológicas que están por venir. Éste es uno de los primeros discos que tratan esta temática. Si hubiera cantado en "Irrlicht" de Klaus Schulze, el resultado sería parecido. Sigue el bajo con su pulsación tímbrica casi secuencial e hipnótica.  La pieza se desarrolla por ambientes oscuros y depresivos, pero tan bellos e inquietantes como su cantante (la cual tuvo por esos días un intento de suicidio).

"Un regard clar  (obscur) (4'50) ofrece en los teclados una tregua de esperanza y (casi) optimismo.


En la segunda cara nos encontramos con una única pieza, "Poeme non epique (suite)" (25'23) , en concierto de seis movimientos. Los extraños sonidos, entre percusivos y secuenciales procedentes de los cacharros de Moullet, se mezclan con órgano y teclados, expresando música electrónica progresiva de primer orden. De hecho, la suite está compuesta por el teclista Daniel Motron y el propio Patrice Moullet. Sirviendo de fondo para las desesperaciones, reflexiones y amargues varios de la magnética cantante. 

Música de rasgo intrínseco,  personal, absolutamente propia. No es de extrañar que junto a Magma, hayan sido considerados los combos más originales de Francia. Otros grandísimos músicos pasarán por Alpes, como el violinista David Rose, la percusionista Mireille Bauer o el teclista Patrice Lemoine (éstos dos últimos luego en Gong).

Un total de nueve álbumes del 69 al 80 son el sólido testamento de ésta increíble formación. 
Si no los has descubierto todavía,  ya tardas.
J.J. IGLESIAS



Temas
1. La Petite Fille Aux Fraises (0:00)
2. L'ère De La Putréfaction - Concerto Alpin En 4 Mouvements (5:10)
3. Un Regard Clair (Obscur) (18:11)
4. Poème Non Epique (Suite) - Concerto Alpin En 6 Mouvements (23:00)





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domingo, 2 de julio de 2017

TOAD - Open Fire, Live in Basel 1972

Este grupo suizo ya ha pasado dos veces por nuestras páginas. En la primera ocasión analizamos su primer disco, "Toad", y en la segunda nuestro colaborador Christian Jiménez hizo lo propio con el "Tomorrow Blue". Hoy volveremos a recordarlos en su actuación en Basel en 1972.


La banda se forma en 1970 después de abandonar  Vittorio  Vergeat su fugaz aventura con los Hawkwind. Junto con Vic encontramos a  Werner Fröhlich en el bajo y Cosimo Lampis en la batería. Posteriormente se les uniría  Benjamin  Jaeger para editar su primer disco, "Toad", en 1971, con la intervención del productor Martin Birch.  En el 72 y ya como trío editan, "Tomorrow Blue", llegando dos años más tarde su tercer LP, "Dreams".  Durante algunos años la banda estuvo desaparecida debido a los intentos de Vergeat por consolidar su carrera en solitario. Por fin en 1986 vuelve a reaparecer en un concierto en Suiza y editan en 1993, "Stop This Crime", con André Buser como bajista. El grupo se rompió definitivamente en 1995.


Estamos ante la actuación de los Toad en el St. Joseh de Basel el 22 de abril de 1972, durante la gira de presentación de su segundo disco, "Tomorrow Blue". La música del grupo es netamente  rock blues hard rockero al estilo de unos Cream. Su guitarrista, Vic Vergeat, despliega toda su artillería desde el primer tema, "Tomorrow Blue", más de 14 minutos de pirotecnia guitarrera donde incluso le hacen un guiño al "Bolero" de Jeff Beck. ""Thoughts" donde el ambiente de "power trío" sigue presente. Nos tomamos un respiro con "Blues", un blues al estilo Vergeat. Un pequeño solo del batería de Cosimo Lampis llega en "Pig's Walk". Para finalizar dos temas del maestro Hendrix, "Red House" y "Who Knows". El sonido es bastante aceptable.
J.C. Miñana





Temas
Tomorrow Blue 14:51
Thoughts 6:57
Blues 5:42
Pig's Walk 4:43
Red House 7:42
Who Knows 11:33





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sábado, 1 de julio de 2017

NUMEN (rock progresivo español)

En mas de una ocasión he comentado mis orígenes maños (nací  en Zaragoza). Por motivos laborales hace 17 años fije mi residencia en Alicante, una ciudad que desde el primer momento me conquisto. Sus gentes, su calidad de vida, sus playas y ese clima privilegiado que me hace olvidar el frío y el calor extremo de la capital aragonesa. Hace algunos años oí la música de un grupo alicantino que practicaba rock progresivo, algo inaudito por estas tierras mas propias de otros géneros musicales mas comerciales. La banda en cuestión es Numen con más de 25 años de historia, haciendo buena música y luchando por sobrevivir.


Los orígenes de la banda se remontan a 1992 cuando cuatro estudiantes que se conocían de la Universidad deciden montar la banda. Víctor Arques (voces y bajo), Manuel Mas (teclados), Antonio Valiente (guitarra) y Gaspar Martínez (batería). Durante algún tiempo se mueven realizando conciertos por la provincia e intentando salir adelante. La experiencia les dice que necesitan un cantante y en 1996 se incorpora  César Alcaraz.


En 1997 entran en los estudios de grabación y en junio de 1998 presentan, "Samsara". El disco contiene nueve temas de excelente rock progresivo. Sus sonoridades son cercanas a IQ y a Marilion, sobre todo por el tratamiento de las guitarras a lo Steve Rothery. Recibe buenas críticas y se distribuye en diversos catálogos del género por el resto del mundo.



En 2000 la banda se toma un respiro para que sus miembros puedan desarrollar algunos proyectos personales. Once años después vuelven a la carga con nuevas ilusiones fruto de las cuales en 2014 editan su segundo trabajo, "Numenclature".



En este trabajo demuestran una gran madurez musical. Personalmente su instrumentación me suena a la última etapa de Pink Floyd, con guitarras relajadas llenas de lirismo y un excelente trabajo de su teclista Manuel Mas. En cuanto a la parte vocal creo que ha evolucionado hacía sonoridades a lo Dream Theater.  Temas destacados sin duda "Cold and Grey" y "Out of the Earth". Una obra que todo buen amante del género debería tener en su colección.

Como complemento al disco la banda en colaboración con  Alejandro Moreno ha editado un DVD, "Numenclature. Un viaje en progresivo", donde explica lo que es para ellos el progresivo y algunas de sus vivencias en el mundo musical".



En 2015 Antonio Valiente (guitarra) abandona la banda siendo sustituido por Marcos Bevià.



Contacto:

Página Oficial: http://www.numenmusic.com/




P.D. III: Cualquier banda que esté interesada en aparecer en  esta sección puede ponerse en contacto con nosotros  : rockliquias@hotmail.com

Imprescindible realizar una música con referencias al rock de los 70

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viernes, 30 de junio de 2017

ZYMA (Alemania) (Canterbury Ways)

Otra banda alemana para variar. Fundada en 1972 por iniciativa del teclista Günter Hornung, un veterano músico nacido en 1938 y experto al parecer en big-bands onda jazz-rock clásico. En 1974 se une a la flautista, violinista y cantante Dorle Ferber con estudios clásicos que le van a dar al grupo su peculiar forma de identidad. 



Dorle es una especie de Annie Haslam de Renaissance haciendo jazz-rock con ramalazos zeuhl y tintes folk. Original mezcla especialmente excitante porque la señora en cuestión tiene una voz prodigiosa y en cuanto a su ejecución en violín y flauta está al mismo nivel. Los ingredientes de Canterbury y el perfume inglés queda bien patente en sus dos únicos trabajos editados y fue una pena porque se trata de un combo prometedor en su momento y que podría haberse codeado con los grandes de la época sin ningún problema. Hablamos de muy buenos músicos. 


El trabajo del piano y del Fender Rhodes es magnífico y la paleta instrumental del resto del grupo es generosa en variedad de teclados, guitarra, bajos, vientos, instrumentos de cuerda y una variada sección percusiva de batería, vibes, marimba etc. 



Temas
Thoughts 8:19
Businessman 12:33
One Way Street 8:04
We Got Time 3:43
Wasting Time 9:39


El inicio de la primera pieza “Thoughts” de su primer álbum parece un cruze imposible entre Magma y Renaissance que deriva hacia un jazz-folk curioso mientras avanzas, que le da su toque pintoresco y especial. Hay toques vanguardistas extraños a veces salpicados de trenes rítmicos de sintetizador y violín a la Camel-Caravan muy prog setentas tendiendo a la fusión.  Su primer LP “Thoughts” se publicó en 1978 y al año siguiente lo haría “Brave New World”. 




Temas
1. Brave New World (0:00)
2. Sundays (4:38)
3. Lunch Time (10:59)
4. Sunday Fever (13:06)
5. Transit (18:46)
6. Colours (23:18)
7. A Nice Way To Say Hello (31:46)

Justo al borde del abismo de todo lo progresivo. Sacar sendos álbumes con esta calidad en esos años precedentes al desastre, era de valientes y claro la cosa estaba clara, ahora o nunca. No hubo un tercero y se evitaron las críticas de los columnistas bobalicones y superficiales del momento ochentero, que lo habrían masacrado sin piedad y sin talento.



 Yo los definiría como unos Soft Machine-Caravan  “sinfonizados” y con ligerísimos toques Fairport Convention- Renaissance para desengrasar un poco. Todo se cuela de vez en cuando y la música en si misma se enriquece de ello. Dos discos de jazz-rock-sinfónico originales y sugestivos que merece la pena tener (en vinilo mejor en caso que los encuentres). Esta clase de entonces es la que falta hoy, y por muy rápido que toquen los chavales de hoy día, esa magia del pasado les viene grande. Algo falla me temo.
Alberto Torró









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jueves, 29 de junio de 2017

THE TANGENT - A Place In The Queue (2006)

Es curioso observar la forma a veces tan antagónica que tiene la gente al escuchar y valorar la música. Es conocido el dicho de que “sobre gustos no hay nada escrito” y es un tema recurrente cuando nos juntamos los amigos metidos de lleno en este particular mundo,  el sacar a colación las diferentes sensibilidades al calificar una obra o una grabación que no siempre ejerce el mismo impacto en cada persona. Esto es lógico y normal y naturalmente los más veteranos en este mundillo, nos jactamos con exceso de vanidad a veces- todo hay que decirlo- en distinguir  y clasificar a la primera, lo que es buena o mala música, la pedantería es deleznable y ridícula,  así que no estamos del todo libres de la duda y el error y de vez en cuando, nos viene bien un baño de humildad, que por otra parte es sinónimo de experiencia y madurez. Esto viene a colación con este tercer trabajo de The Tangent. Leo en las críticas de Prog Archives por ejemplo, con calificaciones que van de 5 estrellas y absoluta obra maestra, a calificaciones de una sola estrella y cagada absoluta. No puede ser me pregunto. Es cuestión de ignorancia?  (la mayoría de las veces sí) pero también los más fanáticos se dejan (nos dejamos) llevar en ocasiones por el entusiasmo… ¿sin tiempo de reflexionar a fondo?...quien sabe. La música te dice algo o no te dice absolutamente nada. Hasta ahí puedo llegar y es la clave de la cuestión.


En general este disco es alabado como uno de los más importantes de principios del siglo que nos toca aguantar, pero también tiene muchas críticas en contra. Recordad el “Tales from…” de Yes y la polémica que generó. Andy Tillison ha colocado en 78 mts de CD dos enormes suites: “In Earnest” con diez secciones en 20 mtos para iniciar el trabajo y la homónima  “A Place In The Queue” de 25 mtos con ocho subdivisiones al respecto. Algún gracioso parafraseando a Woody Allen diría “todo lo que querías saber del progresivo pero temías preguntar”. Los Flower Kings hicieron algo parecido con el ya antológico “Stardust We Are”.





No obstante sin ser mi Tangent favorito hay que reconocer que la currada que lleva este disco es tremenda y no valen un par de escuchas antes de meter la pata. Este no es tan directo y emotivo como el anterior trabajo y hay que infiltrarse entre recovecos para degustar el caviar. 

En medio de las dos épicas piezas que encuadran como una muralla el disco, hay diferentes vidas dentro de la “ciudad” sonora. “Lost In London” vuelve a los Caravan-Hatfields más ligeros y despreocupados en un placentero viaje de 8 mtos.

 La saltarina “GPS Culture” nos recuerda al Tony Banks y al Wakeman más alegres. 

“Follow Your Leaders” tiene ese toque tan variado con mezcla de estilos y un aire groove-jazz -rock-soul completamente agitado con un bajo del Jonas Reingold  tremendo y un hammond desatado. Roine Stolt ya no está en este disco y Tillison vuela por libre. El cambio del guitarrista por un tal Krister Jonsson no baja enteros y otro ex Flower como el chileno Jaime Salazar se ocupa de las baquetas. 

“The Sun Of My Eyes” desentona completamente aunque podemos tomarlo como una broma del sonido black disco o Philadelphia.  Esto contrasta con el monstruoso  final épico y en ese inicio me viene a la memoria ese Crimson-Starless mellotrón incluido aunque exento del drama-Fripp, pero sin quitarle solemnidad y bonita melodía. La voz de Tillison es de las que tienes que acostumbrarte. No es una voz lírica ni preciosista y tiene sus asperezas pero que acabas aceptando como parte del sonido Tangent. Los vientos de Travis y el piano de Baine siguen dando esa especial clase y calidad al asunto y el nuevo guitarrista da alguna que otra sorpresa. Los cambios a partir de los siguientes minutos van a tensar la pieza hasta que la rítmica se anima y nos metemos de lleno en jazz-funky-prog-rock con nervio y teclas a discreción. Aquí las influencias parten como fuegos artificiales hacia múltiples destellos sin apenas descanso.



 En la edición especial hubo un segundo bonus-disc con recortes y retazos sobrantes realmente no muy destacable. Con todo quizás el álbum en general no sea de cinco estrellas por algunos detalles discutibles, pero sinceramente no entiendo a las mentes que se lo cargan a la baja. Salvo a los que por norma tienen un odio irracional y generacional al prog, y que desde luego son legión.  En ese caso es completamente lógico. El disco sí o sí merece la pena ser disfrutado .
Alberto Torró







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miércoles, 28 de junio de 2017

SEA LEVEL - Sea Level (1977 / CAPRICORN)

Este año  está siendo una maldición para la familia Allman. A comienzos del mismo nos dejaba Butch Trucks. Hace unos días Gregg Allman. Y ahora Jimmy Nalls, guitarrista en la spin-off band, Sea Level.



Tensiones y mal rollito en los mediados 70 entre Gregg y Dickey, generaron que Lamar Williams (bajo), Jai Johanny Johanson (batería ) y Chuck Leavell (teclados), se montaran la banda "de recreo" We Three. Con el fin de descargar nervios de la banda madre. Su claro líder era Chuck Leavell, así que cambiaron el nombre del grupo por un evidente guiño fonético a él mismo (C.Leavell = Sea Level). Para redondear la banda, llaman a Jimmy Nalls, guitar prodigio del sur, y fichan sin esfuerzo con Capricorn. El estilo de Sea Level es fácil de describir.

Coges el instrumental "Jessica" del "Brothers and Sisters", y lo desarrollas con pinceladas funk, jazz y Southern. Total, que nos sale una jam band a considerar seriamente.

Telonean a la Allman Brothers Band del 75 al 76 (haciendo doblete tres de sus miembros). Tras la primera disolución de la Allman en 1976, Sea Level se solidifica y siguen adelante. En 1977 editan su homónimo debut de ocho temas, cinco de los cuales son de Chuck Leavell. Más tres versiones de Edward R. Haerner, Neil Larsen y Paul Simon. 



Y el cuarteto, déjenme decirlo, es una gozada. Grabado en el Capricorn Sound Studio de Macon, Georgia, esto tenía que salir bien sí o sí.  Stewart Levine es el productor, pero estos cuatro gatos no necesitan muchos consejos para cocinar buena mierda (me tiene pillado "Breaking Bad", sorry ).

"Rain in Spain" (6'35) toma sabor mediterráneo al igual que "Jessica-sound". Jimmy Nalls es un guitarrista parecido a Dickey Betts, quizá menos country  y más jazzy,  pero igual de competente. Los ritmos hierven,  y el piano de Leavell casi tira hacia Chick Corea. Básicamente, aquí tenemos a Larry Carlton en sureño.

Para "Shake a Leg" (4'02) aparece una sección de viento made in New Orleans. Canta solista Leavell y corean Williams y Nalls. El piano y su forma de tocarlo nos da pista clara hacia Dr. John. La eléctrica entra en combustión espontánea y no me extraña, en tan tórrido ambiente. El fader nos hace la puñeta,  porque esto es material para jam monstruosa en vivo. 

"Tidal Wave" (5'43) es el auténtico sonido Sea Level. Instrumental jazz rock sureño con referencias Allman y su "Elizabeth Reed", ritmos que son puro chilli + jalapeño, y pugna macarra entre teclas-guitarra de elegancia como corresponde a unos caballeros del sur. Maravilloso condimento.

De nuevo tenemos a la horn-section para un corte de Southern rock excelente en "Country Fool" (3'40). Aunque con los vientos me recuerdan más a Wet Willie, una de mis bandas sureñas favoritas.



Para inaugurar la segunda cara está el corte más extenso, "Nothing Matters but the Fever" (7'23). La influencia Allman podría ser evitable en estos perros viejos, pero la hacen inevitable a sabiendas. El cadencioso ritmo del sur hace que extrañe los lamentos blueseros del tío Gregg. Leavell suple el Hammond con su característico piano, y Nalls brilla hasta deslumbrar.

"Grand Larceny" (5'25)  hizo volver la cabeza de todo el mundo hacia Sea Level, en un temazo digno de la banda madre. Que el cuarteto borda con calidad superlativa. Un instrumental 10.

El "Scarborough Fair" (5'33) de Paul Simon es llevado a su terreno con habilidad, aunque me corroe la duda de si no seria un relleno de última hora. Lo convierten en un digno standard jazz de perfecta ejecución. 

Finalmente  "Just a good  feeling" (3'04) es un instru-southern -funk que está entre Stevie Wonder y las pelis blaxploitaiton tipo "Cleopatra Jones" o "Foxy Brown".

Un eufórico álbum levanta-boinas con mucho que masticar, pero que se digiere a las mil maravillas.



Para su siguiente "Cats  on the Coast" se convirtieron en septeto,  demostrando que estaban aqui para quedarse. Y la cosa no pararía hasta 1981. En total cinco álbumes aconsejables (quizá el último "Ball Room" acuse demasiado el cansancio), que hicieron de Sea Level una recordada formación. Sugiero acercarse a youtube y ver el vídeo en b/n de los archivos de Bill Graham con un concierto de la banda. En estado de gracia, oiga.

Chuck Leavell se fue de gira con Clapton y posteriormente como "miembro fijo" de los Stones. Y Jimmy Nalls nunca dejó de tocar, hasta que el jodido Parkinson le obligó a ello. Una gran pérdida. 
J.J. IGLESIAS






Temas
Rain In Spain 6:38
Shake A Leg 4:02
Tidal Wave 5:43
Country Fool 3:40
Nothing Matters But The Fever 7:23
Grand Larceny 5:25
Scarborough Fair 5:33
Just A Good Feeling 3:04





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martes, 27 de junio de 2017

Bwana - Bwana 1972

En alguna ocasión hemos comentado lo que supuso la llegada de Carlos Santana y sus ritmos latinos al mundo del rock. Uno de los rasgos más característicos de este tipo de música lo constituían las percusiones  y los percusionistas como Chepito Areas que participó en media docena de discos de Carlos. Hoy hablaremos de unos compatriotas suyos los nicaragüenses Bwana.


La banda tuvo un recorrido muy corto de apenas dos años. En 1970 el guitarrista Roberto Martínez junto al percusionista Jaime Vanegas forman el grupo. Tras dos años de actuaciones por su país consiguen firmar con la CBS y grabar en Costa Rica su único legado, "Bwana". En ese momento el grupo estaba formado por Roberto Martínez (guitarra, voz), Roman Cerpas (Bajo, Percusión, Voz ) Salvador Fernandez ( Tumbas, Bongos, Percusión) ,Ricardo Palma ( órgano, Guitarra, Voz, Piano ), Donaldo Mantilla ( Batería, Timbales, Percusión) y Danilo Amador ( órgano). El catastrófico terremoto de 1972 dio al traste con las esperanzas de estos magníficos músicos.


Los Bwana nos ofrecen  todos los ingredientes para cocinar un excelente rock latino. Por una parte tenemos a su guitarrista Roberto Martínez fiel seguidor de la enseñanzas del gurú Carlos Santana. En los teclados Danilo Amador demuestra con su destreza en el uso del Hammond a lo Gregg Rolie en "Abraxas" que podía estar en cualquiera de los primeros discos del guitaristas de Jalisco. Por último las percusiones de Salvador Fernandez y Donaldo Mantilla emulan perfectamente las que hubiera ejecutado un tal Chepito Areas. Puestos en faena los dos primeros temas instrumentales, "Tema de Bwana" y "La Patada", nos recargan las pilas totalmente. En el tercer tema ,"La Jurumba", se ponen a cantar recordándonos el "Oye como va". Por cierto La Jarumba es una forma de nombrar a la policía. El resto de los temas siguen la misma tónica. Abstenerse los alérgicos a las percusiones, aviso.



Temas
A1 Tema De Bwana 00:00
A2 La Patuda 08:02
A3 La Jurumba 12:05
A4 Chapumbambe 15:25
B1 Motemba 20:31
B2 Todo Es Real 28:00
B3 Lolita 32:40



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