Le free jazz (ou New Thing) est une approche du jazz qui se développe tout d'abord dans les années 1950 et 60. Bien que la musique créée par les pionniers du free jazz (Eric Dolphy, Albert Ayler, Cecil Taylor) présente des caractéristiques très diverses, tous présentaient la particularité d'être insatisfait des limites qu'établissait le bebop, le hardbop ou le jazz modal, développés dans les années années 1940 et années 1950. Chacun à sa manière, les musiciens de free jazz ont tenté d'altérer, d'étendre ou de rompre les conventions du jazz, bien souvent en se défaussant des caractéristiques jusqu'ici immuables tels que l'allégeance au tempo et les changements d'accords préalablement fixés. Communément considéré comme expérimental et d'avant-garde, le free jazz peut également être vu comme une tentative de retour aux racines du jazz, notamment la dimension religieuse et l'improvisation collective.

Le mouvement free jazz est généralement associé aux innovations qu'ont apportées Ornette Coleman et Cecil Taylor dans les années 50, ainsi que la production tardive de John Coltrane. Sont également inclus dans les pionniers du free jazz Charles Mingus, Eric Dolphy, Albert Ayler, Archie Shepp, Joe Maneri et Sun Ra. De nombreux albums de free jazz des années 60 notamment sont sortis sous le label ESP Disk.

[modifier] Historique

La première trace phonographique d'une forme d'improvisation libre est l'enregistrement de deux albums de Lennie Tristano pour Capitol en 1949, Intuition and Digression. Ces enregistrements n'auront toutefois pas d'influence directe sur le mouvement free jazz à proprement parler.

La musique de Charles Mingus va aussi dans la direction du free, particulièrement avec ses albums Pithecanthropus Erectus (1956), The Clown, etTijuana Moods (1957), dans lesquels il emploie une technique qui consistait à fredonner les thèmes à ses musiciens, et les laisser déformer la mélodie à leur guise.

Au milieu des années 50, le saxophoniste Jackie McLean explore un concept qu'il appelle « The Big Room », où les règles strictes du bebop pouvaient être assouplies, ou abandonnées, selon la volonté du musicien.

La date de naissance du free est plutôt considérée comme étant les années 1959/1960, avec les albums d'Ornette Coleman Something Else! (1959), Tomorrow is the Question (1959), ainsi que les deux premiers albums de Cecil Taylor (Jazz Advance et Looking Ahead). Ces albums contiennent encore une structure semblable à celle du bebop et du hardbop. Le tournant décisif fut le déménagement d'Ornette Coleman à New York, et sa signature chez Atlantic Records, où il enregistra les albums The Shape of Jazz to Come et Change of the Century qui marquèrent une rupture importante avec ses travaux précédents. Il reste encore une trace de la structure thème-improvisation-thème, mais la grille a disparu, les harmonies ne sont plus reconnaissables, et les improvisations ne sont en conséquence plus limitées par la structure de la grille harmonique. Lorsqu'Ornette Coleman intitule un disque de 1960 Free Jazz: A Collective Improvisation, où un double quartet improvise simultanément, le nom du disque devient celui du mouvement.

Des personnalités musicales comme Eric Dolphy, à travers ses solos exubérants, John Coltrane, Chico Hamilton, ou Albert Ayler, qui développe un son de saxophone ténor écorché vif au vibrato extrêmement prononcé, contribuent aussi au développement du son du free jazz.

D'autres musiciens plus marginaux ont aussi participé au développement du free jazz :

• La musique de Sun Ra peut aussi être catégorisée en tant que free jazz, en particulier ses travaux des années 60, motivés par une démarche ésotérique assez complexe, et en dépit du fait que Sun Ra a répété que sa musique était écrite.
• Le trio de Jimmy Giuffre, avec Paul Bley et Steve Swallow, qui reçut très peu d'attention durant la période où il fut en activité (1960-62), mais qui est désormais reconnu comme l'une des formations les plus innovantes du free.

L'apogée du free jazz est certainement les années 1960, mais des musiciens comme David S. Ware, Matthew Shipp, Peter Brötzmann, Charles Gayle et Joe Morris continuent de jouer ce que l'on appelle du free. Des musiciens comme James Blood Ulmer, Sonny Sharrock, Ronald Shannon Jackson ont développé des styles combinant des éléments du free jazz et du jazz fusion.

[modifier] Définition

Habituellement, cette musique est jouée par de petits groupes de musiciens. Certains critiques de l'époque croyaient que l'abandon des éléments familiers du jazz était dû à un manque de technique de la part des musiciens^{[réf. nécessaire]}. Ce point de vue est devenu marginal et cette musique a pu se construire une forte tradition. Elle reste toutefois moins populaire que d'autres formes de jazz.

Le free jazz utilise les bases du jazz mais avec une composition moins structurée que les styles précédents. L'improvisation, par exemple, y tient une grande place, le free jazz étant d'ailleurs un des principaux « inspirateurs » du genre improvisation libre. Cependant, le free jazz est beaucoup plus facile à caractériser par la comparaison, par ses différences avec les autres formes de jazz, sortes de tiroirs pratiques dans lesquels on range des genres très différents, tels que le ragtime des débuts, le swing, le be-bop, le jazz fusion, ou encore des styles plus récents tels que l'ethno-jazz, que par une définition nette.

Ces autres formes de jazz ont des tempos puissants, sur des rythmes métriques, habituellement en 4/4, ou parfois en 3/4. Le free jazz maintient normalement un rythme de base, mais sans mètre régulier, avec accélérations et baisses subites, comme la houle marine. Il arrive souvent que les musiciens d'un même orchestre jouent sur des tempos différents.

Ce genre de musique a influencé des artistes aussi importants et divers que Miles Davis, Tim Buckley ou encore Frank Zappa à un moment de leur parcours musical.

[modifier] Un mouvement de revendication

Le free jazz voulut être aussi une libération culturelle profonde pour les Noirs américains, en rompant radicalement avec les schémas de la musique occidentale (musique tonale et rythme en binaire ou en ternaire). De la même manière que le bebop était une réaction à la popularité du swing, le free émerge comme pour contrer l'intérêt grandissant des blancs envers le soul jazz et autres musiques des années cinquante.

Cette idée peut se voir dans les approches des musiciens eux-mêmes, par exemple avec le disque d'Ornette Coleman, This is Our Music (1960). Le développement du bebop et du free jazz prennent des directions où la musique est plus intellectualisée, moins dansable, et moins commerciale. Des ensembles comme l'Art Ensemble of Chicago, la tête de pont de l’Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), et Sun Ra, font de l'identité noire une partie intégrante de leur personnalité en tant que musicien, de manière beaucoup plus visible que les générations précédentes. Il n'existait toutefois pas de ségrégation raciale entre musiciens. Le contrebassiste (blanc) Charlie Haden était membre du quartet d'Ornette Coleman dès ses débuts. L'Art Ensemble of Chicago a également donné une série de spectacles, et a même enregistré un disque (Comme à la radio), avec Brigitte Fontaine.

Plus qu'aucun autre courant du jazz, le free sera l'occasion de revendications sociales des musiciens noirs. En 1965, Archie Shepp disait:

« Nous sommes tous convaincus que les formes de la musique de jazz doivent être développées afin de coïncider avec un contexte artistique, social, culturel et économique entièrement nouveau… »

Max Roach le dit aussi clairement:

« … C'est pourquoi la volonté d'utiliser nos efforts artistiques comme tremplins pour exprimer nos revendications humaines, sociales et politiques est très naturelle. »

Cette revendication de leur identité passe en partie par un retour aux sources de la musique noire, à travers le blues, la prééminence de la percussion, l'introduction de la polyrythmie, l'utilisation d'instruments de manière « africanisante »…

[modifier] Les fruits du free jazz

Après l'explosion du free jazz par les musiciens cités plus hauts, certains musiciens européens tels que Fred Frith, Derek Bailey et Cornelius Cardew s'approprièrent la démarche du free consistant à mettre en avant l'improvisation tout en rejetant ce que cette improvisation pourrait comporter comme éléments de langage renvoyant à un style musical connu. C'est un peu le parricide des musiciens européens envers les États-Unis, puisant leur inspiration dans des musiques plus « blanches » telles que le kraut rock et la musique contemporaine. Cette musique, évoluant sous le simple nom de Musique improvisée, prit une grande importance au sein de la recherche musicale contemporaine et musicologique. Quand ce mouvement atteignit à son tour les États-Unis, la musique improvisée retrouva une partie de sa couleur jazz (et notamment free jazz) tout en conservant des éléments d'improvisation pure sans aucune codification. Des musiciens comme John Zorn, Tim Berne, Thomas Chapin, Zeena Parkins ou Ikue Mori relancèrent le mouvement « free » sans pour autant qu'il soit qualifié ainsi, plus connu désormais sous le nom d'avant-jazz ou musique d'avant-garde.

[modifier] Bibliographie

• Guillaume Belhomme, Way Ahead, Marseille, Le mot et le reste, 2011.
• Philippe Carles & Jean-Louis Comolli, Free jazz / Black power, Folio, Gallimard, 2000. (1ère édition en 1971 aux éditions Champ libre)
• Vincent Cotro, Chants libres : le free jazz en France 1960-1975, Paris, Outre Mesure, 2000.
• Phil Freeman, New York Is Now! : The New Wave Of Free Jazz, New York, The Telegraph Company, 2001.
• Ekkehard Jost, Free jazz : Une étude critique et stylistique du jazz des années 1960, Paris, Outre Mesure, 2002.
• Jean-Pierre Moussaron, Feu le free ? et autres écrits sur le jazz, Paris, Belin, 1990.
• Alexandre Pierrepont, Le Champ jazzistique, Marseille, Parenthèses, 2002.
• Jedediah Sklower, Free jazz, la catastrophe féconde. Une histoire du monde éclaté du jazz en France (1960-1982), L'Harmattan, 2006.
• David G. Such, Avant-Garde Jazz Musicians: Performing "Out There", Iowa, University Of Iowa Press, 1993.

[modifier] Références

• (en) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en anglais intitulé « Free jazz » (voir la liste des auteurs)

• Portail du jazz

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Free est un mot anglais signifiant à la fois libre et gratuit. Il est utilisé notamment :

[modifier] Internet

• Free est une marque qui apparaît dans le nom de différentes sociétés du groupe Iliad : Free SAS (fournisseur d'accès à Internet), Free Infrastructure SAS, Free Mobile SAS (opérateur de téléphonie Mobile), Free fréquences SAS, Freebox SAS) qui commercialisent des offres sous cette marque.

[modifier] Musique

[modifier] Groupe

• Free : groupe de rock britannique
  • Free : album du groupe de rock de même nom

[modifier] Courant musical

• Free jazz : style de musique dérivé du jazz qui se développe dans les années 1950 et 60
• Free rock : courant musical d'inspiration rock incorporant des éléments empruntés au free jazz

[modifier] Chanson, album

• Free : chanson de Stevie Wonder
• Free as a Bird : chanson des Beatles
• Free Fallin' : chanson de Tom Petty enregistrée en 1989
• Free : album de la chanteuse Dana International
• Free Bird : chanson de Lynyrd Skynyrd
• Free : chanson de Switchfoot de l'album Hello Hurricane (2009)

[modifier] Patronyme

• Lloyd Free (né Lloyd Bernard Free) : ancien joueur américain de basket-ball de NBA (né en 1953)
• Suga Free : rappeur américain originaire de Californie (né en 1970)

[modifier] Sigle

• FREE, en Suisse : la « Fédération Romande d'Églises Évangéliques »
• FREE, en jeu vidéo : concept de « Fully Reactive Eyes Entertainemnt » (voir Shenmue)

[modifier] Voir aussi

[modifier] Informatique

• free () : une instruction, dans certains langages de programmation, comme le C, permettant de désallouer de la mémoire (par exemple après un malloc)
• free : une commande UNIX et GNU/Linux
• Free software (en français, logiciel libre) : logiciel que chacun est libre d'étudier, de modifier ou d'adapter à sa convenance
• Freeware (en français, gratuiciel) : logiciel utilisable gratuitement
• Free (tm) : Premier fournisseur d'accès français à avoir développé le concept de la "box".

[modifier] Divers

• Free:Est un personnage du manga Soul Eater
• Free: The Future of a Radical Price est un livre de Chris Anderson
• Duty free : boutique hors taxe, c'est-à-dire n'appliquant pas les différentes taxes de son pays aux produits qu'elle vend
• Freebase 
• Free Money : film américain avec Marlon Brando et Charlie Sheen (1997)
• I'm Free 

Pour les articles homonymes, voir Jazz (homonymie) et Jazz (danse).

Jazz

Origines stylistiques	Ragtime danse traditionnelle Blues Marche Musique européenne
Origines culturelles	La Nouvelle-Orléans États-Unis Fin des années 1910
Instruments typiques	Saxophone Trompette Trombone Clarinette Piano Contrebasse Guitare Basse Batterie Guitare Guitare électrique Chant
Popularité	Très populaire aux États-unis et en Europe des années 1920 aux années 1950
Scènes régionales	Dans le monde entier, principalement en Amérique du Nord, au Japon et en Europe.

Sous-genres

Ragtime - Nouvelle-Orléans - swing - mainstream - bebop - cool jazz - hard bop - jazz modal - free jazz - soul jazz - jazz-rock fusion - acid jazz - Chicago jazz - jazz manouche - smooth jazz - latin jazz - nu jazz

Le jazz est un genre de musique né aux États-Unis au début du XX^e siècle. Issu du croisement du blues, du ragtime et de la musique européenne, le jazz est une forme musicale afro-américaine. Tout au long du XX^e siècle, il a acquis une large popularité au-delà des frontières des États-Unis. Le jazz est une musique métisse qui réunit cultures africaines et cultures occidentales.

[modifier] Étymologie du mot Jazz

Au-delà de la difficulté à définir précisément la musique qu'il désigne, l'origine du mot jazz est sujette à controverses. Les hypothèses avancées quant aux origines de ce nom sont multiples et aucune ne semble faire l'unanimité. Le mot jazz pourrait être dérivé :

• du terme français jaser (discuter, palabrer)^[1], en référence aux rythmes et aux mots phrasé ;
• du nom de musiciens (comme Chaz Washington) ;
• de l'argot avec des connotations sexuelles (jizz) ou qui indiquent l'énergie ou la force ;
• du jasmin que l'industrie cosmétique française avait utilisé dans ses parfums, qui étaient vendus à Nouvelle-Orléans (une théorie de Garvin Bushell) ;
• d'une déformation du chassé ou chasse-beau, figure du cakewalk (danse du gâteau, à la mode au XIX^e siècle) ;
• des racines africaines comme le mot bantou jaja (« danser », « jouer de la musique »), sur le terme africain jasi (« être excité ») ;
• Jaiza (« son lointain des percussions »). La dernière appellation viendrait de certaines tribus indonésiennes qui appelaient "jaze baqti" une musique rythmée.

Le nom donné aux jazzmen^[2] vient du surnom donné à ceux qui fréquentaient les prostituées de La Nouvelle-Orléans, dont l'habitude était de se parfumer au jasmin, dont ils exhalaient l'odeur après les ébats^[3].

Les recherches de Gerald Cohen indiquent que le mot apparaît pour la première fois sous la plume de E. T. « Scoop » Gleeson dans le San Francisco bulletin en mars 1913. La plupart des historiens penchent cependant sur le fait que ce mot est apparu pour la première fois dans le Chicago Herald du 1er mai 1916^[4] Il appartient au jargon du baseball pour désigner l'énergie d'un joueur. Le mot aurait été employé pour qualifier la musique du groupe d'Art Hickman qui jouait dans le camp d'entraînement des San Francisco Seals. Le groupe endossa l'adjectif lors de ses engagements à New York en 1914 et le terme se répandit progressivement jusqu'à Chicago avant de revenir en Nouvelle-Orléans sous la forme d'une lettre de Freddie Keppard à King Oliver qui le popularisera dès 1917 avec son protégé Louis Armstrong.

En raison de ses connotations scabreuses, le terme était diversement apprécié des musiciens (Duke Ellington en particulier préférait l'appellation « Negro music »). Durant les années 1930 et 1940, de nombreuses alternatives ont été proposées telles que ragtonia, syncopep, crewcut, Amerimusic, ou encore jarb, sans grand succès. La diffusion du mot « jazz » (bien que sous sa forme Jass) est largement associée à son apparition sur le premier enregistrement du style, en mars 1917 par l'Original Dixieland Jass Band.

[modifier] Histoire

Sidney Bechet

Gauche à droite, 1^erang- Cab Calloway, Benny Carter, Jimmie Lunceford, Ben Webster, 2° rang Louis Armstrong, Art Tatum, Count Basie, Duke Ellington 3° rang, Roy Eldridge, Coleman Hawkins, Fats Waller, Lester Young 4°rang Django Reinhardt, Lionel Hampton, Earl Hines, Billie Holiday

Miles Davis

Ornette Coleman, figure du free jazz

Le jazz est né aux États-Unis au début du XX^e siècle, d'un mélange de musiques élaborées par les Noirs américains. Ses ancêtres sont les work songs, chants de travail des esclaves africains et les chants religieux, negro spirituals et gospel, chantés dans les églises lors des cérémonies religieuses. Au début du XX^e siècle, le blues se développe dans le Delta du Mississippi et est largement diffusé à partir de 1920 avec entre autres le premier enregistrement de Mamie Smith.

Parallèlement, le ragtime apparaît, style de piano incarné par Scott Joplin, musique syncopée influencée par la musique classique occidentale. Dans les années 1920, le stride se développe à Harlem. Héritier du ragtime, le stride introduit l'utilisation d'une pulsation ternaire, et la virtuosité des musiciens augmente, comme par exemple chez James P. Johnson. Le boogie-woogie se développe à la même époque à Chicago.

C'est à la Nouvelle-Orléans que l'on fait en général naître le jazz, avec les formations orchestrales des « brass bands », mélange de marches militaires revisitées par les noirs américains et les créoles, qui privilégie l'expression collective. Le premier enregistrement de jazz voit le jour en mars 1917 par l'Original Dixieland Jass Band. Autoproclamé inventeur du jazz, Jelly Roll Morton est en effet un passeur entre ragtime et jazz, mais ce sont Kid Ory, Sydney Bechet et surtout Louis Armstrong qui s'imposent comme les grands solistes des formations Nouvelle-Orléans caractérisées par l'improvisation collective sur le schéma instrumental trompette, trombone, clarinette.

Considéré comme l'âge d'or du jazz, apparu vers les années 1930, le swing (ou middle jazz) se démarque du jazz Nouvelle-Orléans par un orchestre de plus grande taille sur le modèle des trois sections de trompettes, trombones et anches qui privilégie les solistes prenant des chorus intégrés dans des arrangements écrits au détriment de l'improvisation collective. C'est l'ère des big bands de Duke Ellington, Count Basie, Glenn Miller, Benny Goodman, avec un répertoire marqué par les compositions de George Gershwin, Cole Porter, Richard Rodgers etc. et les chansons de variété de Tin Pan Alley, qui forment l'ossature des standards de jazz. Les grands solistes de cette époque sont Coleman Hawkins, Roy Eldridge, Benny Carter, Johnny Hodges, Ben Webster, Art Tatum, et Lester Young.

Au début des années 1940 naît le bebop. Tempos ultra rapides, petites formations, virtuosité époustouflante, innovations harmoniques et rythmiques, la rupture est brutale et emmenée par Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Kenny Clarke, Thelonious Monk. L'intellectualisation du jazz par le bebop ne sera pas toujours bien perçue par le public et certains critiques, notamment Hugues Panassié en France sera particulièrement virulent contre cette nouvelle forme de jazz.

Vers les années 1950 apparaissent des évolutions au bebop, comme le cool et le hard bop. Le cool et le jazz West Coast regroupent des évolutions du bop moins marquées par le rythme, et généralement faites par des blancs. Les four Brothers de Jimmy Giuffre, les innovations de Lennie Tristano et la collaboration entre Miles Davis et Gil Evans sont généralement regroupées sous cette bannière. Au contraire, le hard bop est plutôt un mouvement noir, visant à ré-introduire plus de soul et de blues dans le bop, et pour qui l'aspect rythmique est prédominant. Art Blakey, Horace Silver ou Sonny Rollins y participent. D'autres personnalités inclassables émergent : Bill Evans, Charles Mingus, Oscar Peterson…

À la fin des années 1950, les structures harmoniques et l'improvisation sont portées à leurs limites par John Coltrane. Emmenés par Coltrane et Ornette Coleman les musiciens bouleversent la structure musicale et les techniques instrumentales. La grille harmonique, le rythme régulier, et même le thème sont supprimés, au profit d'improvisations collectives, la prédominance de l'énergie, et l'utilisation de techniques non conventionnelles (suraigus, growl, cris, slaps, « sons sales », voire bruitistes), c'est la naissance du free jazz. Les réactions des critiques à cette nouvelle forme de jazz sont féroces, et le public beaucoup moins nombreux à suivre cette musique nouvelle.

Dès les années 1960 et surtout 1970, s'amorcent des mouvements de fusion entre le jazz et d'autres courants musicaux, le jazz et la musique latine donnent le latin jazz, mais c'est surtout la fusion entre le jazz et le rock, le jazz-rock, qui remporte l'adhésion du public. Les grandes figures en sont Miles Davis, Frank Zappa ou encore le groupe Weather Report. Au même moment, la création de la maison de disques ECM à Munich participe à la création et à la diffusion d'un jazz plus « européen », aux sonorités plus feutrées et subtiles, inspiré par la musique classique, la musique contemporaine et les musiques du monde. Jan Garbarek, John Surman, Louis Sclavis, Kenny Wheeler en sont quelques représentants.

[modifier] Les caractères clés du jazz

Le jazz est un mélange de courants musicaux très divers. Au cours de son évolution, il a su intégrer de nombreuses influences et se prêter à de nombreux métissages, comme le blues, le rock, la musique latine, le hard rock, et ainsi de suite.

Du point de vue de la technique musicale, sa richesse et sa complexité sont aujourd'hui telles qu'il est difficile de décrire précisément ce qui le caractérise. Le jazz comprend une grande variété de sous-types, comme traditionnel, be-bop, fusion, free-jazz, etc.

D'après Travis Jackson, le jazz peut être défini d'une façon plus « ouverte », en disant que le jazz (soit qu'on parle de swing, fusion, ou latin-jazz) est une musique qui inclut souvent des qualités comme le swing, l'improvisation, l'interaction en groupe, le développement d'une voix individuelle comme artiste, et qui est ouverte aux diverses possibilités musicales^[5].

Les éléments distinctifs suivants se retrouvent dans la majorité des styles de jazz :

• swing : c'est une division du temps ternaire dans laquelle 2 croches se jouent noire-croche dans un triolet, division du temps 2/3-1/3, le fameux « chabada », donnant ainsi un rythme entraînant spécifique au jazz ;
• l'accentuation des temps faibles (l'inverse de la musique classique) ;
• l'abondance de syncopes et contretemps ;
• improvisation : un processus par lequel le musicien de jazz crée ou produit une œuvre musicale spontanée en se servant de sa créativité dans l'instant et de son savoir technique et théorique des divers styles de jazz ;
• utilisation du chiffrage pour cadrer l'improvisation (basse continue moderne) ;
• l'interaction en groupe ;
• le développement d'une voix individuelle comme artiste (sonorité et phrasé) : les musiciens de jazz sont souvent à la recherche de l'expression musicale individuelle, innovatrice et créative ;
• ouverture aux diverses possibilités musicales ;
• standard de jazz : les morceaux bien connus, pour la plupart issus des comédies musicales de Broadway, qui ont acquis une certaine notoriété via ces films, qui font l'objet de nombreuses reprises et sont joués lors des jam sessions (p. ex., All of Me, Autumn Leaves, Mack the Knife, Summertime, etc.) ;
• la substitution d'un accord par un accord similaire dont la fondamentale se situe au triton ;
• abondance d'emprunts à d'autres tons, modes ;
• hybride tonal - modal.

[modifier] Principaux artistes de jazz

[modifier] Compositeurs

Voir la catégorie compositeur de jazz.

[modifier] Musiciens

Voir la catégorie musicien de jazz, la liste des musiciens de jazz, la liste des musiciens de jazz par instrument et la liste des musiciens de jazz par style.

[modifier] Chanteuses

Voir la catégorie chanteuse de jazz.

[modifier] Chanteurs

Voir la catégorie chanteur de jazz.

[modifier] Formations

Voir la Liste des formations de Jazz et la catégorie groupe de jazz.

[modifier] Courants du jazz

Voir la catégorie Courant du jazz.

[modifier] Les lieux mythiques du jazz

Le Village Vanguard

International :

• À New York :
  • Le Village Vanguard : situé à Manhattan, ce lieu est un des « temples » du genre. Les plus grands artistes s'y sont produits, John Coltrane, Miles Davis, Bill Evans, etc. Il a été créé en 1935.
  • Le Village Gate : situé non loin du Vanguard dans Greenwich Village à New York.
  • Le Fillmore East : bien qu'étant dédiée au Rock, cette salle du East Village à New York fut témoin de la révolution électrique du jazz, impulsée par Miles Davis à la fin des années 1960. Elle a cessé son activité en 1971.
  • Le Blue Note : ce club, dont le nom fait référence à la note bleue, n'a aucun lien avec le label Blue Note. The Blue Note est une chaîne commerciale de clubs de jazz avec restaurant, dont le plus célèbre se situe à Greenwich Village (New York) à l'intersection de la 4^e rue et la 6^e Avenue.
  • Le Birdland : inspiré du surnom de Charlie Parker, Bird, ce club créé en 1949 l'accueillait régulièrement sur Broadway à New-York.

• Autres villes :
  • Le Ronnie Scott's : probablement le club de jazz le plus célèbre de Londres.

À Paris :

• Les clubs d'antan : le Blue Note, le Caveau de la Montagne, le Chat qui pêche, le Caméléon, le Riverboat, le Bidule, Le Blues Jazz Muséum, Le Gill's Club, le Riverbop, Le Petit Opportun, Le Living Room, Magnetic Terrasse, le Bilboquet, Le Totem, Le Jazz Unité, Le Dreyer, Le Village, Les Sept-Lézards, Le Franc-Pinot, tous hauts-lieux du jazz dans les années 1960.
• Le New Morning.
• Le Caveau de la Huchette, dans le quartier latin (5^e arrondissement), club de jazz traditionnel.
• Le Petit Journal Saint-Michel, Le Petit Journal Montparnasse, le Café Universel.
• Le Jazz Club Lionel Hampton, à l'hôtel Méridien Étoile, porte Maillot.
• Quartier Saint-Germain-des-Prés : ce quartier de la rive gauche parisienne s'est rendu célèbre avec le jazz d'après-guerre, chanté par Boris Vian, et animé par Django Reinhardt ou Art Blakey et ses Jazz Messengers.
• La rue des Lombards (Châtelet/Les halles) concentre plusieurs clubs parmi les plus célèbres : Sunset-Sunside, Le Duc des Lombards, Le Baiser Salé.

Ailleurs en France :

[modifier] Les festivals de Jazz

Le jazz, dans son expression et son esprit d'improvisation, se prête particulièrement bien au concept de festival. Ainsi de nombreux festivals de jazz sont devenus célèbres, tels ceux de San Francisco, Montreux, Montréal, et en France le festival Jazz à Vienne, le festival Jazz à Juan, Jazz in Marciac et beaucoup d’autres.

[modifier] Enseignement du jazz

[modifier] Influence du jazz

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Le Jazz a influencé certains compositeurs de musique classique du XX^e siècle, qui ont emprunté des rythmes et instruments de jazz dans leurs oeuvres. Citons Maurice Ravel et ses Bolero et Concert pour la main gauche, Darius Milhaud et la Création du monde, Francis Poulenc et son Concerto pour deux pianos et orchestre, Dmitri Chostakovitch et sa Suite pour orchestre de jazz, Igor Stravinski et son Ebony concerto, André Jolivet et son Concerto pour trompette. L'intrusion du jazz dans la musique classique a été aussi initiée par des musiciens de jazz, citons Georges Gershwin et sa Rhapsody in blue, ou le compositeur gallois Karl Jenkins avec la Messe de l'Homme Armé.

Cependant, les saxophones, instruments indispensables dans l'orchestre de jazz, s'intègrent très mal dans les orchestres symphoniques à cause de leur timbre riche en harmoniques aiguës, ce qui empêche aux orchestres symphoniques de les considérer comme des membres à part entière ; en effet, dans les orchestres symphoniques, les saxophonistes sont des contractuels. À l'aube du XXIe siècle, cette incursion du jazz dans les œuvres classiques du XXe siècle apparaît davantage comme une expérimentation ou une recherche épisodique d'une certaine couleur ou ambiance, qu'une influence pérenne sur la création classique.

Par son rythme, ses couleurs, l'atmosphère de ses clubs, le jazz est aussi une source d'inspiration pour d'autres artistes, peintres, sculpteurs ou photographes :

• Citons, entre autres, Piet Mondrian qui, dans ses derniers tableaux, essayait de rendre la vivacité du swing et du Boogie-Woogie.
• Henri Matisse a publié en 1947 un livre de gouaches découpées intitulé Jazz. Bien que les dessins ne soient pas à proprement parler liés au jazz (il y est plutôt question de cirque et de théâtre), Matisse se reconnaissait dans la démarche de l'improvisation jazz.
• Nicolas de Staël a peint plusieurs tableaux représentant des jazzmen ou des clubs de jazz.
• Jean-Michel Basquiat, dans sa peinture et sa démarche, est très influencé par le jazz. Il a peint des tableaux en référence à des grands noms du jazz (Charlie Parker, Nat King Cole, Max Roach, Ellington, Lester Young, Monk, Miles Davis...)

Sacha Chimkevitch, auteur notamment de plusieurs affiches de festivals a été salué par Franck Ténot et certains musiciens de jazz, qui disent retrouver leur "swing" dans ses toiles^{[réf. nécessaire]}.

[modifier] Bibliographie

• (fr) Franck Ténot, Dictionnaire du Jazz 1967
• (fr) Lucien Malson, Histoire du jazz, Seuil/Solfèges, 1976, mise à jour en 1994
• (fr) Philippe Carles, André Clergeat et Jean-Louis Comoli, Dictionnaire du Jazz, éditions Robert Laffont
• (fr) Noël Balen, L'odyssée du jazz, Éditions Liana Levi, 2003
• (fr) Franck Bergerot, Le jazz dans tous ses états, Larousse, 2006
• (fr) Alexandre Pierrepont, Le champ jazzistique, Parenthèses, 2002
• (fr) Guillaume Belhomme, Giant Steps, jazz en 100 figures & Way Ahead, jazz en 100 autres figures, Le mot et le reste, 2009/2011
• (fr) André Francis, "Jazz" collection Solfèges-Éditions Du Seuil, 1977, 288 pages,
  fournit une très importante bibliographie sur le jazz; sur des musiciens; en français, en anglais.
• (fr) Jean Jamin et Patrick Williams, Une anthropologie du jazz, Paris, CNRS Éditions, 2010
• (fr) Joachim Ernst Berendt, Le Grand Livre du Jazz, traduction française, aux Éditions Du Rocher-Le Livre de Poche, 636 pages, issue de la traduction américaine de la version originale allemande Das Große Jazzbuch.

Revues:

• Les Cahiers du Jazz, nouvelle série, Paris, Outre Mesure, 2004 à aujourd'hui.
• Volume ! La revue des musiques populaires, Bordeaux, Éditions Mélanie Seteun, 2002 à aujourd'hui.

[modifier] Notes et références

[modifier] Articles connexes

• Terminologie du jazz
• La Maison du Jazz
• Le Lindy Hop, la danse swing
• Les magazines périodiques : Jazz Times, Jazz Hot, Jazz Magazine, Jazzman, Downbeat
• Les radios spécialisées : Jazz Radio, TSF Jazz

• Portail du jazz
• Portail des États-Unis

Ornette Coleman

Ornette Coleman

Données clés

Naissance	9 mars 1930 Fort Worth (Texas)  États-Unis
Genre musical	Jazz, Free jazz
Instruments	Saxophone, Trompette, Violon
Années d'activité	Depuis 1958
Labels	Blue Note, Verve, Columbia...
Site officiel	ornettecoleman.com

Composition du groupe

Entourage	Don Cherry, Ed Blackwell, Charlie Haden ...

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Ornette Coleman est un saxophoniste ténor et alto, trompettiste, violoniste et compositeur, né à Fort Worth (Texas) le 9 mars 1930, précurseur majeur du free jazz.

[modifier] Parcours

À quatorze ans, il étudie le saxophone alto puis, deux ans plus tard, le ténor. Il commence par jouer dans des orchestres de rhythm and blues dans le Sud des États-Unis. Il s'installe à Los Angeles où il est contraint de travailler comme liftier tout en étudiant l'harmonie, la théorie musicale (largement en autodidacte) et en élaborant ce qui deviendra l'essentiel de son style, tant sur le plan harmonique que rythmique (frôlant l'atonalité soutenue par un tempo fluctuant).

L'accueil parmi ses pairs est mitigé, mais déjà il reçoit l'appui de certains d'entre eux. C'est le bassiste Red Mitchell qui le découvre. Il enregistre en 1958 son premier disque pour la firme Contemporary de Lester Koenig (« Something else! The Music Of Ornette Coleman », avec Don Cherry, Walter Norris, Don Payne, Billy Higgins), puis en 1959 « Tomorrow is the question! » (avec un quartet sans piano incluant Don Cherry, Red Mitchell, Shelly Manne)... La même année, il obtient ses premiers engagements dans des clubs de jazz, à Los Angeles, puis New York où il utilise un saxophone alto en plastique.

Déjà il suscite de fortes oppositions, mais continue régulièrement à enregistrer, désormais pour la firme Atlantic, avec Charlie Haden, Billy Higgins, Ed Blackwell, Don Cherry, (« The shape of jazz to come » (1959), « Change of century » (1959), « This is our music » (1959)).

En 1960, l'album « Free Jazz: A Collective Improvisation » sonne comme un manifeste, bien que son auteur ait exprimé plus tard sa gêne devant ce concept. Dans ce disque, improvisé sans préparation par deux quartets (un sur chaque canal stéréo) : Don Cherry et Freddie Hubbard à la trompette, Ornette et Eric Dolphy, Scott LaFaro et Charlie Haden à la contrebasse, Higgins et Ed Blackwell à la batterie. C'est le premier exemple d'improvisation collective dans le jazz d'avant-garde.

En 1962, on le retrouve aussi à la trompette et au violon.

En 1965, il revient sur la scène musicale (après deux ans de relative inactivité), en Europe ou au cinéma (« Chappaqua suite ») souvent avec David Izenzon (b) Charles Moffett (d), puis avec son fils Denardo, batteur dès l'âge de douze ans (1966). Il obtient une certaine reconnaissance (il est couronné « Jazzman of the Year » en 1966 ; puis entre au « Hall of Fame » en 1969 par la revue « Down Beat »).

Ornette Coleman à Ludwigshafen, 2005

En 1972, il développe le concept d'harmolodie (« Skies of America » avec le London Symphony Orchestra, où les musiciens jouent simultanément la même mélodie à différentes hauteurs et dans différentes tonalités), et poursuit une carrière un peu chaotique, enregistrant cependant régulièrement dans de multiples contextes (intégrant musiques traditionnelles, free jazz, rock, funk), mais aussi avec un de ses anciens quartettes (Cherry, Haden, Higgins), avec le guitariste Pat Metheny et avec son groupe électro-acoustique Prime Time.

Gai, primesautier, timide, réservé, provocateur, voire scandaleux, dynamiteur tranquille, habile compositeur, instrumentiste discuté, admirateur de Charlie Parker dont il prolonge mais dynamite le style, même pas artiste maudit pourtant tant il se plaît à vivre dans une relative obscurité, il a longtemps suscité jugements contrastés, polémiques, voire agressions physiques. Son influence est diffuse et contrastée ; le free jazz perdure en partie sur les bases qu'il a énoncées, mais le funk le revendique également comme précurseur, témoignage du vivant paradoxe de son existence et de son art.

Coleman a rarement participé à des albums d'autres musiciens : Jackie McLean en 1967 (album sur lequel Coleman joue de la trompette), Claude Nougaro en 1976 (adaptation du "Gloria" de Don Byas sur l'album Femmes et famines), James Blood Ulmer en 1978, Joe Henry (Scar) en 2001 et Lou Reed en 2003 sont les rares exceptions.

[modifier] Récompenses

• National Endowment for the Arts - NEA Jazz Master : nomination et récompensé en qualité de Jazz Master en 1984^[1] (N.B. : la plus prestigieuse récompense de la nation américaine en matière de jazz).

[modifier] Discographie personnelle

• 1958 : Something Else : The Music of Ornette Coleman (Contemporary/OJC)
• 1959 : Tomorrow Is The Question ! (Contemporary/OJC)
• 1959 : The art of the improvisers (Atlantic)
• 1959 : The Shape of Jazz to Come (Atlantic)
• 1959 : Change of The Century (Atlantic)
• 1960 : This Is Our Music (Atlantic)
• 1960 : Free Jazz: A Collective Improvisation (Atlantic)
• 1961 : Jazzlore : Ornette Coleman, vol. 29 (Atlantic)
• 1961 : Ornette ! (Atlantic)
• 1961 : Twins (Atlantic)
• 1961 : Ornette on Tenor (Atlantic)
• 1962 : Town Hall concert 1962 [live] (ESP-Disk)
• 1965 : The Great London Concert [live] (Freedom)
• 1965 : At the « Golden Circle » in Stockholm, vol. 1 [live] (Blue Note)
• 1965 : At the « Golden Circle » in Stockholm, vol. 2 [live] (Blue Note)
• 1965 : Chappaqua Suite (Sony Jazz), musique de film non retenue pour le film du même nom de Conrad Rooks
• 1965 : An Evening with Ornette Coleman [live] (Black Lion)
• 1966 : The Empty Foxhole (Blue Note)
• 1966 : Who's Crazy (Affinity)
• 1967 : Saints and Soldiers (RCA)
• 1967 : The Music of Ornette Coleman : Forms and Sounds (Bluebird)
• 1968 : Love Call (Blue Note)
• 1968 : New York is Now (Blue Note)
• 1969 : Crisis [live] (Impulse!)
• 1969 : Ornette at 12 (Impulse!)
• 1970 : Friends and Neighbors : Live at Prince Street (Flying Dutchman)
• 1971 : Science-fiction (Columbia)
• 1971 : Broken Shadows (Tristar)
• 1972 : Skies of America (Columbia/Legacy)
• 1973 : Dancing In Your Head (A&M)
• 1975 : To Whom Who Keeps a Record (Atlantic)
• 1976 : Body Meta (Verve)
• 1977 : Soapsuds, Soapsuds (Artists House)
• 1979 : Of Human Feelings (Antilles)
• 1980 : The Unprecedented Music of Ornette Coleman [live] (Lotus)
• 1985 : Opening The Caravan of Dreams (Caravan Of Dreams)
• 1985 : Prime Design Time Design (Caravan Of Dreams)
• 1986 : Song X (Geffen)
• 1987 : In All Languages (Caravan of Dreams)
• 1988 : Virgin Beauty (Portrait)
• 1995 : Tone Dialing (Harmolodic)
• 1996 : Colors : Live From Leipzig (Harmolodic/Verve)
• 1996 : Hidden Man (Harmolodic/Verve)
• 2006 : Sound Grammar

[modifier] Voir aussi

• Un hommage : John Zorn, Spy vs. Spy - The Music of Ornette Coleman, Elektra/Musician, 1989.

[modifier] Notes et références

[modifier] Liens externes

• (en) www.ornettecoleman.com : site officiel de l'artiste de jazz Ornette Coleman.
• (en) Discographie
• (en) Une biographie d'Ornette Coleman

• Portail du jazz

Albert Ayler

Données clés

Naissance	13 juillet 1936 Cleveland (Ohio)  États-Unis
Décès	25 novembre 1970 New York  États-Unis
Genre musical	Jazz - Free jazz
Instruments	Saxophone ténor Saxophone alto Saxophone soprano
Années d'activité	1952 – 1970
Labels	Bird Notes, Debut, ESP-Disk, Impulse!

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Albert Ayler, né le 13 juillet 1936 à Cleveland (Ohio) et mort le 25 novembre 1970 à New York est un saxophoniste (ténor, alto, et soprano) américain.

[modifier] Biographie

Issu de la petite bourgeoisie noire, il joue déjà à dix ans avec son père dans une fanfare, souvent lors des enterrements, et, le dimanche à l'église. Il écoute à la maison de nombreux disques de jazz classique et bebop.

Après des cours de musique dans une école privée et dans une high school, il participe à un orchestre amateur fondé par un camarade. Son premier travail professionnel est une tournée avec l'orchestre « rhythm and blues » de l'harmoniciste Little Walter, en 1952. À vingt-deux ans, son service militaire l'amène en France, à Orléans (où, dans la fanfare du régiment, le 76th Army Band, il abandonne le saxophone alto pour le saxophone ténor), puis en Suède et au Danemark.

Il retourne à la vie civile en Californie, puis à Cleveland, mais son style en gestation heurte ses auditoires. De retour en Suède l'année suivante, il reçoit un meilleur accueil et enregistre en 1962 son premier disque avec deux musiciens locaux : Torbjörn Hultcrantz et Sune Spånberg, puis, l'année suivante. Le disque « My name is Albert Ayler » avec Niels-Henning Ørsted Pedersen. Au « Jazzhus Montmartre », à Copenhague (à l'époque sorte de quartier général du jazz scandinave), il joue fréquemment et écoute quelques hôtes presque permanents de cette région : Don Cherry, Don Byas et Dexter Gordon.

De retour à New York, il est engagé dans quelques night clubs de Greenwich Village, enfin porté par l'essor du free jazz. Mais, en 1964 ses premiers enregistrements américains (des negro spirituals), en compagnie de Sunny Murray, Henry Grimes et Call Cobbs, ne trouvent pas d'éditeur. La firme ESP, vouée au jazz d'avant-garde, publie enfin la même année le premier d'une série de microsillons de compositions d'Ayler (le premier : « Ghost » est un des manifestes du free jazz). Le succès n'est toujours pas au rendez-vous. Il enregistre toutefois la musique du film « New York Eye and Ear Control » de Michael Snow.

De nouveau au Danemark, il retrouve Don Cherry dans l'Albert Ayler Quartet, puis, revenu à New York, il parvient à se produire avec son fidèle Murray et son frère Donald Ayler au Village Gate, au Town Hall, au Judson Hall, au Slug's.

En 1966, une longue tournée le conduit de nouveau en Europe. John Coltrane, conquis par son style, devient un de ses appuis, malheureusement pour peu de temps. À sa mort, ce sont les frères Ayler qu'il a chargés de la rituelle musique funéraire, mais où la traditionnelle fanfare est réduite au simple quartet.

Coltrane l'introduit auprès des dirigeants du label Impulse!, accueillant tous les avant-gardistes, et qui produira une série assez importante de disques jusqu'en 1969, accompagné par un personnel fluctuant, mais comportant fréquemment le violoniste Michael Sampson, le bassiste Alan Silva et le batteur Beaver Harris, auxquels se joint la chanteuse (et poly-instrumentiste) Mary Parks (Mary Maria). En 1969, il tente d'intégrer des musiciens de Pop (musique) ou du rock, en des sortes d'essais de « fusion », toujours sans grand succès.

En 1970, il a le temps de donner deux concerts à la Fondation Maeght à Saint-Paul de Vence avant de mourir mystérieusement noyé dans le port de New York, à trente-quatre ans..

Le jazz abonde d'artistes maudits, mais Albert Ayler en est un exemple à l'état pur, vivant dans le rejet, l'ostracisme et le sarcasme permanent, qu'il ne fait rien pour abolir : violence du son amplifié par l'utilisation d'anches très dures et par un jeu très physique mobilisant toute la puissance du souffle et de la bouche, vibrato hypertrophié, paroxystique, héritage plus des transes des negro spirituals originels que du chant des « blues shouters ». Ayler condense à lui tout seul tout ce qui caractérise la chorale habitée de l'« Holy Gost »: caractère obsessionnel des thèmes simples - à l'apparence de cantiques, de ballades, de gospel songs ou de marches militaires (la Marseillaise et « God save the queen » ne sont jamais loin), et même des sortes de gigues, scansion brutale, exposés avec répons par son frère, se développant en improvisations rageuses/exultantes, bien éloignées de toutes contraintes harmoniques ou rythmiques, peut-être exultation et peut-être cri de désespoir, peut-être humour « hénaurme ». Pas de complaisance dans ce discours, pas de recherche du joli, ni même de la beauté, sinon « convulsive », « dirty » à l'excès. La structure canonique de l'interprétation jazz (introduction-thème-soli-thème-coda) en pâtit bien sûr, remplacé par une sorte de patchwork sonore truffé de citations, la bluette se résolvant en fanfare polyphonique, puis éclatant en stridences diverses. Il est difficile de discerner une préméditation dans ces interprétations, qui semblent a contrario le fruit de l'instant.

La critique établie a crié à la cacophonie, au discours simpliste d'analphabète musical, au viol de la Muse par le mauvais goût. Il faut y voir plutôt un reflet et un dépassement de la révolte des ghettos, de l'esthétique dictée par l'Oncle-Tomisme et de la séduction du cool jazz et du hard bop le mal nommé, mais non pas dans la révolte violente des Black Panthers, au contraire dans une réactualisation du jazz originel des bouges de New Orleans, des plantations de coton et des cultes syncrétiques du début du XX^e siècle. Les divers hymnes et extraits de folklores occidentaux apparaissent, par leur hétérogénéité même, témoignages d'altérité absolue.

[modifier] Discographie

• 1962 : Albert Ayler: The first recordings, vol. 1 (GNP Crescendo)
• 1962 : The Albert Ayler: The first recordings, vol. 2 (DIW)
• 1963 : My name is Albert Ayler (Fantasy)
• 1963 : Albert Ayler free jazz (Freedom Records)
• 1964 : Goin' home (Black Lion)
• 1964 : Spirits (Witches & Devils) (Debut)
• 1964 : Swing low sweet spiritual (Osmosis)
• 1964 : Prophecy [live] (ESP)
• 1964 : Spiritual unity (ESP)
• 1964 : New York eye & ear control (ESP)
• 1964 : Vibrations (Freedom)
• 1964 : The Hilversum session (Osmosis)
• 1964 : The Copenhagen tapes (Ayler)
• 1965 : Bells [live] (Calibre)
• 1965 : Spirits rejoice (ESP)
• 1966 : At Slug's saloon, vol. 1 [live] (Get Back)
• 1966 : At Slug's saloon, vol. 2 [live] (ESP)
• 1966 : Lörrach, Paris 1966 [live] (hatOLOGY)
• 1966 : In Greenwich Village [live] (Impulse!)
• 1966 : Albert Ayler: the cillage concerts, vol. 7 [live] (ABC/Impulse!/MCA)
• 1966 : Complete live at Slug's
• 1967 : Love cry (Impulse!)
• 1968 : New grass (Impulse!)
• 1969 : Music is the healing force of the universe (Impulse!)
• 1969 : The last album (Impulse!)
• 1970 : Nuits de la fondation Maeght - 1970, vol. 1 (Shandar)
• 1970 : Nuits de la fondation Maeght - 1970, vol. 2 (Shandar)

Note : si l'on excepte quelques titres sous la direction de Cecil Taylor ou de Sunny Murray, Albert Ayler n'a enregistré que ses propres disques.

[modifier] À lire

• Franck Médioni, Albert Ayler - Témoignages sur un holy ghost, Marseille, le Mot et le Reste, 2010.
• Les treize morts d'Albert Ayler, Collectif, Gallimard, coll. Série noire, 1996.
• Jedediah Sklower, "Rebel with the wrong cause. Albert Ayler et la signification du free jazz en France", Volume! La revue des musiques populaires, n°6-1&2, Bordeaux, Éd. Mélanie Seteun, 2008. Téléchargeable en ligne ici.
• Astral project, Casterman/Sakka, 2006.
• La Marseillaise, Marc-Edouard Nabe, Le Dilettante, 1989, rééd. 2009.
• Comme le fantôme d'un jazzman dans la station Mir en déroute, Maurice G. Dantec, Albin Michel, 2009.
• Les derniers instants de la vie d'Albert A. Etienne Brunet, La Sœur de l'Ange n°9, Editions Hermann 2011.

[modifier] Lien externe

Notices d'autorité : Système universitaire de documentation • Bibliothèque nationale de France • WorldCat • Fichier d'autorité international virtuel •

• Site consacré à Albert Ayler

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