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Erro de expressão: Operador > inesperado

Um álbum musical com formato de livro.

Um álbum musical é uma coleção de músicas relacionadas, lançadas juntas comercialmente em um formato de áudio para o público. As faixas do álbum normalmente estão relacionadas quanto a tema e estilo musical, mas isso não é uma regra. Um álbum pode ser lançado em diversas mídias diferentes, desde mídias "físicas", como CD, DVD áudio, fita cassette e LP, até mídias "digitais", como arquivos MP3 e AAC.

O álbum de maior sucesso e popularidade de todos os tempos, além de ser o mais vendido (com mais de 100 milhões de unidades comercializadas) é Thriller, do cantor e compositor norte-americano Michael Jackson, lançado pela gravadora Epic Records, em Novembro de 1982.

[editar] História

No início dos anos 60, já era possível constatar uma mudança no rádio brasileiro, a maioria das emissoras passava a compor sua programação à base de discos. É que, com a popularização da televisão, o rádio precisou encontrar uma nova linguagem mais econômica. Por volta de 1964, a Rádio Globo do Rio de Janeiro e a Rádio Bandeirantes de São Paulo tornaram-se líderes de audiência em seus respectivos estados depois de instituírem as bases de um novo formato radiofônico calcado em programação de estúdio com música, esporte e jornalismo. Nesse momento, os discos de rock ganhavam uma importância ainda maior no panorama musical brasileiro. Na década de 50, o compacto era o formato principal da indústria fonográfica brasileira. No lado A do disco era gravado a canção mais indicada a ser tocada no rádio e no lado B outra canção de menor apelo. Para Roy Shuker, "o single atraiu os jovens com baixo poder aquisitivo. Para as gravadoras, era mais econômico produzir um single que um álbum, além do single funcionar como um teste de mercado".

Neste período, as companhias RCA e CBS disputavam a hegemonia entre dois formatos da música popular massiva, enquanto a RCA apostava no compacto simples gravado em um disco de 45 rotações por minutos, a CBS defendia a venda de álbuns gravados em Lps. Tornado público por Frank Sinatra (In the Wee Small Hours, 1955), a idéia de álbum remete a um produto musical fechado com mais de quarenta minutos, criado a partir de um título que agrupa entre doze e catorze canções, parte gráfica, letras, ficha técnica e agradecimentos. O formato atingiu a maturidade nos anos 60, quando grupos como The Beatles (Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, 1967) e The Who (Tommy, 1969) lançaram álbuns sofisticados e a idéia de álbum conceitual. Assim, o álbum deixa de vez de ser apenas uma coleção de sucessos já lançados em compactos, para se tornar ele mesmo a obra fonográfica – um conjunto de canções, com parte gráfica, letras, ficha técnica, agradecimentos e um título, lançados por um determinado grupo ou intérprete.

[editar] No Brasil

Apesar da posição do Brasil como país periférico, o consumo do produto fonográfico mais caro, o álbum, era o carro-chefe da indústria fonográfica, em uma tendência bem próxima aos países capitalistas centrais. A instituição do álbum como produto principal da indústria fonográfica modificou as estratégias de produção da música popular massiva e tornou necessário que produtores, compositores e intérpretes levassem em consideração as oito ou dez faixas, a ordem, a seqüência e a coerência das canções. Para Dias, "a adoção do LP traz consigo uma mudança profunda nos rumos da produção, uma vez que torna o artista mais importante que o disco" (2000: 57). É o tempo do trabalho de autor quando são oferecidas condições para que alguns artistas desenvolvam um trabalho que não poderia ser feito em compacto. Já para Marchi, "o padrão de consumo do LP também merece menção. Com o surgimento da estética do álbum, os discos passam a serem vistos como obras de arte em si" (Marchi, on-line). Dessa forma, o álbum passa a ser consumido como livros. Ao ser colecionado em discotecas privadas ganha o status de obra fonográfica de um objeto cultural digno de nota.

v • e Música
História da música ocidental	Antiga · Bíblico · Medieval · Renascentista · Barroca · Período clássico · Romantismo · Século XX · Contemporânea
Composição	Compositor · Forma · Gênero · Notação · Teoria · Improvisação
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Bob Marley
Bob Marley apresentação ao vivo, em 1980.
Informação geral
Nome completo	Robert Nesta Marley
Apelido	Rei do Reggae
Nascimento	6 de Fevereiro de 1945 Nine Mile, Saint Ann  Jamaica
Data de morte	11 de maio de 1981 (36 anos) Miami, Flórida  Estados Unidos
Gêneros	Reggae, ska, rocksteady
Instrumentos	Guitarra, Violão, Percussão
Período em atividade	1962 - 1981
Gravadora(s)	Studio One, Beverley's, Upsetter/Trojan, Island/Tuff Gong
Afiliações	Membro do Wailers, líder da Wailers Band, associado com os Upsetters, associado com as I Threes
Página oficial	Site Oficial

Bob Marley OM (nascido Robert Nesta Marley, Nine Mile, 6 de fevereiro de 1945 — Miami, 11 de maio de 1981), foi um cantor, guitarrista e compositor jamaicano, o mais conhecido músico de reggae de todos os tempos, famoso por popularizar o gênero. Grande parte do seu trabalho lidava com os problemas dos pobres e oprimidos. Ele foi chamado de "Charles Wesley dos rastafáris" pela maneira com que divulgava a religião através de suas músicas.

Bob foi casado com Rita Marley, uma das I Threes, que passaram a cantar com os Wailers depois que eles alcançaram sucesso internacional. Ela foi mãe de quatro de seus doze filhos (dois deles adotados), os renomados Ziggy e Stephen Marley, que continuam o legado musical de seu pai na banda Melody Makers. Outros de seus filhos, Kymani Marley, Julian Marley e Damian Marley (vulgo Jr. Gong) também seguiram carreira musical.

Foi eleito pela revista Rolling Stone o 11º maior artista da música de todos os tempos.^[1]

[editar] Juventude

Bob Marley nasceu em 6 de fevereiro de 1945 em Saint Ann, no interior da Jamaica, filho de Norval Sinclair Marley, um militar branco, capitão do exército inglês e Cedella Booker, uma adolescente negra vinda do norte do país. Cedella e Norval estavam de casamento marcado para 9 de julho de 1944. No dia seguinte ao seu casamento, Norval abandonou-a, porém continuou dando apoio financeiro para sua mulher e filho. Raramente os via, pois estava constantemente viajando. Após a morte de Norval em 1955, Marley e sua mãe se mudaram para Trenchtown, uma favela de Kingston, onde o garoto era provocado pelos negros locais por ser mulato e ter baixa estatura (1,63 m). Bob teve uma juventude muito difícil, e isso o ajudou a ter personalidade e um ponto de vista bastante crítico sobre os problemas sociais.

[editar] Carreira musical

[editar] Princípio

Marley começou suas experimentações musicais com o ska e passou aos poucos para o reggae enquanto o estilo se desenvolvia. Marley é talvez mais conhecido pelo seu trabalho com o grupo de reggae The Wailers, que incluía outros dois célebres músicos, Bunny Wailer e Peter Tosh. Livingstone e Tosh posteriormente deixariam o grupo para iniciarem uma bem-sucedida carreira solo.

A maioria do trabalho inicial de Marley foi produzida por Coxsone Dodd no Studio One. O relacionamento dos dois se deterioraria mais tarde devido a pressões financeiras, e no começo da década de 1970 ele produziu o que é considerado por muitos o seu melhor trabalho, então pelas mãos de Lee "Scratch" Perry. A dupla também se separaria, desta vez por problemas com direitos autorais. Eles trabalhariam juntos novamente em Londres, e permaneceriam amigos até a morte de Marley.

O trabalho de Bob Marley foi amplamente responsável pela aceitação cultural da música reggae fora da Jamaica. Ele assinou com o selo Island Records, de Chris Blackwell, em 1971, na época uma gravadora bem influente e inovadora. Foi ali, com No Woman, No Cry em 1975, que ele ganhou fama mundial.

[editar] Tiroteio e violência eleitoral

Bob Marley & The Wailers ao Vivo no Crystal Palace Park durante a Uprising Tour.

Em 1976, dois dias antes de um show gratuito organizado por Bob Marley e o então primeiro-ministro jamaicano Michael Manley durante as eleições gerais, Marley, sua esposa Rita e o empresário Don Taylor foram baleados na residência do astro em Hope Road. Marley sofreu ferimentos leves no braço e no tórax. Don Taylor levou a maior parte dos tiros em sua perna e torso ao andar acidentalmente na frente da linha de fogo. Ele foi internado em estado grave mas recuperou-se. Rita Marley também foi internada após um grave ferimento na cabeça. Acredita-se que o tiroteio teve motivações políticas (os políticos jamaicanos eram em geral violentos na época, especialmente quando as eleições se aproximavam). O concerto foi visto como um gesto de apoio ao primeiro-ministro, e supostamente Marley foi alvo dos defensores do partido conservador da Jamaica, o Jamaican Labour Party. Embora a polícia nunca tenha pego os atiradores, pessoas desconhecidas "acertaram as contas" mais tarde com eles nas ruas de Kingston. Além disso, o Candidato Michael Manley foi eleito.

[editar] Fim de carreira

Bob Marley deixou a Jamaica no final de 1976 e foi para a Inglaterra, onde gravou os álbuns Exodus e Kaya e onde também foi preso pela posse de um cigarro de maconha. Ele lançou a música Africa Unite no álbum Survival em 1979, e então foi convidado a tocar nas comemorações pela independência do Zimbabwe em 17 de abril de 1980.

[editar] Convicções políticas e religiosas

Bob Marley era adepto da religião rastafári. Ele foi influenciado por sua esposa Rita, e passou a receber os ensinamentos de Mortimer Planno. Ele servia de fato como um missionário rasta (suas ações e músicas demonstram que isso talvez fosse intencional), fazendo com que a religião fosse conhecida internacionalmente. Em suas canções Marley pregava irmandade e paz para toda a humanidade. Antes de morrer ele foi inclusive batizado na Igreja Ortodoxa da Etiópia com o nome Berhane Selassie.

Não viva para que a sua presença seja notada, mas para que a sua falta seja sentida.

— Bob Marley

Marley era um grande defensor da maconha, usada por ele no sentido da comunhão, apesar de que seu uso não é consenso entre os rastafáris. Na capa de Catch a Fire inclusive ele é visto fumando um cigarro de maconha, e o uso espiritual da cannabis é mencionado em muitas de suas músicas.

Marley também tinha conexões com a seita rastafári "Doze Tribos de Israel", e expressou isso com uma frase bíblica sobre José, filho de Jacó, na capa do álbum Rastaman Vibration.

[editar] A batalha contra o câncer

[editar] Diagnóstico

Em julho de 1977 Marley descobriu uma ferida no dedão de seu pé direito, que ele pensou ter sofrido durante uma partida de futebol. A ferida não cicatrizou, e sua unha posteriormente caiu; foi então que o diagnóstico correto foi feito. Marley na verdade sofria de uma espécie de câncer de pele, chamado melanoma maligno, que se desenvolveu sob sua unha. Os médicos o aconselharam a ter o dedo amputado, mas Marley recusou-se devido aos princípios rastafaris que diziam que os médicos são homens que enganam os ingênuos, fingindo ter o poder de curar. Ele também estava preocupado com o impacto da operação em sua dança; a amputação afetaria profundamente sua carreira no momento em que se encontrava no auge (na verdade, a preocupação de Bob Marley era quanto à amputação de qualquer parte de seu corpo, seja o dedo do pé ou suas rastas. Para os seguidores dessa religião/filosofia, não se deve cortar, aparar ou amputar qualquer parte do corpo). Marley então passou por uma cirurgia para tentar extirpar as células cancerígenas. sua doença foi revelada para seu público.

[editar] Conversão

Segundo seu filho Ziggy Marley, Marley se converteu ao cristianismo antes de morrer, em 1977. O motivo seria o de que, segundo a religião rasta, o corpo é um templo sagrado e por isso retirar o câncer seria errado. Marley teria descoberto muitas coisas semelhantes entre o rastafarianismo e o cristianismo e decidido que seu corpo deveria ser cuidado. O próprio Ziggy ainda tenta espalhar o legado de seu pai, com ideais e raízes do rastafarianismo e do reggae, mas com um entendimento cristão.^[2][3][4]

[editar] Colapso e tratamento

O câncer espalhou-se para seu cérebro, pulmão e estômago. Durante uma turnê no verão de 1980, numa tentativa de se consolidar no mercado norte-americano, Marley desmaiou enquanto corria no Central Park de Nova Iorque. Isso aconteceu depois de uma série de shows na Inglaterra e no Madison Square Garden, mas a doença o impediu de continuar com a grande turnê agendada. Marley procurou ajuda, e decidiu ir para Munique para tratar-se com o controverso especialista Josef Issels por vários meses, não obtendo resultados.

[editar] Morte

Um mês antes de sua morte, Bob Marley foi premiado com a Ordem ao Mérito Jamaicana. Ele queria passar seus últimos dias em sua terra natal, mas a doença se agravou durante o vôo de volta da Alemanha e Marley teve de ser internado em Miami. Ele faleceu no hospital Cedars of Lebanon no dia 11 de maio de 1981 em Miami, Flórida, aos 36 anos. Seu funeral na Jamaica foi uma cerimônia digna de chefes de estado, com elementos combinados da Igreja Ortodoxa da Etiópia e do Rastafarianismo. Ele foi sepultado em uma capela em Nine Mile, perto de sua cidade natal, junto com sua guitarra favorita, uma Fender Stratocaster vermelha.

[editar] Reputação póstuma

A música e a lenda de Bob Marley ganharam mais e mais força desde sua morte, e continuam a render grandes lucros para seus herdeiros. Também deu a ele um status mítico, similar ao de Elvis Presley e John Lennon. Marley é enormemente popular e bastante conhecido ao redor do mundo, particularmente na África e na América Latina. É considerado por muitos como o primeiro popstar do Terceiro Mundo. Após a sua morte, a data de seu aniversário, o dia 6 de fevereiro, foi decretado feriado nacional na Jamaica.

[editar] Controvérsia sobre o local do túmulo

Em janeiro de 2005 foi divulgado que Rita Marley estava planejando exumar os restos de Bob Marley e enterrá-los em Shashamane, Etiópia. Ao anunciar sua decisão, Rita afirmou que "toda a vida de Bob foi centrada na África, não na Jamaica". Os jamaicanos foram amplamente contra a proposta, e a comemoração do aniversário de Bob em 6 de fevereiro de 2005 foi celebrada em Shashamane pela primeira vez, pois, antes todas as outras haviam sido realizadas na Jamaica.

[editar] Prêmios e honrarias

Estrela de Marley na Calçada da Fama, em Hollywood.

• 1976 - Banda do Ano (Rolling Stone)
• Junho de 1978 - Premiado com a "Medalha de Paz do Terceiro Mundo" pelas Nações Unidas
• Fevereiro de 1981 - Premiado com a mais alta condecoração jamaicana, a "Ordem ao Mérito"
• 1999 - Álbum do Século (Revista Time) por Exodus
• Fevereiro de 2001 - Uma estrela na Calçada da Fama de Hollywood
• Fevereiro de 2001 - Premiado com um Grammy pelo "Conjunto da Obra"
• 2004: Rolling Stone Magazine classificou-o # 11 em sua lista dos "100 Maiores Artistas de Todos os Tempos"^[5]
• "One Love" chamada canção do milênio pela BBC
• Votado como um dos maiores letristas de todos os tempos por uma sondagem da BBC

[editar] Discografia

[editar] Álbuns de estúdio

[editar] Álbuns ao vivo

[editar] Videografia

• Rebel Music: The Bob Marley Story - documentário dirigido por Jeremy Marr, lançado em 2001 pela Universal Music^[6].
• One Love: The Bob Marley All-Star Tribute - tributo de diversos artistas exibido originalmente pela TNT^[7] e lançado em 1999 pela Palm Pictures^[8].
• Legend - documentário e compilação de 23 canções com a banda The Wailers, lançada em 1979 pela Universal Music^[9].
• Bob Marley Live At The Rainbow - show realizado no Teatro Rainbow em Londres no verão de 1977 e lançado em 2005 pela Universal Music^[10].

Referências

[editar] Bibliografia

• Marley, Rita e Jones, Rettie. No Woman No Cry: Minha Vida com Bob Marley
• White, Timothy. Catch a Fire: The Life of Bob Marley. Owl Books (NY), 1998.

[editar] Ver também

• Lista de recordistas de vendas de discos

[editar] Ligações externas

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• www.bobmarley.com Página oficial
• Árvore genealógica de Bob Marley

• Portal da música
• Portal da Jamaica

Miles Davis
Erro ao criar miniatura: Parâmetros de miniatura inválidos Miles no North Sea Jazz Festival na Holanda em 1985.
Informação geral
Nome completo	Miles Dewey Davis III
Apelido	Miles
Nascimento	26 de Maio de 1926 Alton, Illinois  Estados Unidos
Data de morte	29 de setembro de 1991 (65 anos) Santa Monica, California  Estados Unidos
Gêneros	bebop cool jazz modal jazz hard bop third stream jazz funk jazz fusion acid jazz
Ocupação	Trompetista Compositor Bandleader
Instrumentos	Trompete Flugelhorn
Período em atividade	1944–1991
Afiliações	Miles Davis Quintet
Página oficial	www.milesdavis.com

Miles Dewey Davis Jr (Alton, 26 de Maio de 1926 – Santa Monica, 28 de Setembro de 1991) foi um trompetista, compositor e bandleader de jazz norte-americano.

Considerado um dos mais influentes músicos do século XX, Davis esteve na vanguarda de quase todos os desenvolvimentos do jazz desde a Segunda Guerra Mundial até a década de 1990. Ele participou de várias gravações do bebop e das primeiras gravações do cool jazz. Foi parte do desenvolvimento do jazz modal, e também do jazz fusion que originou-se do trabalho dele com outros músicos no final da década de 1960 e no começo da década de 1970.

Miles Davis pertenceu a uma classe tradicional de trompetistas de jazz, que começou com Buddy Bolden e desenvolveu-se com Joe "King" Oliver, Louis Armstrong, Roy Eldridge e Dizzy Gillespie. Ao contrário desses músicos ele nunca foi considerado com um alto nível de habilidade técnica. Seu grande êxito como músico, entretanto, foi ir mais além do que ser influente e distinto em seu instrumento, e moldar estilos inteiros e maneiras de fazer música através dos seus trabalhos. Muitos dos mais importantes músicos de jazz fizeram seu nome na segunda metade do século XX nos grupos de Miles Davis, incluindo: Joe Zawinul, Chick Corea e Herbie Hancock, os saxofonistas John Coltrane, Wayne Shorter, George Coleman e Kenny Garrett, o baterista Tony Williams e o guitarrista John McLaughlin.

Como trompetista Davis tinha um som puro e claro, mas também uma incomum liberdade de articulação e altura. Ele ficou conhecido por ter um registro baixo e minimalista de tocar, mas também era capaz de conseguir alta complexidade e técnica com seu trompete.

Em 13 de Março de 2006, Davis foi postumamente incluído no Rock and Roll Hall of Fame. Ele foi também incluído no St. Louis Walk of Fame, Big Band and Jazz Hall of Fame, e no Down Beat's Jazz Hall of Fame.

[editar] Biografia

[editar] Juventude - de 1926 a 1944

Miles Davis nasceu em uma família relativamente rica em Alton, no estado de Illinois. Seu pai, Dr. Miles Davis II era dentista e, em 1927, sua família se mudou para East St. Louis. Eles também ganharam uma importante fazenda no norte do Arkansas, onde Miles aprendeu a andar a cavalo.

A mãe de Davis, Cleota Mae (Henry) Davis, queria que seu filho aprendesse a tocar piano - ela era uma hábil pianista de blues, mas manteve isso escondido de seu filho. Os estudos musicais de Miles começaram aos treze anos, quando seu pai lhe deu um trompete novo e providenciou algumas aulas com um trompetista local, Elwood Buchanan. Miles revelou que a escolha de seu pai por um trompete, foi feita propositalmente para irritar sua mulher, que não gostava do som do instrumento. Contrário à moda naquela época, Buchanan ressaltou a importância de tocar o instrumento sem vibrato, e assim Davis levaria seu timbre limpo por toda sua carreira. Buchanan dava palmadas com uma régua na mão de Miles, toda a vez que ele usava heavy vibrato. Convidado por Buchanan para ver seu aluno tocar, o trompetista Clark Terry (que viria a ser uma das influências de Davis) se lembraria, anos mais tarde, de seus heterodoxos métodos de aprendizado: “Buch tinha uma régua enorme… e toda vez que Miles tremia uma nota, ele o acertava com ela nas juntas dos dedos e dizia: ‘Pare de tremer essa nota. Você já vai tremer bastante quando ficar velho.’” Davis certa vez comentou a importância dessa sua assinatura musical, dizendo:

Clark Terry foi outra importante influência na juventude de Miles Davis. Aos dezesseis anos, Davis era membro de um círculo de músicos e trabalhava profissionalmente quando não estava na escola. Aos dezessete, passou um ano tocando no grupo de Eddie Randle, os Blue Devils. Sonny Stitt tentou convencê-lo a se juntar à banda de Tiny Bradshaw, atravessando a cidade, mas sua mãe negou alegando que ele terminasse seu último ano na escola.

Em 1944, o grupo de Billy Eckstine foi tocar em St. Louis. Dizzy Gillespie e Charlie Parker eram uns dos integrantes, e por causa de uma doença com Buddy Anderson, Davis entrou como o terceiro trompetista por algumas semanas. Quando o grupo saiu da cidade para completar sua turnê Miles ficou, pois seus pais insistiram ainda para ele completar seus estudos acadêmicos.

[editar] Bebop e Birth of the Cool - de 1944 a 1955

Miles Davis fotografado por Tom Palumbo

Em 1944, Davis mudou-se para Nova Iorque para conseguir uma bolsa de estudos na Juilliard School, mas ao invés disso ele decidiu procurar a banda de Charlie Parker. Suas primeiras gravações foram feitas em 1945 com o cantor de blues "Rubberlegs" Williams e o sax-tenorista Herby Fields, no outono ele se tornou um membro não-oficial do quinteto de Parker, aparecendo em várias gravações iniciais do bebop para os selos Savoy Records e Dial Records. O estilo de Davis no trompete era distinto, mas como solista lhe faltou confiança e virtuosidade dos seus mentores com ele, pois sufocava algumas notas e errava durante seus solos. Além disso, possuia algumas dificuldades para tocar ballads. Tempos depois, Davis revelaria que aprendeu a tocar baladas ouvindo Coleman Hawkins.

Em 1948, teve seu aprendizado como sideman, tanto no palco como no estúdio, e estava começando a desenvolver-se como artista solo. Davis começou a trabalhar com um noneto que apresentava uma instrumentação incomum naquela época, como a trompa e a tuba. Nele também estavam os jovens Gerry Mulligan e Lee Konitz. Após algumas apresentações no Royal Roost Club em Nova Iorque, o noneto assinou com a Capitol Records. Vários singles seriam lançados em 1949 e 1950, apresentando arranjos por Gil Evans, Gerry Mulligan e John Lewis. A partir daí começou sua parceria com Gil Evans, com quem colaboraria pelos próximos vinte anos. Os singles tiveram lançamentos até 1957, quando onze de doze músicas foram lançadas no álbum Birth of the Cool (lançamentos posteriores incluiríam as doze faixas). Em 1949, ele visitou a Europa pela primeira vez e se apresentou naquele ano no Paris Jazz Festival em maio. A resposta para os músicos de jazz moderno em Paris foi diferente daquela nos Estados Unidos, eles ganhariam certa admiração na capital francesa. A partir de então data os problemas de Davis com as drogas. Tocando em bares de Nova Iorque, Davis estava em freqüente contato com pessoas que usavam e vendiam drogas. Em 1950, como muito dos seus contemporâneos, ele adquire vício em heroína.

Entre 1950 e 1955, Davis fez gravações como líder para os selos Prestige e Blue Note Records principalmente, numa variedade de pequenos grupos. Como sidemans incluíam Sonny Rollins, John Lewis, Kenny Clarke, Jackie McLean, Art Blakey, Horace Silver, Thelonious Monk, J. J. Johnson, Percy Heath, Milt Jackson e Charles Mingus. Por causa de seu problema com drogas, Davis ganhou uma reputação de irresponsável. No inverno de 1953 a 1954 entretanto, ele retorna a East St. Luis e se tranca em um quarto na farmácia de seu pai por doze dias até que conseguisse estar livre das drogas.

Após superar seu vício de heroína com a ajuda de Sugar Ray Robinson, Davis fez uma série de importantes gravações para o selo Prestige em 1954, mais tarde reunidas nos álbuns Bag's Groove, Miles Davis and the Modern Jazz Giants e Walkin'. Nessa época, ele começa a usar a surdina para "escurecer" e abrandar o timbre de seu trompete. Este trompete com surdina seria associado com Davis pelo resto de sua vida.

Em julho de 1955, ele tocou um solo lendário em 'Round Midnight de Thelonius Monk no Newport Jazz Festival. Esta performance levou Davis de volta aos holofotes do jazz, fazendo com que George Avakian assinasse com Davis para a Columbia e formasse seu primeiro quinteto.

[editar] Primeiro Grande Quinteto e Sexteto - de 1955 a 1958

Em 1955, Davis dá vida a seu primeiro Miles Davis Quintet. Este grupo apresentava John Coltrane (saxofone tenor), Red Garland (piano), Paul Chambers (contrabaixo) e Philly Joe Jones (bateria). Evitando a complexidade rítmica e harmônica do então prevalecente bebop, Davis se permitiu a tocar longamente, em legato, essencialmente em linhas melódicas em que ele começaria a explorar o jazz modal. Nessa época, Davis foi influenciado pelo pianista Ahmad Jamal, que contrastava seu som esparso com o "atarefado" som do bebop.

O quinteto nunca foi estável entretanto, com muitos dos integrantes usando heroína e o Miles Davis Quintet acabou em 1957.

Neste ano, Davis viajou para a França para compor Ascenseur pour l'échafaud de Louis Malle. Ele gravou a trilha sonora inteira com a ajuda de músicos franceses como Barney Wilen, Pierre Michelot e René Urtreger além do baterista americano Kenny Clarke.

Em 1958, o quinteto foi reformado em um sexteto, com a adição de Julian "Cannonball" Adderley no saxofone alto, gravando Milestones naquele ano.

[editar] Gravações com Gil Evans - de 1957 a 1963

No final da década de 1950 e começo da década de 1960, Davis gravou uma série de álbuns com Gil Evans, tocando trompete assim como flugelhorn. O primeiro, Miles Ahead de 57, apresenta ele tocando com uma big band e um arranjo de cornetas por Evans. As faixas do álbum incluem, "The Duke" de Dave Brubeck, "The Maids of Cadiz" de Léo Delibes, a qual seria sua primeira peça de música clássica européia a gravar. Outra importante inovação característica do álbum, foi a edição sonora para juntar as faixas, tornando cada lado do álbum em uma peça de música só.

Em 1958, Davis e Evans gravaram Porgy and Bess, um arranjo das peças de George Gershwin de mesmo nome. Este álbum apresentava membros de seu grupo atual da época, incluindo: Paul Chambers, Philly Joe Jones, e Julian "Cannonball" Adderley. Davis considerou este álbum como um dos seus favoritos.

Sketches of Spain (1959-1960) apresentava faixas dos compositores contemporâneos: Joaquín Rodrigo e de Manuel de Falla, assim como arranjos originais de tema espanhol por Gil Evans. Miles Davis at Carnegie Hall (1961), incluía "Concierto de Aranjuez" também de Joaquín Rodrigo, junto com outras músicas em um concerto sob a direção de Evans.

Algumas sessões em 1962, resultaram no álbum Quiet Nights. Uma pequena coleção de melodias de bossa nova, que foram lançadas contra a vontade de ambos os artistas. Esta seria a última vez que eles criariam um álbum completo novamente. Em sua autobiografia, Davis menciona: "…meu melhor amigo foi Gil Evans."^[2]

[editar] Kind of Blue - de 1959 a 1964

Monumento ao músico na Polônia.

Após gravar Milestones, Garland (piano) e Jones (bateria) foram substituídos por Bill Evans e Jimmy Cobb. A improvisação introspectiva de Evans, treinada na música clássica, influenciou o som do resto do grupo e os permitiu explorar mais profundamente a música do que nunca, promovendo o avanço do jazz modal como visto em '58 Miles. Evans saiu no final de 1958, substituído por Wynton Kelly.

Em Março e Abril de 1959, Davis voltou mais uma vez com seu sexteto para gravar o que seria considerada sua magnum opus, Kind of Blue. Ele chamou Bill Evans de novo (que estava ainda a meses de formar seu famoso trio), para as sessões do álbum da maneira que haviam planejado acerca do método de piano de Evans.^[3] Ambos Davis e Evans tiveram uma familiaridade direta com as idéias do pianista George Russell, a respeito do modal jazz o qual fazia experimentos naquela época. Davis pelas idéias expostas com Russell e outros, antes do que viria a se tornar as sessões do álbum Birth of Cool, e Evans por estudar com Russel em 1956.^[4] Miles não informou ao pianista Wynton Kelly sobre Evans nas gravações, conseqüentemente Kelly tocou apenas na faixa "Freddie Freeloader", e não esteve presente nas gravações em abril.^[5] "So What" e "All Blues" foram tocadas pelo sexteto em performances antes das sessões de gravação, mas para as outras três composições, Davis e Evans preparam uma estrutura harmônica que os outros músicos viram somente no dia da gravação, a fim de criar uma aproximação de improvisação. O álbum resultante provou ser uma enorme influência para outros músicos. De acordo com a RIAA, Kind of Blue é o álbum de jazz mais vendido de todos os tempos, sendo certificado com o disco triplo de platina (3 milhões de cópias).

No mesmo ano, enquanto fazia uma pausa de um show do lado de fora do famoso nightclub de Nova Iorque, Birdland. Miles Davis foi atacado por policiais americanos e foi conseqüentemente preso. Acreditando ter sido o ataque por motivos raciais (foi dito que ele foi agredido por um policial que estava furioso por Davis estar com uma mulher branca), ele tentou levar o caso ao tribunal, mas acabou desistindo.

Davis convenceu Coltrane a tocar com o grupo em uma turnê final pela Europa na primavera de 1960. Coltrane que tinha saído para formar seu clássico quarteto, voltou para gravar algumas faixas do álbum de 1961 Someday My Prince Will Come. Davis tentou diversos saxofonistas para seu grupo, como Sonny Stitt e Hank Mobley. O quinteto com Hank Mobley gravou em estúdio e em diversos shows como no Carnegie Hall e no Black Hawk Jazz Club em São Francisco. Stitt tocou com o grupo em gravações no Olympia em Paris (onde Davis e Coltrane tinham tocado alguns meses antes) e no álbum Live in Stockholm.

Em 1963, o grupo de longo tempo de Miles Davis com Kelly, Chambers e Cobb acaba. Ele então rapidamente começa a formar um novo grupo, incluindo o saxofonista tenor George Coleman e o baixista Ron Carter. Davis, Coleman, Carter, e outros músicos gravaram meio álbum na primavera de 63. Poucas semanas depois, o baterista Tony Williams e o pianista Herbie Hancock se juntaram ao grupo, e logo após Davis, Coleman e outros integrantes gravam o resto de Seven Steps to Heaven.

A evolução do grupo pode ser traçada através do álbum de estúdio anteriormente mencionado, In Europe de 63, My Funny Valentine e Four and More (ambos de Fevereiro de 1964). O grupo tocou o mesmo repertório de bebop e standards que os grupos de Miles Davis tocavam anteriormente, mas agora revistos com uma liberdade rítmica e estrutural crescente e com uma velocidade muito mais rápida.

Coleman sai na primavera de 1964, e é substituído pelo saxofonista de avant-garde jazz Sam Rivers, por sugestão de Tony Williams. Rivers ficaria no grupo por pouco tempo, gravando com o quinteto em um show no Japão; que pode ser escutado no álbum In Tokyo! de Julho de 1964.

No final do verão, Miles Davis convenceu Wayne Shorter a sair dos Jazz Messengers, grupo do baterista Art Blakey. Shorter se tornou o principal compositor do quinteto de Miles Davis, algumas composições suas daquela época (como "Footprints" e "Nefertiti") se tornaram standards. Enquanto estavam numa turnê pela Europa, o grupo fez sua primeira gravação oficial, o álbum Miles in Berlin (no fim de 64). Voltando para os Estados Unidos naquele ano, Davis (por pedido de Jackie DeShannon) fez uma recomendação à Columbia para assinar com os The Byrds.

[editar] Segundo Grande Quinteto - de 1964 a 1968

Na época do álbum E.S.P de 1965, a formação do grupo de Miles Davis consistia em Wayne Shorter no saxofone, Herbie Hancock no piano, Ron Carter no baixo e Tony Williams na bateria. Esta formação, a última formação acústica dele, é geralmente conhecida como "The Second Great Quintet".

Sessões de duas noites em Chicago no final de 65 foram capturadas no álbum The Complete Live at The Plugged Nickel 1965, lançado em 1995. Ao contrário dos álbuns de estúdio do grupo, a apresentação ao vivo mostrava o grupo ainda tocando standards e bebops.

Este foi seguido por uma série de gravações de estúdios: Miles Smiles (1966), Sorcerer (1967), Nefertiti (1967), Miles in the Sky (1968) e Filles de Kilimanjaro (1968). O quinteto se aproximou de uma improvisação que ficou conhecida como "time no changes" ou "freebop", por que eles abandonaram a progressão de acordes parecida com o bebop para uma aproximação modal. Através de Nefertiti, as gravações de estúdio consistiram de composições de Shorter, e outras menores composições por outros sidemans. Em 1967, o grupo começou a tocar seus concertos ao vivo em sets contínuos, com cada canção fluindo para outra e somente a melodia indicava alguma demarcação; o grupo de Davis iria continuar a tocar desse modo até seu retiro em 1975.

Miles in the Sky e Filles de Kilimanjaro, no qual o baixo elétrico, piano elétrico e a guitarra foram introduzidas em algumas faixas, apontavam conseqüentemente para a fase fusion de Miles. Davis também começou a experimentar ritmos como o rock nessas gravações. Nas gravações da segunda metade de Filles de Kilimanjaro, Dave Holland e Chick Corea substituíram Carter e Hancock no grupo, apesar de ambos ocasionalmente virem a contribuir em sessões futuras de gravações.

O álbum 1969 Miles: Festiva de Juan Pins, é a primeira gravação ao vivo do grupo de Miles Davis tocando sets contínuos. (Entretanto, o álbum só teve lançamentos na Europa e no Japão.)

[editar] Elétrico Miles - de 1968 a 1975

Miles Davis no Rio de Janeiro em Maio de 1974

As influências de Miles Davis no final da década de 1960 incluíam o acid rock e artistas funk como Sly and the Family Stone, James Brown e Jimi Hendrix, muitos dos quais se conheceram através de Betty Mabry, uma jovem modelo e letrista que Miles se casou em 1968 e se separaria um ano depois. A transição musical requereu que Davis e seu grupo se adaptassem aos instrumentos elétricos, tanto em estúdio quanto performances ao vivo.

Na época, o álbum In a Silent Way seria gravado em fevereiro de 1969. Davis tinha aumentado seu quinteto padrão com alguns músicos a mais. Hancock e Joe Zawinul foram trazidos para ajudar Chick Corea nos teclados, e o guitarrista John McLaughlin faria sua primeira de muitas aparições e Shorter estava no saxofone soprano. Depois de gravar esse álbum, Tony Williams saiu para formar seu grupo:Lifetime e seria substituído por Jack DeJohnette.

Seis meses depois, um grupo maior de músicos, incluíndo Jack DeJohnette, Airto Moreira e Bennie Maupin gravaram o LP duplo Bitches Brew, o qual viria a ter uma imensa vendagem alcançando o disco de ouro (meio milhão de cópias vendidas) em 1976. Este álbum e In a Silent Way estariam entre as primeiras fusões entre o jazz e o rock que seriam comercialmente bem sucedidas, subindo no patamar de Charles Lloyd, Larry Coryell, e muito outros músicos pioneiros no gênero que viria a se chamar simplesmente de "Jazz-rock fusion".

Durante este período, Davis viajou com o "quinteto perdido" de Shorter, Corea, Holland e DeJohnette. O repertório do grupo incluía materiais de Bitches Brew, In a Silent Way, os álbuns do quinteto da década de 1960, e alguns standards ocasionais.

Em 1972, Davis foi introduzido à música de Karlheinz Stockhausen por um jovem arranjador e violocelista, e mais tarde ganhador de um Grammy, Paul Buckmaster, o levando a um período novo de exploração criativa. O biógrafo J.K. Chambers escreveu que: "O efeito dos estudos de Stockhausen por Davis não poderiam ser contidos por muito tempo. …sua própria "música espacial", mostrava composicionalmente a influência de Stockhausen."^[6] Suas gravações e performances durante este período foram descritas como "espacial" pelos fãs, pelo crítico de música Leonard Feather, e por Buckmaster que declarou: "muita coisa mudou - pesado, obscuro, intenso - definitivamente música espacial."^[7]

Tanto Bitches Brew e In a Silent Way apresentavam composições "prolongadas" (que duravam mais de 20 minutos) que na verdade só foram "tocadas inteiramente" pelos músicos, no estúdio. Davis e o produtor Teo Macero selecionaram trechos musicais em várias partes das improvisações gravadas e editaram, juntando-os em uma peça musical única que só existe na versão dos discos. Bitches Brew fez uso de efeitos eletrônicos como multi-tracking, tape loops entre outras técnicas. Ambas gravações, especialmente Bitches Brew, tiveram altíssimas vendagens.

Começando por Bitches Brew, os álbuns de Davis apresentavam freqüentemente as capas dos álbuns em linha com a arte psicodélica e movimentos black power. Ele fez cortes significantes em seu cachê para poder abrir shows de grupos de rock como Steve Miller Band, o Grateful Dead e Santana. Vários álbuns ao vivo foram gravados durante o começo da década de 1970, como: It's About Time (Março de 1970), Black Beauty (abril de 1970) e At Fillmore (Junho de 1970).

Na época de Live-Evil em dezembro de 1970, o conjunto de Davis se transformou em um grupo mais orientado ao funk. Davis começou experimentando os efeitos do wah-wah em seu trompete. O grupo, com Gary Bartz, Keith Jarrett, Michael Henderson, Ndugu Leon, Don Alias e James Mtume, freqüentemente conhecidos como "Cellar Door band" (pois parte das gravações ao vivo de Live-Evil foram gravadas no clube de mesmo nome), nunca gravaram em estúdio, mas é documentado no Box Set de 6 Cd's: The Cellar Door Sessions, que foram gravadas cerca de quatro noites em dezembro de 1970.

Em 1970, Davis contribuiu para a trilha sonora de um documentário sobre o boxeador afro-americano Jack Johnson. Ele próprio um fanático por boxe. Davis traçou um paralelo entre Johnson, cuja carreira foi marcada pela infrutífera busca por uma "grande esperança branca" para destroná-lo, e a sua própria carreira, na qual ele sentiu que a acomodação o privou de receber o reconhecimento e as recompensas de que lhe eram devidas. O álbum resultante, A Tribute to Jack Johnson de 1971, contém duas longas faixas que utilizou músicos (alguns até não creditados no álbum) incluíndo os guitarristas John McLaughlin e Sonny Sharrock, Herbie Hancock em um órgão Farfisa estragado e o baterista Billy Cobham.

Assim como ele citou em sua autobiografia, Davis queria fazer música para o jovem público afro-americano. On the Corner (1972) juntou elementos do funk com estilos tradicionais do jazz que ele havia tocado em toda sua carreira. Este álbum foi realçado pela aparição do saxofonista Carlos Garnett. Este álbum provocou um feroz menosprezo dos críticos, como um crítico britânico cita: "Eu amo a música de Miles, mas é agora onde eu saio fora." Em sua autobiografia, Miles declara que essa desaprovação seria porque nenhum crítico poderia categorizar a música, queixando-se também que o álbum era divulgado em estações de rádio de jazz "tradicional".

Após gravar On the Corner, Davis formou um novo grupo somente com Michael Henderson, Carlos Garnett e o percussionista Mtume voltando do grupo anterior. Ingressaram o guitarrista Reggie Lucas, o tocador de tabla Badal Roy, Khalil Balakrishna tocando sitar e o baterista Al Foster. Na época nenhum dos músicos secundários eram grandes instrumentistas de jazz; como resultado, a música enfatizava mais as mudanças estruturais e a densidade rítmica ao invés dos solos individuais. Este grupo, que gravou no Philharmonic Hall para o álbum In Concert de 1972, foi insatisfatório para Miles Davis. Através da primeira metade de 73, ele tirou a tabla e o sitar, assumiu os teclados, e adicionou o guitarrista Pete Cosey. O conjunto Davis/Cosey/Lucas/Henderson/Mtume/Foster permaneceria intacto nos próximos dois anos. Inicialmente, Dave Liebman tocou saxofone e flauta com o grupo. Em 1974, ele foi substituído por Sonny Fortune.

Big Fun (1974) foi um álbum duplo contendo quatro longas jams gravadas entre 1969 e 1972. Semelhante, Get Up With It de 1975 coletou gravações dos cinco anos anteriores. Get Up With It incluiu "He Loved Him Madly", um tributo a Duke Ellington, assim como uma das mais elogiadas peças de Miles Davis daquela época, "Calypso Frelimo". Este foi seu último álbum de estúdio da década de 1970.

Em 1974 e 1975, a Columbia gravou três LP's duplos de shows ao vivos de Davis: Dark Magus. Agharta e Pangaea. Dark Magus é um concerto de 1974 em Nova Iorque; os outros dois são gravações de concertos consecutivos do mesmo dia de Fevereiro de 1975 em Osaka, Japão. Nessa época, apenas Agharta foi disponível nos Estados Unidos, Pangaea e Dark Magus foram inicialmentes lançados apenas pela CBS/Sony Japão. Todas os três álbuns apresentavam no mínimo dois guitarristas (Reggie Lucas e Pete Cosey, exibindo um conjunto de aparelhos de distorções eletrônicas pós-Hendrix; Dominique Gaumont é o terceiro guitarrista em Dark Magus), baixo elétrico, bateria, e Davis no trompete elétrico e no órgão. Estes álbuns seriam os últimos que ele gravaria pelos próximos cinco anos. Davis estava com osteoartrite (o que o levou a fazer uma operação na bacia em 1976, a primeira de muitas), anemia falciforme, bursite, depressão, úlceras e uma nova dependência em álcool e drogas (principalmente heroína), suas performances foram repetidamentes pausadas no final de 1974 e no começo de 75. Na época o grupo viajou ao Japão em Fevereiro de 1975, Davis estava em estado físico preocupante e requeria várias dose de vodka e narcóticos para completar seus compromissos.

Depois do Festival de Jazz de Newport no Avery Fisher Hall em Nova Iorque em 1 de Julho de 1975, Miles Davis retirou-se quase que por completo do público por seis anos. Como Gil Evans disse: "Seu organismo está cansado. E depois de toda a música que ele contribui por 35 anos, ele precisa de um descanso."

Davis caracterizou este período em sua autobiografia como uma época colorida onde várias mulheres esbanjavam seu dinheiro com sexo e drogas. Na realidade, ele se tornou completamente dependente de várias drogas, gastando quase todo seu tempo deitado no sofá em seu apartamento assistindo televisão, saindo somente para conseguir mais drogas. Em 1976, a revista Rolling Stone relatou rumores de sua possível morte. Embora ele tenha parado de praticar trompete regularmente, Davis continuou compondo intermitentemente e fez três tentativas, nas gravações durante seu exílio, de fazer um show; estas sessões (uma com assistência de Paul Buckmaster e Gil Evans, que saiu depois de não receber uma promessa de pagamento) durou pouco tempo e permaneceu não lançada.

Em 1979, ele ficou entre os "Top 10" da revista Down Beat naquele ano. A Columbia Records continuou lançando compilações suas e gravações de materias não lançados para preencher as obrigações contratuais.

Durante este período de inatividade, Davis viu a música fusion, que ele tinha estado na vanguarda na década passada, entrando para a mainstream. Quando ele saiu de seu retiro, os descendentes musicais de Miles Davis estariam no âmbito do rock new wave, e mais em particular no estilo de Prince.

[editar] Década Final - de 1981 a 1991

Miles em Bad Segeberg, Alemanha em 1984

Em 1979, Miles tinha voltado seu relacionamento com a atriz Cicely Tyson. Com Tyson, Davis iria superar seu vício com as drogas e recuperar seu entusiasmo pela música. Como ele tinha parado de tocar trompete há quase três anos, recuperar sua embocadura no instrumento provou ser particularmente árduo para ele. Enquanto gravava The Man with the Horn (foram sessões separadas esporadicamente entre 1979 a 1981), Miles tocou seu trompete na maior parte com wah-wah, com um jovem e grande grupo. Ele se casou com Tyson em 1981; e se divorciariam em 1988.

Esse seu grande grupo inicial foi conseqüentemente sendo abandonado, indo em direção a um pequeno conjunto com o pianista Bill Evans e o baixista Marcus Miller, ambos estariam entre os colaboradores mais regulares de Davis através da década. The Man with the Horn seria finalmente lançado em 1981 e recebera uma crítica ruim apesar de ter vendido razoavelmente bem. Em Maio, o novo grupo tocou em duas datas como parte do Festival de Jazz de Newport. Os concertos, assim como a gravação ao vivo We Want Miles de sua turnê seguinte, receberam análises críticas positivas.

No final de 82, o grupo de Davis incluindo o percussionista francês Mino Cinelu e o guitarrista John Scofield, com quem ele trabalhou no álbum Star People. Na metade do ano de 83, enquanto trabalhava nas faixas de Decoy, um álbum misturando soul music e eletrônica que foi lançado em 1984, Miles trouxe como produtor, compositor e tecladista Robert Irving III, quem tinha colaborado antes com Miles em The Man with the Horn. Com um grupo de sete integrantes, incluindo Scofield, Evans, o tecladista e diretor musical Irving, o baterista Al Foster e o baixista Darryl Jones (mais tarde nos Rolling Stones). Miles tocou uma série de sessões na Europa para buscar um recebimento positivo de seus fãs. Enquanto estava na Europa, ele fez parte da gravação de Aura, um tributo para Miles Davis composto pelo trompetista dinamarquês Palle Mikkelborg.

You're Under Arrest foi o próximo álbum de Miles Davis, lançado em 1985, abrangeu uma outra breve mudança sua de estilo. No álbum incluiu como uma de suas interpretações, a balada de Cyndi Lauper "Time After Time" e "Human Nature" de Michael Jackson. Davis mencionou que hoje muitos dos standards de jazz aceitos foram de fato músicas pop do teatro da Broadway naquela época, e ele estava apenas "atualizando" o seu repertório com novo material.

You're Under Arrest foi o último álbum de Miles para a Columbia. O trompetista Wynton Marsalis repudiou publicamente as recentes gravações de Miles naquela época, como não sendo o "verdadeiro jazz". Comentários aos quais Davis foi indiferente, chamando Marsalis de "um jovem cara legal, mas apenas confuso".

Miles ficou irritado com a demora da Columbia em lançar Aura e talvez, também ciúmes por causa da quantia extraordinária para publicidade que o selo tinha concedido a Marsalis. O ponto final da relação selo/artista foi quando um produtor de jazz da Columbia pediu a Miles que desse um telefonema de aniversário a Wynton Marsallis. Miles assinaria com a Warner Brothers logo após.

Davis trabalhou com vários artistas do movimento new wave britânico, incluindo Scritti Politti.^[8] Por convite do produtor Bill Laswell, Davis gravou algumas partes com trompete durante as sessões do álbum Album, do grupo Public Image Ltd, que constam no box Plastic Box do grupo. Nas palavras de Lyndon, "foi esquisito, nós não usamos (suas contribuições)." De acordo com Lydon, Davis comparou sua voz com o som de seu trompete.^[9]

Gravando pela primeira vez para o grupo contra o apartheid Artists United Against Apartheid. Davis assina logo após com a Warner Brothers, voltando a gravar com Marcus Miller. O resultado dessa gravação é o álbum Tutu (1986), seria seu primeiro álbum a usar ferramentas modernas de estúdio - sintetizadores programados, samples e loops de baterias - para criar um novo modo de Davis tocar. Ganhou análises positivas no seu lançamento, o álbum seria freqüentemente descrito como a cópia moderna do clássico Sketches of Spain, ganhando um Grammy em 1987.

Após Tutu ele lança o álbum Amandla, outro trabalho com Miller e com George Duke, além das trilhas sonoras para quatro filmes: Street Smart, Siesta, The Hot Spot e Dingo. Ele continuou viajando com seu grupo, constantemente alternando seus integrantes. Suas últimas gravações, ambas lançadas postumamentes, foram o álbum Doop-Bop, bastante influenciado pelo hip hop e Miles & Quincy Live at Montreux, um trabalho com Quincy Jones para o festival de Jazz de Montreux no qual Miles tocou seu repertório de gravações dos anos 1960 pela primeira vez em décadas.

Em 1988 ele atuou em um pequeno trecho do filme Scrooged com Bill Murray, no qual ele era um músico de rua.

Davis recebeu em 1990 o Grammy Lifetime Achievement Award.

No começo de 1991, ele assistiu ao lançamento do filme de Rolf de Heer, Dingo. Estrelando Colin Friels como um frustrado trompetista de jazz da Austrália que vai em busca de seu sonho de encontrar e tocar com Billy Cross, uma lenda do jazz fictícia interpretada por Miles Davis. Na seqüência de abertura do filme, Davis e sua banda inesperadamente vão parar em uma remoto deserto da Austrália e começam a tocar para os habitantes desse local. A apresentação incentiva o personagem principal (Colin Friels) a ir em busca de seu sonho. Foi uma das últimas performances filmadas de Miles Davis.

[editar] Morte - 1991

Miles Davis faleceu em 28 de Setembro de 1991 de AVC, pneumonia e insuficiência respiratória, em Santa Mônica, Califórnia, com 65 anos. Ele foi enterrado no Woodlawn Cemetery, no Bronx, Nova Iorque.

[editar] Prêmios

• Ganhador; Down Beat Reader's Poll 1955
• Ganhador; Down Beat Reader's Poll 1957
• GRAMMY Award por Melhor Composição de Jazz Com Duração Maior de Cinco Minutos para Sketches of Spain (1960)
• GRAMMY Award por Melhor Performance de Jazz, Grupo ou Solista para Bitches Brew (1970)
• GRAMMY Award por Melhor Performance de Jazz Instrumental, Solista por We Want Miles (1982)
• Sonning Award por Conjunto da Obra (1984; Copenhagen, Dinamarca)
• Doctor of Music, honoris causa (1986; New England Conservatory)
• GRAMMY Award por Melhor Performance de Jazz Instrumental, Solista por Tutu (1986)
• GRAMMY Award por Melhor Performance de Jazz Instrumental, Solista por Aura (1989)
• GRAMMY Award por Melhor Performance de Jazz Instrumental, Big Band por Aura (1989)
• Grammy Lifetime Achievement Award (1990)
• Australian Film Institute Award por Melhor Música Original por Dingo, compartilhado com Michel Legrand (1991)
• Nomeado para a Legião de Honra (16 de Julho, 1991; Paris)
• GRAMMY Award por Melhor Performance de R&B Instrumental por Doo-Bop (1992)
• GRAMMY Award por Melhor Performance de Conjunto de Jazz por Miles & Quincy Live at Montreux (1993)
• Estrela na Calçada da Fama (19 de Fevereiro, 1998)
• Inserido ao Salão da Fama do Rock and Roll (13 de Março, 2006)
• Inserido ao Hollywood Rockwalk (28 de Setembro, 2006)
• Triplo de Platina pela RIAA por Kind of Blue
• St. Louis Walk of Fame

[editar] Discografia

Ver artigo principal: Discografia de Miles Davis

Referências

[editar] Bibliografia

• Carr, Ian. Miles Davis. ISBN 0006530265.
• Chambers, Jack. Milestones: The Music and Times of Miles Davis. ISBN 0306808498.
• Cole, George. The Last Miles: The Music of Miles Davis 1980 – 1991. ISBN 1904768180.
• Davis, Miles & Troupe, Quincy. Miles: The Autobiography. ISBN 0671635042.
• Dark Magus: The Jekyll & Hyde Life of Miles Davis. ISBN 9780879308759.
• Early, Gerald. Miles Davis and American Culture. ISBN 1883982375 cloth, ISBN 1883982383, paper.
• Szwed, John. So What: The Life of Miles Davis. ISBN 0434007595.
• Tingen, Paul. Miles Beyond: The Electric Explorations of Miles Davis, 1967-1991. ISBN 0823083608.
• Mandel, Howard (2007). "Miles, Ornette, Cecil: Jazz Beyond Jazz". Routledge. ISBN 0415967147.
• Revista O Viés. A vida e as revoluções de Miles Davis
• Teixeira, Rafael. Milhas à frente
• Teixeira, Rafael. Milhas à frente (mirror)

[editar] Ligações externas

O Wikiquote possui citações de ou sobre: Miles Davis

O Wikimedia Commons possui multimédia sobre: Miles Davis.

• Site oficial
• Site oficial da Sony Music
• Miles Ahead Site dedicado a Miles Davis, contém um extenso banco de dados de sessões e discografia.
• The Sound of Miles Davis Site dedicado as gravações pioneiras de Miles Davis por Jan Lohmann.
• Miles Beyond Livro e site de Paul Tigen sobre a música elétrica de Miles Davis, 1967-1991.
• The Last Miles Site e livro de George Cole sobre a última década da música de Miles Davis.
• Milestones: A Miles Davis Collector's Site Site contendo muito material sobre Miles Davis.
• Miles Davis no AllMusic.com
• Miles Davis (em inglês) no Internet Movie Database
• Biografia de Miles Davis no registro Afro-Americano
• Filhos de Miles: Entrevistas e Biografias de Miles Davis e os músicos influenciados por ele
• Miles Davis no site All About Jazz

v • e Miles Davis
The Birth of the Cool (1945-1956)	The Complete Savoy and Dial Sessions · First Miles · Yardbird in Lotus Land · The Songs of Mr. B · Bopping the Blues · Flying Home · Cool Bird · The Band that Never Was · Bird on 52nd Street · Bird at the Royal Roost · The Real Birth of the Cool · Cool Boppin' · Birth of the Cool · Conception · Blue Period · Dig · Miles Davis and Horns · Miles Davis Volume 1 · Miles Davis Volume 2 · Blue Haze · Walkin' · Collectors' Items · Bags' Groove · Miles Davis and the Modern Jazz Giants · Musings of Miles · Blue Moods · Quintet / Sextet · Miles: The New Miles Davis Quintet · Cookin' with The Miles Davis Quintet · Relaxin' with The Miles Davis Quintet · Workin' with The Miles Davis Quintet · Steamin' with The Miles Davis Quintet
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Compilações	Birth of the Cool · Miles Davis Volume 1 · Miles Davis Volume 2 · Basic Miles · Circle in the Round · Directions · The Columbia Years · Super Hits · The Essential Miles Davis
Box sets	The Complete Columbia Recordings of Miles Davis with John Coltrane · Miles Davis & Gil Evans: The Complete Columbia Studio Recordings · Seven Steps: The Complete Columbia Recordings of Miles Davis 1963–1964 · The Complete Studio Recordings of The Miles Davis Quintet 1965–1968 · The Complete In a Silent Way Sessions · The Complete Bitches Brew Sessions · The Complete Jack Johnson Sessions · The Complete On the Corner Sessions · In Person Friday and Saturday Nights at the Blackhawk, Complete · The Complete Live at the Plugged Nickel 1965 · The Cellar Door Sessions · Miles Davis: The Complete Columbia Album Collection
Composições	"All Blues" · "Blue in Green" · "Flamenco Sketches" · "Freddie Freeloader" · "Milestones" · "So What" · "Solar" · "Donna Lee"
Categoria:Miles Davis · Discografia

Norah Jones
Norah Jones com o Bright Eyes no Town Hall, 29 de Maio de 2007.
Informação geral
Nome completo	Geethali Norah Jones Shankar
Nascimento	30 de Março de 1979 (33 anos) Nova Iorque, NY  Estados Unidos
Gêneros	Blues,jazz, country, pop
Instrumentos	Vocal, piano/ teclados, guitarra
Período em atividade	2001 – presente
Gravadora(s)	Blue Note Records (2002-presente)
Afiliações	Wax Poetic, The Little Willies, El Madmo
Página oficial	Site oficial

Norah Jones (Brooklyn, 30 de Março de 1979) é uma pianista, cantora e compositora estadunidense. Nascida Geetali Norah Jones Shankar, mudou oficialmente seu nome aos dezesseis anos.

[editar] Biografia

[editar] Início

Norah nasceu na cidade de Nova Iorque, filha do tocador de sitar indiano Ravi Shankar, tendo vivido sua infância com sua mãe, Sue Jones, que se mudou para Dallas, Texas, quando Norah tinha quatro anos. Jones estudou no Booker T. Washington High School for the Performing and Visual Arts e na University of North Texas, onde formou-se em jazz piano. Em 1999, após dois anos no programa, Norah voltou para Nova Iorque, onde toca com sua banda, Wax Poetic.

[editar] Atualmente

Norah é uma musicista premiada (multi-Grammy Award) cuja carreira foi impulsionada em 2002 com seu álbum de estreia Come Away With Me, um álbum jazz piano com um toque de soul/folk, que obteve um grande êxito vendendo vinte e três milhões de cópias em todo mundo. Norah Jones obteve oito premiações nos Grammy Awards de 2003, incluindo o de "Best New Artist". Seu álbum Feels Like Home lançado em 9 de Fevereiro de 2004, foi mais influenciado pela música country ao invés de repetir o estilo suave de Come Away With Me. Com uma semana de lançamento, Feels Like Home havia vendido um milhão de cópias. Naquele mesmo ano, a revista TIME listou Jones entre as "pessoas mais influentes de 2004". Jones recebeu três prêmios nos Grammy Awards de 2005, dois para "Record of the Year" pela sua colaboração com Ray Charles na música Here We Go Again.

O álbum Not Too Late de 2007, conta 13 canções originais de autoria ou co-autoria de Norah com produção de Lee Alexander, há muito tempo seu parceiro de composição e baixista. Destaques para "Sinkin´ Soon", com os vocais do cantor-compositor M. Ward, e "Thinking About You", que Norah compôs com o líder da Wax Poetic, Ilhan Ersahin, em 1999.

Jones namorou seu baixista Lee Alexander por muito tempo, porém eles terminaram a relação em janeiro de 2008.^[1]

Em 2007, Norah teve sua estreia como atriz e protagonista em "My Blueberry Nights" - Um Beijo Roubado, filme de Wong Kar-wai^[1]. O filme abriu o festival de Cannes. Norah já havia participado em especiais como na Vila Sesamo Apresenta, cantando "Don't Know Why".

Em 2009 lança o álbum The Fall^[1] e em 2010 uma coletânea ...Featuring com colaborações e parcerias de vários cantores famosos incluindo Ray Charles.

[editar] Projetos Paralelos

• The Little Willies

Em 2003, formou The Little Willies, que conta com Norah no piano e voz, Richard Julian nos vocais, Lee Alexander no baixo, Jim Campilongo nas guitarras, e Dan Rieser na bateria. O primeiro álbum lançado pela banda (The Little Willies, de 2006) traz regravações de canções de Willie Nelson, Hank Williams, Fred Rose, Townes Van Zandt e Kris Kristofferson. Em novembro de 2011 foi divulgado o lançamento do segundo álbum "For the Good Times" para o início de 2012.^[2]

• El Madmo^[3]

Banda de rock alternativo formada por Norah Jones como Maddie, Daru Oda and Richard Julian. O único álbum (El Madmo) foi lançado em 2008.

[editar] Retorno ao Brasil

Norah Jones no Parque da Independência em 2010

Norah Jones que já se apresentou no Brasil em 2004 na turnê do primeiro álbum, retornou em 2010 divulgando o álbum The Fall nas seguintes cidades: (São Paulo, Rio de Janeiro, Porto Alegre e Curitiba).^[4] Sua apresentação em São Paulo rendeu um público de 40 mil pessoas ^[5], ^[6], sendo que 18 mil ficaram nas ruas e calçadas ao redor do Parque da Independência porque chegaram tarde demais e pela super lotação, segundo a Polícia Militar. A artista cantou quase todas as faixas de The Fall sem esquecer das músicas antigas. A apresentação durou 1h30 dentro de 22 músicas e em algumas falas com o público deixou a timidez e em alguns momentos ria com o público sem esquecer do ótimo sotaque português ali dito: "Obrigada por virem, acho que esse é o maior público que já cantei. Vocês ali no fundo, balance os braços", diz a cantora se referindo às pessoas que não conseguiram entrar.

[editar] Discografia

[editar] Álbuns de estúdio

• Come Away with Me (2002)
• Feels Like Home (2004)
• Not Too Late (2007)
• Stay with Me (2008)
• The Fall (2009)
• Little Broken Hearts^[7] (2012)

[editar] Coletâneas

• ...Featuring (2010)

[editar] EP

• First Sessions (2001)

[editar] Clipes

• Don't Know Why (2002)
• Come Away With Me (2002)
• What Am I To You (2004)
• Those Sweet Words (2004)
• Sunrise (2004)
• Until The End (2007)
• Sinkin' Soon (2007)
• Thinking About You (2007)
• Chasing Pirates (2009)
• Young Blood (2010)
• Happy Pills (2012)

[editar] DVD

• Norah Jones & The Handsome Band: Live In 2004
• Live In New Orleans
• Come Away With Me (Deluxe Edition) CD+DVD
• Feels Like Home (deluxe Edition) CD+DVD
• Not Too Late (deluxe Edition) CD+DVD

[editar] Prêmios

[editar] Grammy

O prêmio Grammy é realizado desde 1958.Norah Jones ganhou no total doze Grammys, é tendo seis indicações.

[editar] Ligações externas

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• Página oficial
• Biografia (em espanhol)
• Página não-oficial
• The rising star of Norah Jones - BBC News article on Jones's career
• Keeping Up With The Jones

Referências

Bruno Mars
Brunomarsisawesome.jpg O cantor se apresentando em Las Vegas, em Setembro de 2010.
Informação geral
Nome completo	Peter Gene Hernandez
Apelido	Bruno Mars
Nascimento	8 de Outubro de 1985 (26 anos)
Local de nascimento	Honolulu, Havaí  Estados Unidos
Gêneros	Pop, R&B, soul, hip-hop
Ocupação	Cantor, compositor
Instrumentos	Vocais, bateria, guitarra, piano, violão, harmónica
Período em atividade	2007 — presente
Outras ocupações	Produtor, arranjador vocal, multi-instumentista, modelo, dançarino
Gravadora(s)	Elektra Records, Atlantic Records
Afiliações	The Smeezingtons, B.o.B, Travie McCoy, Cee Lo Green, Flo Rida, Charice, David Guetta, Chris Brown, Lil Wayne
Influência(s)	Michael Jackson, Elvis Presley, The Beatles, Led Zeppelin, The Police, Bob Marley, James Brown
Página oficial	BrunoMars.com

Peter Gene Hernandez (Honolulu, 8 de Outubro de 1985^[1]), mais conhecido pelo nome artístico Bruno Mars, é um cantor, compositor, produtor musical, e multi-instrumentista norte-americano de ascendência filipina e porto-riquenha, nascido e criado no Havaí. Vindo de uma família com uma grande tradição musical, Mars começou a cantar e a se apresentar como um artista amador durante a infância. Depois de se formar no Ensino Médio, decidiu mudar-se para a cidade californiana de Los Angeles, com o objectivo de investir cada vez mais em sua carreira musical. Em Los Angeles, ele formou a equipa de produtores The Smeezingtons, ao lado de Philip Lawrence e Ari Levine.

Depois do seu fracasso com a editora discográfica Motown Records, Mars assinou com a Atlantic Records em 2009. Durante os primeiros meses como artista da editora, ele co-escreveu os arranjos e fez participações em músicas como "Nothin' on You" (2010), do rapper B.o.B, e "Billionaire" (2010), do cantor americano Travie McCoy. Também participou da composição dos êxitos mundiais "Right Round" (2009), do rapper Flo Rida com participação de Kesha, "Wavin' Flag" (2010), do cantor somali K'naan, e "Fuck You!" (2010), de Cee Lo Green. Em Outubro de 2010, lançou o seu álbum de estúdio de estreia, Doo-Wops & Hooligans. O álbum atingiu o seu pico na terceira colocação da tabela musicalBillboard 200 nos EUA, e recebeu o certificado de disco de platina pela Recording Industry Association of America (RIAA) após vender mais de um milhão de cópias.

Seu primeiro single como artista principal, "Just The Way You Are" (2010), ocupou a primeira posição da tabela de singles americana Billboard Hot 100 por quatro semanas consecutivas. O segundo e mais bem sucedido single de Mars até hoje, "Grenade" (2010), ocupou a mesma posição por oito semanas não consecutivas. O sucesso dos dois singles nos Estados Unidos fazem de Mars um dos seis artistas masculinos na história que alcançaram o topo da Billboard com os dois primeiros singles do mesmo álbum, e o primeiro a fazê-lo em treze anos. Comparado a lendários artistas como Little Richard, Michael Jackson e Elvis Presley, o intérprete é considerado um dos mais "versáteis e completos artistas de música pop da actualidade", segundo um crítico da revista The New York Times.^[2]

Em 2011, os seus dois primeiros singles foram os campeões de vendas a nível mundial. "Just the Way You Are" vendeu mais de 12,5 milhões de exemplares, e "Grenade", 10,2 milhões. "The Lazy Song", o terceiro single de Doo-Wops and Hooligans, foi a décima canção mais vendida, registando mais de 6,5 milhões. A soma das vendas dos três singles é igual a 28 milhões de unidades.^[3][4]

[editar] Primeiros anos

Mars foi criado no bairro de Waikiki, Havai.

Peter Gene Hernandez nasceu e foi criado no bairro de Waikiki, na cidade de Honolulu, Havai. Seu pai, Pete Hernandez, tem nacionalidade porto-riquenha, e a sua mãe, Bernadette "Bernie" Hernandez, é filipina.^[5][6][7][8] Sua mãe emigrou para o Havai em criança, e o seu pai mudou-se para a ilha nova-iorquina de Brooklyn.^[9] Com seis anos de idade, Peter foi apelidado de "Bruno" pelo seu pai, devido a sua semelhança com o jogador de wrestling profissional Bruno Sammartino.^[10] Os pais de Mars se conheceram durante um concerto, onde a sua mãe era uma dançarina de hula, e o seu pai tocava percussão.^[9] Mars era um dos seis filhos do casal, e veio de uma família musical, que o expôs a uma mistura diversificada dos géneros reggae, rock, hip hop e rhythm and blues (R&B).^[11][12] Além de dançarina, sua mãe era cantora, e o seu pai usou a sua habilidade musical para interpretar canções de rock n roll de Little Richard.^[13] O tio de Peter era um imitador de Elvis Presley. Com de três anos de idade, o seu tio o tinha levado a um espectáculo, onde este cantou músicas de Michael Jackson, The Isley Brothers, e The Temptations.^[7] Aos quatro anos, Peter começou a se apresentar por cinco dias por semana com a banda da sua família, The Love Notes, na qual ele ficou conhecido na ilha por sua personificação de Elvis Presley.^[14]

Em 1990, Mars apareceu na revista MidWeek como "Little Elvis", passando a ter uma participação especial no filme Honeymoon in Vegas (1992).^[7][16] Mais tarde, ele reflectiu sobre a influência que Elvis tinha em sua música: "Eu vejo o melhor. Eu sou um grande fã de Elvis. Eu sou um grande fã do Elvis dos anos 50, quando ele sobe no palco e assusta as pessoas, porque ele era uma força e as meninas enlouqueciam! Você pode dizer a mesma coisa sobre o Prince ou o The Police. São apenas rapazes que sabem que as pessoas estão lá para ver um concerto, assim, eu assisto esses rapazes e adoro estudá-los porque eu sou um fã".^[17] Em 2003, pouco depois de se formar na Escola Secundária Presidente Theodore Roosevelt, com a idade de dezessete anos, Peter se mudou para Los Angeles, Califórnia, para prosseguir uma carreira musical.^[18]

[editar] Carreira

[editar] 2004—2010: Início da carreira e It's Better If You Don't Understand

Ver artigo principal: It's Better If You Don't Understand

O cantor realizando uma performance em Las Vegas, Nevada, e Setembro de 2010.

Pouco depois de se mudar para Los Angeles, assinou um contrato discográfico com a editora Motown Records em 2004, em um acordo que "não deu em nada".^[19] No entanto, a experiência do artista com a Motown provou ser benéfica para a sua carreira, quando ele conheceu o compositor e produtor Philip Lawrence, que também trabalhava na editora. Mars, Lawrence, e o engenheiro Ari Levine começaram a escrever músicas juntos, e formaram a equipa de produção The Smeezingtons. Em 2006, Lawrence apresentou Mars ao seu futuro gerente na editora Atlantic Records, Aaron Bay-Schuck.^[19] Depois de ouvi-lo tocar duas canções no violão, Bay-Schuck quis contratá-lo imediatamente, mas demorou cerca de três anos para a Atlantic finalmente assinar com Bruno.^[20] Enquanto isso, Bay-Schuck contratou o cantor e os The Smeezingtons para escreverem e produzirem canções para artistas da editora.^[20] De acordo com Aaron, em uma entrevista com o sítio HitQuarters, Mars tinha afirmado que seu objectivo final era ser um artista a solo, e que estava disposto a escrever e produzir para outros artistas, tanto para ajudar a melhorar as ,suas composições e ajudá-lo a descobrir o tipo de artista que ele finalmente queria ser.^[20]

Antes de se tornar num artista a solo bem sucedido, Hernandez foi um reconhecido produtor musical, tendo composto músicas para artistas como Alexandra Burke, Travie McCoy, Adam Levine, Brandy, Sean Kingston, e Flo Rida.^[11][21] Ele também co-escreveu o êxito "Get Sexy" (2009), da banda Sugababes, e ofereceu vocais de apoio no álbum Sweet 7 (2010). Sua primeira aparição musical como cantor foi na faixa "3D" do segundo álbum de estúdio da banda Far East Movement, Animal (2009).^[22] Ele também fez uma participação no single de estreia do cantor de hip hop Jaeson Ma, "Love", em Agosto de 2009.^[23][24][25] Bruno alcançou proeminência como um artista solo depois de fazer uma participação e co-escrever as canções "Nothin' on You", do rapper B.o.B, e "Billionaire", de Travie McCoy, tendo ambas as canções alcançado as dez melhores posições de vários países, incluindo os Estados Unidos.^{[26][27][28][29]} A 11 de Maio de 2010, foi lançado o seu primeiro extended play (EP), It's Better If You Don't Understand.^[30] O EP atingiu o seu pico na nonagésima nona posição da tabela Billboard 200, e gerou somente um single, "The Other Side", que conta com as participações de Cee Lo Green e B.o.B.^[31][32] Mars colaborou com Green mais uma vez em Agosto de 2010, ao co-escrever o single "Fuck You!". Nos MTV Video Music Awards de 2010, Bruno interpretou uma mistura de "Nothin' on You" e "Airplanes" com B.o.B e Hayley Williams.^[33]

Eu acho que essas músicas não foram feitas para serem cantadas por uma só voz. Se eu tivesse cantado "Nothin 'on You" sozinho, ela poderia ter soado como R&B.

— Mars falando sobre a sua participação em "Nothin' on You".

[editar] 2010—presente: Doo-Wops & Hooligans

Ver artigo principal: Doo-Wops & Hooligans

Mars realizando uma performance em Houston, Texas, em Novembro de 2010.

A 4 de Outubro de 2010 foi lançado o álbum de estúdio de estreia do artista, Doo-Wops & Hooligans, para o formato digital. Em sua primeira semana de comercialização, estreou no número três da Billboard 200 na semana de 13 de Outubro de 2010, vendendo somente 55 mil cópias.^[34][35][36] Mais tarde, recebeu o certificado de disco de platina pela Recording Industry Association of America (RIAA) pelo embarque de mais de um milhão de exemplares,^[37][38] e foi o terceiro álbum mais vendido do Reino Unido em 2011, tendo comercializado mais de 1,214,420 unidades.^[39] O primeiro single do álbum, "Just the Way You Are" — lançado antes do álbum — se posicionou no topo da Billboard Hot 100,^[40] bem como em várias outras tabelas musicais.^[41] O seu vídeo musical, dirigido por Ethan Lader e lançado a 8 de Setembro de 2010, apresenta a actriz peruana-australiana Nathalie Kelley.^[42] O segundo single do álbum, "Grenade" (2010), teve também um desempenho gráfico muito bom, tendo alcançado a primeira posição das tabelas de quinze países, incluindo os EUA e a Austrália.^[43][44] Em Outubro de 2010, o cantor abriu a digressão Hand All Over Tour, da banda inglesa Maroon 5, e juntou-se a McCoy em uma digressão europeia que teve seu início a 18 de Outubro de 2010.

A 19 de Setembro de 2010, Mars foi preso na cidade de Las Vegas, Nevada, por posse de cocaína. Ao falar com um agente da polícia, o intérprete teria afirmado que o que ele fez foi "insensato" e que "nunca usou drogas antes". Bruno considerou-se culpado do crime de posse de drogas, e em troca de sua confissão, foi informado que as acusações seriam apagadas de sua ficha criminal, visto que ele ficou fora de problemas por um ano, e pagou uma multa de USD 2 mil, fez duzentas horas de serviço comunitário, e concluiu um curso de aconselhamento de drogas. A 13 de Fevereiro de 2011, o artista venceu o seu primeiro Grammy Award, tendo ganho um prémio na categoria "Melhor Performance Pop Vocal Masculina", e recebeu seis nomeações: "Melhor Canção de Rap" e "Melhor Colaboração Rap/Sung" por "Nothin' on You", "Gravação do Ano" por "Nothin' on You" e "Fuck You", "Canção do Ano" por "Fuck You", e "Produtor Não-Clássico do Ano" na sua quinquagésima terceira cerimónia anual.

A 16 de Setembro de 2011, o grupo Bad Meets Evil lançou o single "Lighters", que conta com uma participação vocal de Mars. A canção foi recebida com críticas mistas pelos críticos especializados em música contemporânea, e Mars foi muito criticado por fazer esse tipo de música. Em Setembro de 2011, foi anunciado na página oficial do cantor que a canção "It Will Rain" iria aparecer na banda sonora do filme The Twilight Saga: Breaking Dawn - Part 1. Em 30 de Outubro do mesmo ano, o intérprete fez uma apresentação exclusiva da canção "Runaway Baby" no reality show britânico The X Factor, no mesmo dia que recebeu seis nomeações para o Grammy: "Álbum do Ano" e "Melhor Álbum Pop Vocal" por Doo-Wops & Hooligans, "Gravação do Ano", "Canção do Ano" e "Melhor Performance Solo Pop" por "Grenade", e "Produtor Não-Clássico do Ano" na sua quinquagésima quarta cerimónia anual.

[editar] Estilo musical

Mars foi fortemente influenciado por Michael Jackson e por Elvis Presley, ícones da música mundial

A música de Mars tem sido notada por dispôr uma grande variedade de estilos e influências, incluindo o pop,^[45] rock,^[45] reggae,^[45] rhytm and blues,^[46] soul,^[47] e hip hop.^[48] O seu co-produtor, Phillip Lawrence, disse: "O que as pessoas não sabem é que existe um lado fraco de Bruno Mars." O próprio Mars diz: "Eu culpo isso em mim cantando para raparigas na secundária."^[49] Jon Caramanica, do The New York Times, chamou-o de "um dos mais versáteis e acessíveis cantores na [música] pop, com uma voz leve e influenciada pela [música] soul que é um encaixe simples na variedade de estilos, um dador universal."^[2] Mars foi incialmente influenciado por artistas de R&B como Michael Jackson, Keith Sweat, Jodeci, e R. Kelly, bem como rock 'n' roll dos anos 50 e Motown.^[50] Na escola secundária, ele começou a ouvir grupos de rock clássico, tais como The Police, Led Zeppelin, e os The Beatles.^[50] Todos estes géneros musicais influenciaram o estilo musical de Mars; ele observou que "não é facil [criar] canções com essa mistura de rock e soul e hip hop, e há apenas um punhado deles."^[50] O cantor tambem afirmou que é fã de Alicia Keys, Jessie J, Jack White, e The Saturdays.^[51]

Além disso, o cantor alega que este trabalho com outros artistas influenciou o seu estilo musical, dizendo que "'Nothin' on You' tinha uma vibração de Motown, 'Billionaire' era uma canção dirigida por uma guitarra acústica de reggae, conquanto, uma das minhas favoritas é a canção do Cee-Lo [Green]. Eu não acho que ningém poderia ter cantado aquela canção. E depois há 'Just the Way You Are'. Se você conhece a minha história, você sabe que eu amo todos os géneros musicais diferentes."^[52] Ele cita doo-wop como a influência principal da sua música, referindo-se ao género como "somente canções de amor sinceras - tão encantadoras e simples e românticas".^[52] Além disso, o intérprete afirma que crescer no Havai influenciou a sua música, dando às suas canções um som reggae. "No Havai, algumas das maiores estações de rádio são de reggae. As bandas locais são fortemente influenciadas por Bob Marley. Essa música une as pessoas. Não é música urbana ou música pop. São simplesmente canções. Isso é o que a faz cruzar tão bem. A canção vem em primeiro lugar."^[9]

Liricamente, muitas das obras musicais de Mars foram descritas como "sem preocupações", "para sentir-se bem" e optimistas,^[53] todavia, assuntos mais obscuros são endereçados para faixas como "Grenade", "Liquor Store Blues", e "Talking to the Moon", sendo que todas detalham relacionamentos que falharam e comportamentos auto-destrutivos.^[47][54]

[editar] Discografia

Ver página anexa: Discografia de Bruno Mars

Mars actuando em um concerto em Houston, Texas, em 24 de Novembro de 2010.

A discografia de Bruno Mars consiste em um álbum de estúdio, um extended play (EP), cinco singles, incluindo sete como artista principal, cinco como artista convidado, um promocional, e cinco vídeos musicais. Antes de sua carreira como artista solo, Mars esteve envolvido como um compositor e produtor musical com a sua equipa de produção, The Smeezingtons.^[55] A partir de 2008, ele co-escreveu e produziu músicas para muitos artistas, incluindo Brandy, K'naan, Sean Kingston, Mike Posner, Shontelle, e as Sugababes.^[56] Mars viu o sucesso em 2009, co-escrevendo o hit internacional de Flo Rida com participação de Kesha, "Right Round".^[55] No início de 2010, Mars apareceu em "Nothin' on You", o single de estreia do rapper americano B.o.B, que veio a alcançar o número um nos Estados Unidos e no Reino Unido.^[57][58][59] Mais tarde naquele ano, ele foi apresentado no single de estreia de Travie McCoy, "Billionaire", que alcançou o número quatro na Billboard Hot 100.^[60][61] Estes dois singles receberam o certificado de platina dupla nos EUA pela RIAA.^[62]

O EP de estreia de Mars, It's Better If You Don't Understand, foi lançado em Maio de 2010, como um prelúdio para o seu álbum de estreia, e gerou o single "The Other Side", com participação de B.o.B e Cee Lo Green.^[63][64] "Just the Way You Are", lançado em Julho de 2010, viu o sucesso internacional, permanecendo no topo da Billboard Hot 100 por quatro semanas consecutivas e atingindo o número um em vários países.^{[65][66][67][68][69]} A canção foi o primeiro single de seu primeiro álbum de estúdio, Doo-Wops & Hooligans, que foi lançado em Outubro de 2010, alcançando o número três na Billboard 200.^[70][71][72] O seu segundo single, "Grenade", chegou a número um na Austrália, Canadá, Nova Zelândia, Reino Unido e Estados Unidos.^[73][74][75] "Just the Way You Are", "Grenade", "Nothin 'on You" e "Billionaire" já venderam um total combinado de mais de 11 milhões de cópias nos EUA.^[76] O terceiro single do álbum, "The Lazy Song", também teve um grande sucesso nas tabelas musicais, atingindo a primeira posição na Dinamarca, Nova Zelândia e Reino Unido. O quarto single de Doo-Wops, "Marry You", teve um sucesso menor a nível gráfico, tendo se posicionado na posição 85 nos Estados Unidos.^[73] No entanto, a canção chegou ao topo na Polónia e na Eslováquia. Ainda em 2011, Mars gravou a canção "It Will Rain" para a banda sonora do filme The Twilight Saga: Breaking Dawn – Part 1. Se posicionou nas dez melhores em sete países, incluindo os EUA.^[73] O quinto e último single de Doo-Wops & Hooligans, "Count on Me", foi lançado em Novembro de 2011. Após ter atingido a décima terceira posição na Nova Zelândia, recebeu o certificado de platina tripla pelo embarque de mais de cinquenta mil exemplares.^[77]

[editar] Prémios e nomeações

Ver página anexa: Lista de prêmios e indicações recebidos por Bruno Mars

O repertório de prémios e nomeações de Bruno Mars consiste em setenta e oito nomeações e dezasseis prémios ganhos. Em 2011, Mars recebeu onze nomeações aos Billboard Music Awards, cinco pela canção "Just The Way You Are" e seis por sua profissão.^[81] Nos Grammy Awards, recebeu um total de onze nomeações e venceu uma na categoria "Melhor Performance Pop Vocal Masculina" por "Just The Way You Are".^[82] Na cerimónia de 2011 dos MTV Video Music Awards Japan, Bruno foi nomeado nas categorias "Melhor Vídeo Masculino" e "Melhor Cantor", tendo vencido a primeira.^[83] Em 2010, recebeu duas nomeações aos BET Awards nas categorias "Melhor Colaboração" e "Melhor Vídeo Masculino", mas venceu nenhuma delas.^[84]

No total, o artista venceu um Billboard Music Award, um Grammy Award, um People's Choice Award, um Soul Train Music Award, dois Teen Choice Awards, e dois MTV Europe Music Awards.^[85]

[editar] Digressões

Bruno Mars tem somente uma digressão: a The Doo-Wops & Hooligans Tour, lançada para divulgar o seu primeiro álbum de estúdio de mesmo nome.^[86] A digressão tem seis partes e até ao momento consiste em sessenta e oito apresentações. Visitou a América do Norte, a Europa, a Ásia, a Oceânia, a América Central e as Caraíbas. A sua estreia ocorreu no dia 16 de Novembro de 2010 na cidade californiana de San Francisco, e terminou no dia 2 de Novembro de 2011, quase um anos depois do início. O rapper Donis, da cidade de Atlanta, participou de alguns dos concertos de abertura e interpretou canções de seu extended play (EP), Fashionably Late. A cantora Janelle Monáe também abriu alguns concertos.^[87] Alem das canções de Doo-Wops and Hooligans, Mars também interpreta canções de It's Better If You Don't Understand.

Notas de rodapé