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Blues

Origines stylistiques	Musique acoustique Musique folk Chant de travail
Origines culturelles	Sud des États-Unis courant XIXe siècle
Instruments typiques	Guitare Saxophone Trompette Trombone Piano Batterie Chant Guitare basse Harmonica Contrebasse
Popularité	Le blues a une grande influence sur de nombreux styles de musique au XXe siècle (notamment aux États-unis et en Europe) par l'utilisation de la cadence spécifique et de la blue note.
Scènes régionales	Dans le monde entier, principalement aux États-Unis et au Royaume-Uni.

Sous-genres

Blues traditionnel - Kansas City Blues - Delta Blues - Chicago Blues - Texas Blues - New York Blues - British Blues - Blues rock - Blues français - Blues touareg

Genres associés

Bluegrass - Jazz - Rhythm and Blues - Rock 'n' roll

Le blues est un style musical vocal et instrumental, dérivé des chants de travail des populations afro-américaines apparues aux États-Unis courant XIX^e siècle. C'est un style où le (la) chanteur(euse) exprime sa tristesse et ses déboires (d'où l'expression « avoir le blues »). Le blues a eu une influence majeure sur la musique populaire américaine, puisqu'il est à la source du jazz, du rhythm and blues, du rock and roll entre autres.

[modifier] Etymologie

Le terme blues vient de l'abréviation de l'expression anglaise Blue devils (littéralement « diables bleus », qui signifie « idées noires »).

Le terme blue d'où le blues est aussi dérivé de l'ancien français et signifie « l'histoire personnelle » (il reste dans la langue française actuelle le terme bluette, qui est, pour tous les bluesmen, la signification du blues, une chanson à la première personne du singulier). La note bleue - en fait la gamme pentatonique mineure couramment utilisée dans la musique asiatique, à laquelle on ajoute une note dissonante - donne une sonorité particulière caractéristique du blues. L'utilisation de cette "blue note" est l'essence musicale du blues qui a de nombreuses origines (africaines, asiatiques via les Amérindiens, irlandaises, etc.)

L'utilisation de l'expression dans la musique noire américaine remonte au début du XX^e siècle dans le Music Hall Américain (vaudeville) et était couramment employée dès le XIX^e siècle dans les pièces de théâtre traitant des Noirs du Sud des États-Unis (cf dans Americana, chez Fayard). W.C. Handy l'a en quelque sorte officialisée dans son Memphis Blues en 1905.

[modifier] Histoire du blues

Les plus anciennes formes de blues proviennent du Sud des États-Unis, à la fin du XIX^e siècle et au début du XX^e siècle. Ces formes étaient le plus souvent orales, accompagnées parfois par un rythme donné par des instruments rudimentaires. C'est principalement dans les champs de coton de la région du delta du Mississippi (entre Senatobia et Clarksdale) que ces formes prennent des tours plus complexes. L'une des formes antérieures au blues est le Fife and Drums joué dans la région Hill Country du Mississippi (il s'agit d'un ensemble de percussions guidé par un fifre en bambou, instrument que jouait le maître en la matière, Othar Turner).

Il y eut d'autres formes de blues avec des instruments rudimentaires, le diddley bow, une corde fixée sur une planche, le jug, cruchon en terre dans lequel on soufflait. Puis le blues a évolué avec des instruments simples, tels que la guitare acoustique, le piano et l'harmonica. La légende raconte que l'un des guitaristes bluesmen, Robert Johnson, aurait signé un pacte avec le diable ce qui lui aurait permis de devenir un virtuose du blues (blue devils : c'est une musique liée aux forces maléfiques qui était fuie et rejetée par beaucoup de personnes aux États-Unis). Cependant, Robert Johnson ne serait pas le premier à avoir raconté cette histoire, c'est un autre bluesman, auteur du morceau Canned heat Tommy Johnson, qui en serait à l'origine.

W.C. Handy fut l'un des premiers musiciens à reprendre des airs de blues, à les arranger et les faire interpréter par des chanteurs avec orchestres. Il fut également l'auteur de morceaux parmi les plus célèbres, tel le fameux Saint Louis Blues.

Du point de vue des textes, les premiers blues consistaient souvent à répéter un même vers quatre fois. Au début du XX^e siècle, la structure s'est standardisée sous sa forme la plus commune : "AAB". Dans cette structure, un vers est chanté sur les quatre premières mesures ("A"), puis répété sur les quatre suivantes ("A"), enfin, un second vers est chanté sur les quatre dernières mesures ("B"), comme dans l'exemple suivant : « Woke up this morning with the Blues down in my soul / Woke up this morning with the Blues down in my soul / My baby gone and left me, got a heart as black as coal ».

Les années 1920 et 1930 virent l'apparition de l'industrie du disque, et donc l'accroissement de la popularité de chanteurs et guitaristes tels que Blind Lemon Jefferson et Blind Blake qui enregistrèrent chez Paramount Records, ou Lonnie Johnson chez Okeh Records. Ces enregistrements furent connus sous le terme de race records (musique raciale), car ils étaient destinés exclusivement au public afro-américain. Mais les années 1920 connurent également des chanteuses de classic blues extrêmement populaires, telles que Gertrude « Ma » Rainey, Bessie Smith, Ida Cox et Victoria Spivey.

[modifier] Blues urbain d'après guerre

Concert de Blues à Chicago, 2007.

Après la Seconde Guerre mondiale, l'urbanisation croissante et l'utilisation des amplificateurs pour la guitare et l'harmonica menèrent à un blues plus électrique (tel que le Chicago Blues), avec des artistes comme Howlin' Wolf et Muddy Waters. C'est ce blues électrique qui influencera, plus tard, une partie du rock and roll.

Vers la fin des années 1940 et pendant les années 1950, les Noirs américains ont migré vers les villes industrialisées du Nord comme Chicago et Détroit, pour y trouver du travail. Dans les villes comme Chicago, Détroit et Kansas City, un nouveau style de blues « électrique » apparut. Il utilisait la voix, la guitare électrique, la basse électrique, la batterie et l'harmonica amplifié avec un micro et un ampli. J. T. Brown, qui jouait avec les groupes d'Elmore James et J.B. Lenoir a également utilisé le saxophone, plutôt comme instrument d'accompagnement qu'instrument soliste.

Le style de blues urbain de Chicago fut bien influencé par le blues du Mississippi, d'où sont venus des musiciens comme Howlin' Wolf, Muddy Waters, Willie Dixon, et Jimmy Reed. Les harmonicistes comme Little Walter et Sonny Boy Williamson (Rice Miller) étaient bien connus dans les clubs de blues à Chicago. Les autres joueurs d'harmonica, comme Big Walter Horton, Snooky Pryor et Sonny Boy Williamson, avaient aussi beaucoup d'influence. Muddy Waters, Elmore James et Homesick James jouaient de la guitare électrique avec un « slide » ou « bottle neck » ; l'exercice consiste à jouer les notes sur le manche en posant un bout de métal ou un goulot de bouteille sur les cordes. B. B. King et Freddy King n'ont pas utilisé le « slide ». Les chanteurs Howlin' Wolf et Muddy Waters marquèrent le blues de leurs voix rauques et fortes.

Le contrebassiste, compositeur, chercheur de talents Willie Dixon a eu un grand impact sur l'environnement musical de Chicago. Des chansons comme Hoochie Coochie Man, I Just Want to Make Love to You (écrite pour Muddy Waters), Wang Dang Doodle (pour Koko Taylor), et Back Door Man (pour Howlin' Wolf) sont devenus des « standards » de blues. Nombres d'artistes de Chicago Blues enregistrèrent leurs disques sur le label Chess Records ou d'autres labels importants tels Vee Jay et Cobra.

Le style de blues urbain des années 1950 a eu un grand impact sur la musique populaire des musiciens comme Bo Diddley et Chuck Berry. Aussi, le style de blues urbain des années 1950 a influencé le style de musique de Louisiane de zydeco, surtout Clifton Chenier. Les musiciens comme T-Bone Walker (de Dallas) étaient plus associés au style de blues de la Californie, plus policé et sophistiqué que le style de blues de Chicago, les Charles Brown's Three Blazers étant le combo qui illustrera le mieux cette tendance au milieu des années 1940.

Les blues de John Lee Hooker étaient plus individuels que le style de blues de Chicago. À la fin des années 1950, le swamp blues s'est développé près de Bâton-Rouge avec des artistes comme Slim Harpo, Lazy Lester, Sam Myers et Jerry McCain. Le swamp blues était plus lent, avec un style d'harmonica moins complexe que dans le Chicago Blues. Les chansons du style les plus connues sont Scratch my Back, She's Tough et King Bee.

Le jump blues était un autre développement du blues de cette période qui a influencé la musique populaire. Le jump blues était un hybride populaire du swing et du blues, mettant en vedette des chansons "up-tempo" orchestrées pour des big bands. Le musicien de ce genre qui a le plus influencé la musique populaire était Big Joe Turner, qui a enregistré la version originale de "Shake, Rattle, and Roll". Pensons aussi à Tiny Grimes, Ruth Brown, et LaVern Baker ("Tweedle Dee").

[modifier] Années 1960 et 1970

Lors des années 1960, les genres de musique influencés ou créés par les noirs américains, comme le rhythm & blues et la musique soul sont devenus populaires. Les musiciens blancs ont popularisé beaucoup de styles des américains noirs aux États-Unis et au Royaume-Uni. Le Rock'n'roll a souvent été qualifié de mélange des musiques Noires et Blanches bien que ce mélange remonte aux années 1930 avec certains genres de la Country Music comme le Western Swing ou le Country boogie dont le Rock'n'roll n'apparaît souvent que comme un prolongement.

Dans les années 1960, une nouvelle génération d'enthousiastes du blues apparaît en Europe et en particulier en Angleterre. Les principaux acteurs de ce que l'on appelle alors le British Blues Boom sont les Yardbirds, les Bluesbreakers menés par John Mayall ou encore les Animals, Fleetwood Mac (1ère période avec Peter Green), Chicken Shack, et incluent de nombreuses stars de la pop et du rock à venir Jimmy Page, Eric Clapton ou Jeff Beck (tous trois membres successivement des Yardbirds) qui intègrent à leur musique des influences psychédéliques et pop.

À la fin des années 1960, le style West Side Blues fut créé à Chicago par des artistes comme Magic Sam, Magic Slim, Junior Wells, Earl Hooker et Otis Rush. Le West Side Blues de Magic Sam, Otis Rush, Buddy Guy et Luther Allison était caractérisé par une guitare électrique suramplifiée.

Aux États-Unis, les guitaristes et chanteurs B.B. King, John Lee Hooker, et Muddy Waters ont inspiré une nouvelle génération de musiciens, comme le New-Yorkais Taj Mahal. L'ère des « Civil Rights » a augmenté l'auditoire des blues traditionnels, et des festivals tels que le Newport Folk Festival ont programmé des prestations de « grands » comme Son House, Mississippi John Hurt, Skip James, Big Joe Williams ou le Reverend Gary Davis. J.B. Lenoir a enregistré des chansons qui touchaient aux thèmes du racisme ou de la guerre du Viêt Nam.

Des artistes américains comme Bob Dylan, Janis Joplin (où sa chanson summertime est le paroxisme du blues) ou Jimi Hendrix, tous influencés à la fois par le blues traditionnel et le blues électrique, firent découvrir cette musique au jeune public de l'époque. L'interprétation que les artistes de cette génération donnèrent au blues aura plus tard une influence très forte sur le développement de la musique rock proprement dite.

[modifier] Années 1980-présent

Taj Mahal à Glastonbury, 2005.

Pendant les années 1980 et jusqu'à nos jours le blues a continué d'évoluer à travers le travail de Stevie Ray Vaughan, Robert Cray, Bonnie Raitt, Taj Mahal, Ry Cooder, Albert Collins, Keb 'Mo', Alvin Youngblood, Corey Harris, Jessie Mae Hemphill, R. L. Burnside, Junior Kimbrough, Kim Wilson, James Harman et ses deux guitaristes Hollywood Fats mann et David "kid" Ramos, Ali Farka Touré et bien d'autres.

Le style de blues « Texas rock-Blues » a été créé dans les années 1980, et utilise les guitares solo et d'accompagnement en même temps. Le style Texas a été fortement influencé par le Blues-rock d'Angleterre (comme John Mayall). Les artistes importants du style Texas Blues étaient Stevie Ray Vaughan qui révolutionna le style dans les années 1980, The Fabulous Thunderbirds et ZZ Top.

À la même époque, John Lee Hooker a retrouvé sa popularité, grâce à ses collaborations avec Carlos Santana (Cd The Healer), Miles Davis, Robert Cray et Bonnie Raitt. Eric Clapton (anciennement des Bluesbreakers et du groupe Cream) est redevenu populaire dans les années 1990 avec son album pour MTV Unplugged, où il joue quelques chansons traditionnelles, entre autres succès, sur une guitare acoustique.

Pendant les années 1980 et 1990, des « Blues scenes » furent créés partout aux États-Unis, au Canada, et en Europe. Ces « Blues scenes » comprenaient des revues de Blues (par exemple : Living Blues et Blues Revue), les sociétés de blues, des festivals de blues, et des clubs où est joué du blues.

[modifier] Structures musicales du blues

D'un point de vue technique, le blues repose sur trois éléments : un rythme souvent ternaire syncopé, l'harmonie en I-IV-V (c'est-à-dire les degrés principaux dans l'harmonie tonale), et la mélodie qui utilise la gamme blues et les "notes bleues".

Le blues a eu une influence sur une très large variété de styles musicaux, qui intégrèrent dans des proportions variables l'un ou plusieurs de ces éléments. Si l'on ne peut alors plus parler de blues on utilise fréquemment le qualificatif bluesy pour indiquer cette coloration particulière. Au-delà de stricts canons techniques, le blues se caractérise souvent - mais pas toujours - par une humeur teintée d'une certaine langueur ou mélancolie.

[modifier] Rythme

Le rythme le plus employé du blues repose sur une division ternaire de chaque noire (ou temps dans une mesure en 4 4)ou triolet de croches. Chaque temps est donc divisé en trois croches dont on ne marque que la première et la troisième. On crée ainsi une impression de décalage quant à l'emplacement "naturel" des notes. Le terme de shuffle est souvent employé pour désigner ce rythme. Le blues est souvent synonyme de tempo medium voire lent.

[modifier] Harmonie

Initialement assez libre, la structure harmonique du blues se fixe progressivement pour aboutir à une forme de base articulée autour de trois accords, généralement sur 8, 12 ou 16 mesures. La forme en douze mesure est – de loin – la plus commune  ; on parle de « 12 bar Blues » (Blues de 12 mesures). Ces trois accords, désignés par les chiffres romains I-IV-V, représentant les premier, quatrième et cinquième degrés (c.-à-d. tonique, sous-dominante et dominante) de la gamme majeure correspondant à la tonalité du morceau. Ex: Do/Fa/Sol ("Blues en Do"), Fa/Si bémol/Do ("Blues en Fa"), Mi bémol/La bémol/Si bémol ("Blues en Mi bémol"), etc. Les accords de base comportent le plus souvent la septième (mineure). Dans les formes plus élaborées, les musiciens recourent fréquemment à des accords de neuvième, ainsi qu'à différentes altérations. Dans le jazz, à partir des années 1940 (Bebop), des musiciens comme Charlie Parker ont poussé la sophistication harmonique (et mélodique) de la forme à un degré élevé, qui contraste avec les enchaînements rudimentaires du blues originel ("early blues"). Dans "Blues for Alice", Charlie Parker multiplie les accords de passage et altérations au point que, malgré les 12 mesures caractéristiques, il est parfois difficile pour des oreilles novices de "détecter" la forme (harmonique) du blues.

[modifier] Mélodie

La mélodie est une gamme blues traditionnelle est simplement une gamme pentatonique mineure à laquelle on a ajouté une note. C'est cette dernière (la quinte diminuée) qui donne la couleur blues au morceau, d'où son nom de blue note (« note bleue »). Certains auteurs, notamment Le Roi Jones dans son livre Le Peuple Blues, avancent la théorie que ce serait là une tentative d'adaptation d'une gamme propre à la musique traditionnelle africaine. D'autres relient cela aux musiques amérindiennes, notamment Cherokees, qui proviennent très largement des musiques de l'Asie du Sud Est.

L'autre gamme fréquemment utilisée en Blues est la pentatonique majeure. Ce n'est pas la quinte diminuée qui est la note bleue. D'ailleurs il y a deux notes bleues par mode. Ce sont la tierce mineure et la septième mineure. Pour Do : do - ré - mi bémol - fa - sol - la - si bémol. La fonction harmonique reste majeure malgré ces deux intervalles mineurs et c'est ce qui donne la couleur du Blues. Si l'on joue la pentatonique majeure sur la tierce mineure on obtient effectivement ces notes bleues. Toujours pour Do : mi bémol - fa - sol - si bémol- do. La quinte diminuée — en l'occurrence sol bémol — est une note de passage mais n'est pas la note bleue. La plupart des Blues sont en modes majeurs pour l'accompagnement alors que les mélodies sont chantées sur la gamme pentatonique avec la note bleue. Il existe cependant de fameux Blues en mineur par exemple : As the Years Go Passing By par Albert King.

Il faut noter que toutes ces caractéristiques techniques sont loin d'être applicables à l'ensemble des blues joués par les Noirs. Et il faut encore davantage souligner qu'aucun des grands créateurs du blues, lorsqu'on a pu les interviewer, n'a jamais défini le blues comme un ensemble de notations musicologiques. A la question "Qu'est le blues ?", la réponse était le plus souvent du genre : "The blues ain't nothing but a good man feelin' bad".

[modifier] Instruments

Blues

Bien que le blues puisse être interprété sur tout type d'instrument, certains sont traditionnellement plus utilisés que d'autres :

• la guitare : guitare acoustique pour le blues traditionnel ou, à partir des années 1930 la guitare électrique, branchée à un amplificateur qui ajoute des caractéristiques tonales comme la distorsion (à partir des années 1950).
• l'harmonica - diatonique principalement - joué acoustique ou utilisé avec un microphone et un amplificateur.
• Pour la guitare électrique, l'utilisation d'un amplificateur à lampes (ou tubes), est de loin la plus répandue, depuis les premiers amplificateurs, car les lampes apportent une chaleur supplémentaire et un grain au son de la guitare, caractéristique que le transistor n'a point.
• le piano et autres instruments à clavier comme l'orgue Hammond (dès les années 1960 et 1970) ou le piano électrique (à partir des années 1970).
• La batterie, donc le rythme doit être lent et précis.
• la washboard (planche à lessiver), utilisée comme instrument de percussion, frappée par les doigts coiffés de dés à coudre. Utilisée telle que ou agrémentée d'une cymbale, d'un wood-block, d'une cloche, etc. ; parfois remplacée par une tôle finement ondulée portée en plastron.

[modifier] Timbre

Au sens large, le timbre est la « couleur » du son : même s'ils jouent les mêmes notes, une guitare ou un saxophone se distinguent par leur timbre. Cela est également vrai d'un être humain à l'autre. On a coutume de dire que les chanteurs classiques essaient d'imiter les instruments, alors que les instruments de blues essaient d'imiter la voix humaine (ou parfois celle de Donald Duck, d'un bombardier ou d'une mitraillette).

Les bluesmen ont beaucoup exploré le timbre : ils ont notamment été les premiers, pendant les 1950, à employer des amplificateurs pour la guitare et l'harmonica. Les voix fortes et graves de chanteurs comme Howlin' Wolf et Muddy Waters jouent également beaucoup sur le timbre. La technologie et les effets de mode ont plus tard ajouté d'autres éléments au son blues, comme les guitares dirty et saturées des Rolling Stones ou d'Eric Clapton ou les effets psychédéliques employés, entre autres, par Jimi Hendrix : le feedback, la distorsion style « Fuzz », et des effets plus étranges encore comme « l'effet leslie ou UniVibe », constitué d'un haut-parleur en rotation.

[modifier] Vibrato

Billy Branch jouant dans bar blues à Chicago en 2005

Le vibrato est un effet appliqué à une note de musique. Très employé notamment par les musiciens de blues, cet effet consiste à provoquer une variation rapide de la hauteur de la note. Comme tous les effets de nuance, le vibrato apporte une expressivité particulière selon la façon dont il est effectué : vite ou lentement, de façon fluide ou saccadée. Le vibrato est un élément essentiel du son blues, que cela soit pour les voix ou sur des instruments tels que la guitare ou l'harmonica.

Pour cette dernière, divers moyens ont été utilisés depuis B. B. King, surtout les moyens mécaniques qui modifient légèrement la longueur de la corde vibrante. Plusieurs techniques existent donc, qui donnent chacune des effets sonores légèrement différents : faire vibrer les doigts de la main gauche, ou le manche de la guitare lui-même, ou encore grâce aux différents systèmes de cordier vibrato.

À partir des années 1960, les musiciens de blues-rock utilisèrent également des moyens électroniques, comme la pédale wah-wah ou l'effet Larsen (le « feedback ») finement maîtrisé. Plus récemment, les musiciens de blues ont commencé à utiliser des techniques numériques pour créer du vibrato, comme les boîtiers programmables équipés de processeurs de traitement du signal, qui permettent de paramétrer aussi bien le timbre que l'attaque ou le vibrato. Les instruments principaux sont les instruments à cordes (la basse, la guitare, steel guitare, la contrebasse, le violoncelle, l'alto, le violon) mais également le saxophone, l'harmonica, la batterie, lap steel, le bottleneck et le piano.

[modifier] Actualité locale, nationale ou mondiale

À l'origine les bluesmen étaient des métayers noirs perdus au fin fond du « delta du Mississippi », plaine cotonnière qui n'est pas le vrai delta mais se situe plus au nord. Ils chantaient souvent pendant des événements locaux tels que la crue du Mississippi (High Waters Blues), la construction des digues (Levee), l'incendie d'une ferme de coton. À la rigueur on parle d'une grande ville pas trop éloignée comme La Nouvelle-Orléans, Memphis, Saint Louis. Mais il y a fatalement des incursions ou des espoirs de voyages dans d'autres villes des États-Unis, que ce soit pour trouver du travail, faire le service militaire ou participer aux luttes d'émancipation.

Un bluesman peut donc être amené à parler de l'actualité nationale. Une anecdote montre le second degré des bluesmen et l'utilisation d'un langage propre. Dans Sweet home, Chicago, Robert Johnson rêvait d'aller « back to the land of California, to my sweet home, Chicago » ; en 1980, les Blues Brothers corrigeront cette erreur « back to that good old place, sweet home, Chicago » croyant que Johnson avait fait une erreur géographique. En fait la Californie dans l'imaginaire blues signifie pays de richesse, de la ruée vers l'or, ce que représentait Chicago à l'époque pour les bluesmen pauvres du Mississippi.

Enfin l'horizon ne manquera pas de s'élargir au globe avec la participation de certains appelés à la Seconde Guerre mondiale, au mur de Berlin, à la guerre du Viêt Nam. On retrouve tout ceci dans des blues comme ceux de J.B. Lenoir.

Mais avant tout, le blues est le moyen d'expression musical le plus direct concernant la détresse de l'âme, ainsi, le thème de la dépression (Hard Time Killing Floor Blues, de Skip James), ou bien encore ce thème qui revient souvent dans les standards, celui de la femme quittant son homme. (How long, How long Blues, de Leroy Carr & Scrappy Blackwell).

Un aspect à ne pas négliger est la dimension politique, revendicative, anti-ségrégationniste (dans les années 1960), de certains textes. De nombreux titres sont à double sens: un sens littéral, fréquemment connoté sexuellement, et un deuxième niveau, clairement politique. Ainsi un titre aussi célèbre que I'm a man a deux niveaux : je suis un homme, classique chanson plus ou moins d'amour, et je suis un homme, non pas un demi homme, je veux ma place dans la société, etc …

Le thème de la dépression dans les années 1930 ou de la crise depuis des années est naturellement politique.

Cet aspect est bien entendu amoindri lorsque les titres sont chantés par des Britanniques ou des Américains blancs. Notons toutefois que le thème de l'amour, amour bien entendu perdu, est nettement plus fréquent, même si on pourrait se hasarder à faire une métaphore de la femme perdue : femme = dignité, honneur…

Enfin les allusions sexuelles, voire salaces, les calembours, sont fréquents : un des exemples typiques pourrait être Dust my broom dont le début est : je me lève le matin et je nettoie (j'épousette) mon balai… la métaphore est claire.

[modifier] L'influence du blues

[modifier] Le blues dans la musique classique

On peut voir l'influence des blues dans la musique de Maurice Ravel (en particulier dans sa Sonate pour violon et piano), George Gershwin (son Rhapsody in Blue, le Concerto en fa majeur, et Porgy and Bess) et dans la musique d'Arthur Honegger (Pacific 231). ^{[réf. nécessaire]}

[modifier] Le blues dans la musique country

Plus qu'une influence du blues sur la musique country, réelle, il faut parler plutôt d'interinfluence tant ces deux genres qui représentent les deux facettes (pauvres blancs, pauvres noirs) du sous-prolétariat sudiste sont à la fois issus des mêmes racines (musique des plantations, des migrants en Amérique) et se sont fécondées l'une l'autre tout au long de leur histoire. Une forme de Hillbilly blues (comme l'a finement baptisé l'auteur anglais Tony Russell) a existé dès les années 1920, véritable premier blues blanc (Jimmie Rodgers, Cliff Carlisle, Gene Autry, Jimmie Davis…). Le blues en tant que tel est resté alors un élément important de toute la Country Music, particulièrement avec le Western Swing puis le Honky Tonk, personnalisé par Hank Williams.

[modifier] Le blues dans la musique rock

Le blues est d'abord l'élément principal du "mariage" avec la musique country qui a donné naissance au rock'n'roll, aux États-Unis, au milieu des années 1950 ^[1].

Ensuite, on retrouve facilement des racines blues dans nombre de groupe britanniques de rock et de hard rock : les débuts des Rolling Stones, de Uriah Heep, ou la chanson Smoke On The Water de Deep Purple, doivent beaucoup au blues. Même un groupe progressif comme Pink Floyd (dont le nom lui-même vient de l'association des prénoms des bluesmen Pink Anderson et Floyd Council), a fait appel à plusieurs reprises à la forme blues, non seulement à ses débuts avec Syd Barrett, grand admirateur de Bo Diddley, mais également par la suite, au milieu de morceaux plus psychédéliques (Biding My Time, Seamus, Money, Dogs Of War sont des blues plus ou moins camouflés). Des artistes comme Chris Rea,Snowy White et Gary Moore ou un groupe comme The Doors revendiquent l'influence que le blues a sur leur création.

En fait, il n'est guère de groupes ou d'artistes pop-rock qui, un jour ou l'autre, ne se soit pas inspiré du blues, allant jusqu'à générer une prise de conscience musicale en Angleterre pendant la deuxième partie des années 1960, avec le British Blues Boom, représenté notamment par Alexis Korner puis par John Mayall, Eric Clapton, Cream, Fleetwood Mac, Chicken Shack, Savoy Brown et Rory Gallagher (Irlande). Aux États-Unis, plusieurs artistes blancs ont également bâti l'essentiel de leur œuvre sur le blues, tels The Allman Brothers Band, Mike Bloomfield, le Blues Project, Paul Butterfield, Roy Buchanan, Canned Heat, The Doors, Jeff Healey (Canada), John Hammond, Janis Joplin, Charlie Musselwhite ou encore Johnny Winter.

[modifier] Le blues en France

En France, des artistes comme Benoit Blue Boy, Patrick Verbeke, Bill Deraime, Jean Sangally, Cisco Herzhaft, Alain Giroux, Rod Barthet ou Paul Personne incarnent une vision francophone du blues, mais très influencée par la musique américaine. Côté instrumental, l'harmoniciste Jean-Jacques Milteau est un musicien de session et un performer internationalement apprécié depuis les années 1970, ayant enregistré plusieurs albums qui font référence. Plus récemment, d'autres harmonicistes, Nico Wayne Toussaint et Nina Van Horn ne sont pas en reste et tournent inlassablement dans les meilleurs festivals.

Depuis les années 1980, soit depuis une trentaine d'années, de nombreuses individualités ou formations continuent de faire vivre le blues hexagonal, comme en témoigne régulièrement la revue Soul Bag. En parallèle, l'augmentation très significative des émissions de radios spécialisées a contribué à offrir une nouvelle vitrine au blues hexagonal. Le Collectif des radios blues (CRB) a été créé en 2003. Il réunit de nombreux animateurs en France, Belgique, Québec. Le CRB remet chaque année son trophée « Coup de Cœur » à l'un des finalistes du Tremplin Blues sur Seine. Il réalise chaque mois le PowerBlues, classement des meilleurs sorties CD blues et l'Airplay, regroupement des albums les plus diffusés par les radios. Enfin le Collectif délivre chaque année son label « Selection du CRBlues » à quelques-unes des meilleures sorties CD.

En janvier 2011, plusieurs membres de la communauté blues française ont créé l'association France Blues. Elle vise à promouvoir le blues français et leurs acteurs, notamment à l'échelle internationale. La chanteuse Nina Van Horn, qui raconte depuis quelques années les histoires des femmes du Blues sur W3 Blues Radio, a été à l'origine d'une trilogie sur ces femmes qui contribuèrent si fort au blues tout en traitant de sujets d'actualité (drogue, sexe, prohibition, ségrégation et droits des femmes). Elle leur a d'abord rendu hommage sur CD, puis a écrit un livre Hell of a Woman (Société des écrivains) décrivant leurs incroyables vies ; elle vient de sortir un double album (CD/DVD) d'une de ses tournées en Inde. Elle voyage inlassablement depuis 2011 pour contribuer à faire connaître « ses » pionnières du blues dans plus de 18 pays.

En septembre 2011, la chanteuse Claire Denamur fait paraitre son deuxième album, Vagabonde, dont l'objectif clairement affiché est de proposer du blues francophone.

[modifier] L'influence des blues sur le cinéma

Le blues a également influencé le cinéma, surtout aux États-Unis. Le film Crossroads (Walter Hill) (1986) montre le mythe sulfureux du pacte avec le diable. Bande son de Ry Cooder et duel mythique entre le héros du film Ralph Macchio et Steve Vai en personne. Le pacte de Tommy Johnson (plus tard repris et rendu célèbre par Robert Johnson) est évoqué dans le film O'Brother, de Joel Coen.

Les deux films de John Landis, The Blues Brothers (1980) et Blues Brothers 2000 (1998), qui dressent un panorama de différents styles et mettant en scène une pléthore de vedettes, ont eu une importante influence sur l'image du blues.

En 2003, déclarée « année du blues » aux États-Unis, Martin Scorsese produit une série de sept films documentaires sur le blues intitulée The Blues, a Musical Journey ^[2]:

1. The Soul of a Man, de Wim Wenders, à propos de Skip James, Blind Willie Johnson et J.B. Lenoir,
2. La Route de Memphis (The Road to Memphis), de Richard Pearce, qui traite plus particulièrement de BB King (titre français La Route de Memphis),
3. Du Mali au Mississippi (Feel Like Going Home), de Martin Scorsese, sur les origines africaines du blues (titre français Du Mali au Mississippi),
4. Devil's Fire (Warming by the Devil's Fire), de Charles Burnett, une fiction sur le conflit du blues et du gospel,
5. Red, White and Blues, de Mike Figgis, sur le blues britannique (Tom Jones, Van Morrison),
6. Godfathers and Sons, de Marc Levin, sur le Chicago Blues et le hip hop,
7. Piano Blues, de Clint Eastwood, sur les pianistes de blues (Ray Charles, Dr. John).

Le film 24 Mesures^[3], de Jalil Lespert, avec Archie Shepp, est librement inspiré des mélodies du blues et du free jazz.

[modifier] Principaux artistes de blues

• Musiciens : Voir la catégorie musicien de blues et la Liste des musiciens de blues par style.
• Chanteuses : Voir la catégorie chanteuse de blues.
• Chanteurs : Voir la catégorie chanteur de blues.

[modifier] Média spécialisés (français)

• Soul Bag : revue trimestrielle par abonnement et en kiosque depuis 2009.
• Blues Magazine : revue trimestrielle par abonnement et en kiosque depuis 2005.
• BCR la revue : Blues, Country, Rock'n'Roll ; revue trimestrielle uniquement sur abonnement.
• ABS Magazine : revue trimestrielle uniquement sur abonnement.
• Blues & Co : revue trimestrielle uniquement sur abonnement.
• Blues Again! : revue trimestrielle (a cessé de paraître en 2009)
• Crossroads : Blues, R&B, Country, Folk, Jazz… ; revue mensuelle en kiosque (a cessé de paraître en 2011)
• Collectif des radios blues : site des radios blues francophones.
• W3 bluesRadio : webradio francophone diffusant du blues 24 h sur 24..
• Tremplin Blues sur Seine : site du Tremplin Blues sur Seine.
• La Chaîne du Blues : regroupe plus de 800 sites francophones traitant du blues (média, artistes, festivals, professionnels ou amateurs)
• Association France Blues : site de l'association des membres de la communauté française du Blues.

[modifier] Bibliographie

• AUSSEIL (David), CONTAMINE (Charles-Henry) & CHAPOULLIE (Denis).- La Route du blues.- Barthélémy, 1995
• BARD (Patrick) & RAYNAL (Patrick).- Blues Mississippi Mud.- La Martinière, 1993
• BAS-RABERIN (Philippe), Ed.- Les Incontournables du blues.- Filipacchi, 1994
• BAS-RABERIN (Philippe).- Le Blues moderne, 1945-79.- Albin Michel, 1979-86
• BROONZY (Big Bill) & BRUYNOGHE (Yannick).- Big Bill blues.- Ludd, 1987
• COHN (Larry).- Nothing but the blues.- Abbeville, 1993 (Traduction)
• DANCHIN (Sebastian).- B.B. King.- Limon, 1993
• DEMETRE (Jacques) & CHAUVARD (Marcel).- Voyage au pays du blues.- CLARB, 1995
• HERZHAFT (Gérard).- John Lee Hooker.- Limon, 1991
• HERZHAFT (David & Gérard).- Le livre de l'harmonica.- Fayard, 2008
• HERZHAFT (Gérard).- La Grande Encyclopédie du Blues.- Fayard, 1997-2008
• HERZHAFT (Gérard).- Le Blues.- PUF, Que Sais-je?, 1981-2008
• HERZHAFT (Gérard).- La Country Music.- P.U.F., Que Sais-je?, 1985-2009
• HOFSTEIN (Francis).- Le Rhythm & Blues.- P.U.F, Que Sais-je? n^o 2619, 1991
• HOFSTEIN (Francis).- Muddy Waters.- Actes-Sud, 1996
• KOECHLIN (Stéphane).- Le Blues, fleur africaine.- Hachette, "Qui, quand, quoi?", 1996
• LEVET (Jean-Paul).- Talking that talk.- Nathan, 1992
• SACRE (Robert).- Les Negro Spirituals et les Gospel Songs.- P.U.F., Que Sais-je? n^o 2791, 1993
• SACRE (Robert).- Musiques Cajun, Créole et Zydeco.- P.U.F, Que Sais-je? n^o 3010, 1995
• SPRINGER (Robert).- Les Fonctions sociales du blues.- Parenthèses, 1999
• VASSET (André).- La Vie et l'œuvre de Big Bill Broonzy.- Chez l'auteur, 1996

[modifier] Films

• You See Me Laughin, documentaire sur les bluesmen Junior Kimbrough, RL Burnside, etc.
• Celebration of Blues, réalisé par Antoine Fuqua et produit par Martin Scorsese. Filmé au Radio City Music Hall à New York le 7 février 2003.
• Black Snake Moan (2006) réalisé par Craig Brewer. Avec Samuel L. Jackson, Christina Ricci et Justin Timberlake
• Cadillac Records réalisé par Darnell Martin, sorti en 2008, avec Beyonce Knowles, Mos Def, Cedric The Entertainer et Adrian Brody.
• Crossroads, 1986

[modifier] Articles connexes

• Blues traditionnel
• Delta blues

[modifier] Notes et références

[modifier] Liens externes

• Catégorie Blues de l’annuaire dmoz
• France Blues
• Tremplin Blues sur Seine
• W3 bluesRadio
• La Chaîne du Blues (fr)
• Article humoristique reprenant les caractéristiques du Blues (fr)

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John Lee Hooker

Long Beach Blues Festival

Données clés

Nom	John Lee Hooker
Naissance	le 22 août 1917
Pays d'origine	Coahoma County Mississippi
Décès	le 21 juin 2001
Genre musical	Blues
Années d'activité	1948-2001
Site officiel	www.johnleehooker.com

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John Lee Hooker (22 août 1917 - 21 juin 2001) était un guitariste et chanteur de blues américain. Son style, unique et authentique à la fois, en a fait l'un des artistes les plus importants de cette musique, et son influence sur le blues blanc et le Rock durant tout le XX^e siècle est considérable.

Parmi ses titres les plus connus : Boogie Chillen (1948), I'm in the Mood (1951) et Boom Boom (1962), les deux premiers s’étant classés n^o 1 dans les charts R&B du Billboard magazine. En France, Shake it Baby a remporté un certain succès en 1963 et a longtemps fait danser dans les boums et autres surboums des années 1960.

[modifier] Biographie

[modifier] Une jeunesse difficile

John Lee Hooker au Massey Hall de Toronto, le 20 août 1978

Probablement né entre le 17 et le 22 août 1917 près de Clarksdale dans l'État du Mississippi, John Lee Hooker est le dernier d'une famille pauvre de onze enfants. Durant sa prime enfance, il n'est exposé à la musique que sous la forme de chants religieux tels que le Gospel, seule forme musicale que son père, pasteur, autorise à sa famille. Il ne se familiarise avec le Blues qu'après la séparation de ses parents en 1921 et le remariage de sa mère avec Willie Moore, ouvrier agricole et bluesman à ses heures, qui lui apprend des rudiments de guitare. Toute sa vie, John Lee Hooker rendra hommage à son beau-père, qu'il considère à l'origine de son style très personnel. En 1933, son père meurt, et John Lee, âgé de seulement 15 ans, fuit son foyer. Il ne reverra jamais ni sa mère ni son beau-père.

Après diverses péripéties sur lesquelles les sources diffèrent, il s'installe en 1943 à Détroit, alors capitale de l'industrie automobile, dans l'intention d'y exercer un travail d'ouvrier. Dans le même temps, il tente de trouver des engagements de musiciens dans les bars et les bordels de Hasting Street, le quartier des plaisirs de la ville. Il y connaît des débuts difficiles dus au manque de puissance sonore de son instrument : il faut parvenir à couvrir le bruit des consommateurs, voire des orchestres concurrents ! Il adopte donc très tôt les premières guitares électriques, qui permettent, grâce à leurs micros intégrés et à un amplificateur, de jouer plus fort que n'importe qui, et développe un style agressif et hypnotique, exploitant au mieux l'énergie musicale de l'électricité. En 1948, il enregistre son premier disque, Boogie Chillen, dans un style rudimentaire, très proche de la parole, qui deviendra sa marque de fabrique. En février 1949, le titre se classe N°1 dans les charts R&B du Billboard magazine.

[modifier] La « première carrière » de John Lee Hooker

John Lee Hooker au Massey Hall de Toronto, le 20 août 1978

Les musiciens noirs étant très mal payés à cette époque, Hooker, malgré le succès de ses disques, est contraint de courir les studios et les contrats, enregistrant parfois plusieurs fois le même morceau, avec des variations minimes, sous des pseudonymes tels que « John Lee Booker », « Johnny Hooker » ou « John Cooker ». Sa musique, très libre sur le plan rythmique, supportant mal l'accompagnement, il est le plus souvent enregistré seul, marquant le rythme à l'aide d'une planchette de contreplaqué (plywood) fixée sous sa chaussure. En novembre 1951, I'm in the Mood se classe N°1 des charts R&B du Billboard, pendant quatre semaines de suite.

À la fin des années 1950, les temps sont durs pour les musiciens de Blues américains comme John Lee Hooker : une partie du public noir se désintéresse de leur musique au profit du Rhythm and Blues, plus entraînant et dansant. Quant aux Blancs, le marché très compartimenté de la musique aux États Unis, allié au racisme ambiant, les empêche d'avoir simplement accès au Blues. Durant cette période, de nombreux bluesmen, ne parvenant plus à survivre de leur art, sont contraints de redevenir ouvriers ou métayers. John Lee Hooker parvient tant bien que mal à se maintenir à flot, mais sa carrière stagne. Jusqu'à ce qu'un événement inattendu vienne changer la donne...

[modifier] John Lee Hooker

Au début des années 1960, vient en effet le British Blues Boom : des musiciens anglais comme les Rolling Stones, Eric Clapton ou John Mayall redécouvrent le blues, le pratiquent et sortent de l'oubli quantité de musiciens légendaires, dont Hooker. En partie grâce à la première tournée de l'American Folk Blues Festival, en automne 1962, le public européen, avide d'authenticité, lui fait un triomphe dont lui-même, habitué au mépris des blancs aux États-Unis, est stupéfait. John Lee Hooker acquiert la célébrité dans le monde entier, aux côtés d'autres grands musiciens fraîchement redécouverts comme Muddy Waters ou Howlin' Wolf. Il enregistre avec certains groupes de blues électrique tels que Canned Heat et démarre une carrière internationale fructueuse qui durera jusqu'à sa mort.

En 1980, il joue son tube Boom Boom dans le film The Blues Brothers. Pour respecter son style d'improvisation, sa prestation est filmée et enregistrée en live, au contraire de bien des films musicaux qui utilisent le playback. Il se joint en 1989 à d'autres musiciens prestigieux tels que Carlos Santana et Keith Richards pour enregistrer l'album The Healer, qui lui vaudra un Grammy Award du Meilleur disque de Blues traditionnel. Il chante également plusieurs morceaux aux côtés de Van Morrison, dont Never Get Out of These Blues Alive, The Healing Game et I Cover the Waterfront, et se produit avec lui sur scène.

À la fin de sa vie, Hooker s'installe à San Francisco, où il ouvre un club de blues nommé d'après son plus grand succès, Boom Boom Room. Il tombe malade en 2001, juste avant une tournée en Europe, et meurt peu après, à l'âge probable de 83 ans.

[modifier] Discographie (non exhaustive)

[modifier] Albums

[modifier] Musiques de films

• 1980 : John Lee Hooker apparaît dans le film The Blues Brothers de John Landis et y interprète Boom Boom.
• 1990 : The Hot Spot de Dennis Hopper avec Miles Davis et Taj Mahal.

[modifier] Compilations

[modifier] Bibliographie

• 1991 : J. L. Hooker par Gérard Herzhaft, Ed. du Limon (frère du bluesman français Cisco Herzhaft qui a croisé le manche avec John Lee Hooker lors de sa venue en Europe dans les années 1960)

[modifier] Autres

• John Lee Hooker est cité dans une chanson de Louis Bertignac : « J'avais la meilleure guitare du monde, la même Gibson que John Lee Hooker.. ». Il fait allusion au modèle Gibson SG (? ES 335).
• Johnny Rivers lui a rendu un vibrant hommage en composant et enregistrant « live » en 1967 un fameux blues dansant de 15 minutes, intitulé John Lee Hooker (CD EMI 828918 2)
• John Lee Hooker est mis en scène, alors qu'il a 16 ans, dans le roman Billard Blues de Maxence Fermine. L'histoire est narrée à la première personne par Hooker lui-même qui raconte une scène d'affrontement entre le champion de billard Willy Hope et le chef de la mafia Al Capone dans un bar de Chicago en 1933. Maxence Fermine s'inspire de la vie de John Lee Hooker (à cette époque, Hooker avait fui son foyer pour se produire dans des bars), mais la scène n'a, bien sûr, jamais existé.
• L'anime Cowboy Bebop rend hommage à John Lee Hooker en utilisant le titre de son album The Real Folk Blues en tant que nom du générique de la fin et des deux derniers épisodes de la série.
• Le manga Beck lui rend hommage au travers d'un personnage nommé John Lee Davis, musicien de blues ayant le même physique.
• Le titre Boom Boom apparaît dans le jeu vidéo Mafia 2, ainsi que dans la publicité Volkswagen Utilitaires de 2012.

[modifier] Notes et références

[modifier] Annexes

[modifier] Articles connexes

• Blues
• Guitare
• Luther Johnson

[modifier] Liens externes

• (en) Site officiel
• (fr) Biographie multimédia sur Unplugged Café

• Portail de la musique
• Portail du blues

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B. B. King

Données clés

Nom	Riley B. King
Naissance	le 16 septembre 1925 (1925-09-16) (86 ans)
Pays d'origine	Itta Bena, Mississippi
Genre musical	Blues
Années d'activité	Depuis 1947
Site officiel	bbking.com

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B. B. King (pour Blues Boy), de son vrai nom Riley B. King, (né le 16 septembre 1925 à Itta Bena, dans le Mississippi aux États-Unis), est un guitariste, compositeur et chanteur de blues américain. Il est considéré comme l'un des meilleurs musiciens de blues. Il est, avec Albert King et Freddie King, un des trois kings de la guitare blues.

[modifier] Biographie

B. B. King en concert en France (1989).

Après avoir été deux ans DJ dans une radio de Memphis, B. B. King enregistre ses premières chansons en 1949, à Los Angeles, pour RPM Records. La plupart de ces premiers enregistrements sont produits par Sam Phillips, qui créera plus tard le label Sun. Il raccourcit son surnom de DJ, « Beale Street Blues Boy », pour en faire B. B.

Dans les années 1950, B. B. King devient un des plus importants acteurs de la musique rhythm and blues, avec des succès tels que You Know I Love You, Woke Up This Morning, Please Love Me, When My Heart Beats like a Hammer, Whole Lotta Loving, You Upset Me Baby, Every Day I Have the Blues, Sneakin' Around, Ten Long Years, Bad Luck, Sweet Little Angel, Sweet sixteen, Three O'Clock Blues et Please Accept My Love. En 1962, il signe avec ABC-Paramount Records.

En novembre 1964, il enregistre son album « live » le plus connu Live At the Regal, au Regal Theater de Chicago (Illinois).

B. B. King trouve le succès hors du monde du blues avec le titre The Thrill Is Gone, en 1969. Il est également reconnu par le monde de la musique rock en assurant la première partie des Rolling Stones, pendant leur tournée américaine de la même année.

De 1951 à 1985, B. B. King est apparu 74 fois dans les classements R&B du Billboard.

B.B. King en 1990

En 1988, il touche une nouvelle génération grâce au titre When Love Comes To Town, avec le groupe U2, sur leur album Rattle and Hum. En 2000, B. B. King enregistre avec Eric Clapton l'album Riding With the King.

Bien plus que de suivre la voie de son idole T-Bone Walker, B. B. King a su créer son propre son grâce à un toucher inimitable, semblant donner une réelle personnalité à sa guitare. Son style a influencé de nombreux bluesmen de la génération suivante, comme Eric Clapton , Mike Bloomfield et Duane Allman.

[modifier] Honneurs

Il a obtenu plusieurs Grammy Award du Meilleur disque de Blues traditionnel^[1], ainsi qu'une Presidential Medal of The Arts de la main du président George H. W. Bush en 1990. En 2003, Rolling Stone l'a classé 3^e meilleur guitariste de tous les temps^[2].

[modifier] « Lucille »

B. B. King raconte que lorsqu'il était jeune musicien, il jouait dans un bar lorsqu'une bagarre éclata. Elle fut tellement violente que quelqu'un renversa le poêle qui chauffait la pièce et le bar prit feu. Paniqué, tout le monde prit la fuite, mais arrivé dehors, il se rendit compte qu'il avait laissé sa guitare à l'intérieur ! Sachant qu'il lui faudrait plusieurs mois pour réunir les 300 dollars nécessaires pour la remplacer, le futur roi du blues retourna dans le bar en flammes pour retrouver sa guitare et en ressortit in extremis. Par la suite, il apprit que la bagarre avait été déclenchée à cause d'une fille appelée Lucille. Il décida alors d'appeler sa guitare Lucille afin de toujours se souvenir de ne pas agir stupidement dans la vie.

Un bar du même nom à Moscou lui est dédié.

Le manga Beck s'inspire de cette histoire pour la guitare du meme nom.

[modifier] Tournée d'adieux

En concert à Montreux, juillet 2006.

Âgé alors de 80 ans, B. B. King entame sa tournée européenne d'adieux par un concert à la Hallam Arena (Sheffield, Royaume Uni) le 29 mars 2006, accompagné de Gary Moore, avec qui il a déjà enregistré - notamment Since I Met You Baby - et organisé des tournées. Le volet britannique de cette tournée s'achève avec un concert le 4 avril à l'Arena de Wembley.

En juillet, il revient sur le continent européen faire ses adieux à la Suisse, en jouant deux fois (2 et 3 juillet) à l'occasion de la 40^e édition du Montreux Jazz Festival, ainsi qu'à Zurich, le 14 juillet, au Blues at Sunset. Lors du festival de Montreux, il se produit sur la scène de l'auditorium Stravinski en compagnie de Joe Sample, Randy Crawford, David Sanborn, Gladys Knight, Lella James, Earl Thomas, Stanley Clarke, John McLaughlin, Barbara Hendricks et George Duke. La tournée européenne prend fin le 19 septembre au Luxembourg (D'Coque).

De novembre à décembre 2006, B. B. King donne six concerts au Brésil. À l'occasion d'une conférence de presse, le 29 novembre à São Paulo, un journaliste lui demande si c'est sa dernière tournée d'adieux. Sa réponse est : « Un de mes acteurs préférés est écossais, il s'appelle Sean Connery. La plupart d'entre vous le connaissent dans son rôle de James Bond, 007. Un de ses films s'appelle Never Say Never Again ».

[modifier] Actualité

Graffiti. Сharkov, 2008

Âgé de 85 ans, B.B. King se produit le 22 juillet 2009 à Paris, au Palais des Congrès, avant de livrer un concert à Cognac le lendemain, dans le cadre du festival Blues Passions. À cette occasion, B. B. King est honoré par la municipalité en devenant « citoyen d'honneur » de la ville de Cognac, tandis qu'une rue de la ville porte désormais son nom. Sa première participation au festival datait de 1995. Le 27 mai 2010, B.B. King se produit à Rabat (Maroc) dans le cadre du Festival Mawazine.

Le 26 juin 2010, il participe au Crossroads Guitar Festival 2010 à Chicago. Ce festival est organisé par Eric Clapton avec de nombreux autres artistes.

Concert le 30 juin 2011 au Grand Rex, à Paris, ainsi que le 2 et le 3 juillet, avec Carlos Santana, au Montreux Jazz Festival. Le 21 juillet, il ouvre le festival de Jazz (es) de San Sebastián avec un concert gratuit sur la plage de la Zuriola.

Concert le 9 juillet 2012 au Grand Rex , à Paris, toujours un jeu très précis , une voix inimitable et une assistance en délire.

[modifier] Discographie

• Article détaillé : Discographie de B.B. King.

[modifier] Disques solos

• 1992 : King of the Blues (coffret 4 CD MCA Records)
• 2002 : The Vintage Years (coffret 4 CD ACE)

[modifier] Participations

• 1997 : I got to find me a Woman de Robert Lockwood Jr. (Verve-Polygram) avec Joe Louis Walker
• 1999 : John Henry conte lu par Denzel Washington sur une musique originale de BB King (Rabbit Ears records)
• 2000 : album riding with the king en duo avec Eric Clapton (wea)
• 2001 : album Masters de la Guitare (Sony)
• 2010 : album Black rock de Joe Bonamassa sur Night Life
• 2010 : album Living Proof (Sony) de Buddy Guy sur Stay Around A Little Longer
• 2012 : album Live from the underground (Def Jam / Cinematic Music Group) de Big K.R.I.T sur Praying Man

[modifier] Filmographie

Dans ses apparitions cinématographiques, B. B. King interprète son propre rôle, généralement sur scène.

• 1968 : For Love of Ivy de Daniel Mann (seulement 2 chansons produites par Quincy Jones)
• 1971 : Medicine Ball Caravan (We Come For Your Daughters) de François Reichenbach
• 1972 : En remontant le Mississippi (Along the Old Man River) de Claude Fléouter et Robert Manthoulis
• 1973 : Le Blues entre les dents (Blues Under the Skin) de Robert Manthoulis
• 1974 : Sing Sing Thanksgiving (B.B. King and Joan Baez in concert at Sing Sing Prison, 1972) de David Hoffman and Harry Willard
• 1985 : Série noire pour une nuit blanche (Into the Night) de John Landis (seulement 3 chansons dont celle du générique)
• 1991 : Mariés, deux enfants (Married… with Children) série télévisée de Ron Leavitt et Michael Moye (épisode 14 de la saison 5)
• 1993 : Drôles de fantômes de Ron Underwood
• 1993 : Mr Bluesman, film allemand de Sönke Wortmann (apparition à la fin du film)
• 1995 : Le Prince de Bel-Air (The Fresh Prince de Bel-Air) série télévisée d'Andy Borowitz et Susan Borowitz produite par Quincy Jones
• 1997 : When We Were Kings de Leon Gast
• 1998 : Blues Brothers 2000 de John Landis
• 2004 : La Route de Memphis (The Road to Memphis) de Richard Pearce

[modifier] Bibliographie

Notices d'autorité : Système universitaire de documentation • Bibliothèque nationale de France • WorldCat • Fichier d'autorité international virtuel •

[modifier] Livres en français

• Sebastian Danchin, B.B. King, Limon (collection Mood Indigo), 1993, 220 p. (ISBN 2-907224-28-X) 
• Sebastian Danchin, B.B. King, Fayard, 2003, 356 p. (ISBN 2-213-61618-3)  Avec une bibliographie sur 2 pages et une discographie détaillée sur 28 pages

[modifier] Livres en anglais

• (en) B.B. King et David Ritz, Blues All Around Me : The Autobiography of B.B. King, Avon Books, 1996, 336 p. (ISBN 0380973189 (hb))  (pb ISBN=0380787814)
• (en) B.B. King et Dick Waterman, The B.B. King Treasures, Virgin Books, 2005, 160 p. (ISBN 978-1852272746 (hb))  Includes a 60-min cd of interviews and music
• (en) Richard Kostelanetz, The B.B. King Reader : 6 Decades of Commentary, Hal Leonard, 2006, 256 p. (ISBN 978-0634099274)  Previously published by Music Sales or Schirmer as The B.B. King Companion: Five Decades of Commentary
• (en) David McGee, There Is Always One More Time, Backbeat Books (Lives in Music), 2005, 352 p. (ISBN 978-0879308438) 
• (en) Joe Nazel, B.B. King : King of the Blues, Melrose (Black American Series), 1998, 190 p. (ISBN 0-87067-792-6) 
• (en) Charles Sawyer, The Arrival of B.B. King : The Authorized Biography, Doubleday, 1980, 274 p. (ISBN 0385159293) 
• (en) David Shirley, Everyday I Sing the Blues : The Story of B.B. King, Franklin Watts, 1995, 128 p. (ISBN 978-0531112292) 

[modifier] Notes et références

[modifier] Liens externes

• (en) Site officiel
• (fr) Biographie exhaustive
• Une interview (en anglais) sur JazzWax
• Video de B.B. King "The thrill is gone"
• Éloge du Roi : B. B. King

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• Portail de la guitare

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Albert King

Albert King

Données clés

Surnom	The Velvet Bulldozer
Nom	Albert Nelson
Naissance	25 avril 1923  États-Unis
Décès	21 décembre 1992  États-Unis (Memphis, Tennessee)
Genre musical	Blues Deep soul
Instruments	Guitare
Années d'activité	Années 1960 - 1992
Labels	Stax Records

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Albert King (de son vrai nom Albert Nelson) est un guitariste,compositeur et chanteur de blues américain né le 25 avril 1923 et mort à Memphis, Tennessee le 21 décembre 1992.

Il est, avec B.B. King et Freddie King, un des trois kings de la guitare blues et il est également surnommé The Velvet Bulldozer (le bulldozer de velours) à cause de son physique imposant (2m01 pour 118 kg).

[modifier] Biographie

Albert Nelson est né dans une famille modeste à Indianola dans le Mississippi près d'une plantation de coton où il travaille pendant sa jeunesse. Ses premières influences musicales lui viennent de son père, Will Nelson, qui joue de la guitare. Pendant son enfance, il chante également à l'église dans un groupe de gospel. Il commence sa carrière professionnelle avec un groupe appelé In the Groove Boys à Osceola dans l'Arkansas.

Son premier succès est la chanson I'm A Lonely Man sortie en 1959. Il doit cependant attendre 1961 et la sortie de Don't Throw Your Love on Me So Strong pour devenir célèbre et atteindre la quatorzième place des classements de R&B. En 1966, il signe pour le label Stax pour lequel il sort en 1967 son album Born Under A Bad Sign. La chanson titre de cet album (écrite par Booker T. Jones et William Bell) devient le morceau le plus connu de Albert King et il sera repris par de nombreux artistes, entre autres (de Cream à Homer Simpson). Le 1^er février 1968, King est embauché par Bill Graham pour ouvrir le spectacle au Fillmore West devant John Mayall et Jimi Hendrix. Albert King est le premier musicien de blues à avoir joué au Fillmore West (il y rejouera plusieurs fois au cours de sa carrière).

Albert King meurt le 21 décembre 1992 d'une crise cardiaque à Memphis.

[modifier] Style

Albert King était un guitariste gaucher qui jouait généralement sur une guitare de droitier (les cordes n'étant pas inversées) car les guitares pour gaucher n'existaient pas à l'époque ; à l'instar d'Albert King, Jimi Hendrix utilisait une guitare de droitier, mais tenue en position de gaucher. Albert King est également connu pour avoir utilisé des accordages peu communs (comme un accordage de Do (Do-Si-Mi-Sol-Si-Mi) ou de Fa (Do-Fa-Do-Fa-La-Re) lui permettant de réaliser de plus grands bends). Adepte de la guitare électrique, sa guitare la plus célèbre est une Gibson Flying V (avec une forme triangulaire très caractéristique) qu'il avait appelée Lucy, à ne pas confondre avec la guitare Lucille de BB King.

Même s'il représente le Chicago Blues, il enregistra ses meilleurs albums, pendant les années 1970, sur le label de Memphis au service de la Soul et du R&B, Stax records, alors principal concurrent de la Motown (Detroit) au style si différent. Il métissa son Blues du meilleur R&B de l'époque, en s'inspirant du rock et du funk naissant (James Brown, Curtis Mayfield, The Meters, The Mar 's Keys). Son influence sur le blues, le rock, la soul et le funk contemporain est déterminante et de plus en plus reconnue après vingt ans d'oubli de la part du grand public : rythmes funky, suramplification, voix lente, posée, même son style si particulier est copié par de nombreux jeunes bluesmen et rockeurs d'hier à aujourd'hui. En France, il a influencé de nombreux chanteurs, des musiciens comme Paul Personne, Jean-Jacques Milteau ou Bill Deraime.

Parmi les musiciens anglophones qu'il a influencés, on peut citer parmi les plus connus Steve Cropper, Keith Richards, Ron Wood, Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jeff Beck, Mike Bloomfield, Gary Moore, Buddy Guy, Johnny Copeland, Johnny Winter, Robert Cray, Angus Young. Tous rendent ou lui ont rendu un hommage de son vivant, ou de manière posthume. De nombreuses critiques musicales retrouvent de ci et de là quelques notes, un bend, un refrain, un arrangement qui rappelle son style, sans forcément le copier. Mais de tous ses nombreux héritiers, Stevie Ray Vaughan a sans doute été le guitariste le plus fortement influencé par Albert King comme on peut l'entendre sur ses blues lents ou rapides, et les nombreux hommages qu'il a pu rendre à son aîné.

Par ailleurs, le solo de guitare d'Eric Clapton sur la chanson Strange Brew de Cream en 1967 est une reprise note à note du solo d'Albert King sur Crosscut Saw.

Albert King avait lui-même invité le guitariste irlandais Rory Gallagher à venir jouer avec lui, pour la plus grande fierté du bluesmen irlandais^[1] ; Stevie Ray Vaughan a par ailleurs fait paraître un CD qu'il avait enregistré avec Albert King : In session -1989- où l'on peut entendre les deux hommes, quelques années avant leurs morts.

Moins connu que BB King, John Lee Hooker ou Muddy Waters, Albert King reste donc comme l'un des grands bluesmen du XX^e siècle. Il a profondément influencé la musique contemporaine, beaucoup de chanteurs et musiciens, amateurs ou professionnels, de célèbres guitaristes ou restés inconnus, ont été inspirés consciemment ou non par une œuvre encore largement méconnue du grand public. Son style a profondément été influencé par les valeurs et les croyances d'un Sud si différent du reste des États-Unis, par les traditions liées au gospel, à la méditation et à la prière, enfin par les précurseurs dès les années 1930 et 1940 du jazz et du blues (Howlin' Wolf) alors naissants. Il faut attendre les années 1960 pour qu'à son tour il mâtine son blues de soul, de rock et de funk, et poursuive l'œuvre de création entreprise par des pionniers tels Sam Cooke, Bob Dylan ou Otis Redding, souvent aux frontières des genres.

[modifier] Discographie

Albert King à Paris (salle de la Mutualité) le 16 novembre 1978

• 1962 : The Big Blues, King Records
• 1967 : Born Under a Bad Sign, Stax Records
• 1968 : Live Wire/Blues Power, Stax Records
• 1969 : Years Gone By, Stax Records
• 1969 : King Of The Blues Guitar, Atlantic Records
• 1969 : Jammed together (Stax Records) avec Pops Staple et Steve Cropper
• 1970 : Blues For Elvis - King Does The King's Things, Stax Records
• 1971 : Lovejoy, Stax Records
• 1972 : I'll Play The Blues For You, Stax Records
• 1973 : Blues At Sunset, Stax Records
• 1973 : Blues At Sunrise, Stax Records
• 1974 : I Wanna Get Funky, Stax Records
• 1974 : Montreux Festival, Stax Records
• 1974 : The Blues Don't Change, Stax Records
• 1974 : Funky London, Stax Records
• 1976 : Albert, Tomato Records
• 1976 : Truckload Of Lovin' , Tomato Records
• 1977 : I'll Play the Blues For You, Tomato Records (avec John Lee Hooker)
• 1977 : King Albert, Tomato Records
• 1979 : New Orleans Heat, Tomato Records
• 1979 : Chronicle, Stax Records (avec Little Milton)
• 1983 : Crosscut Saw: Albert King In San Francisco, Stax Records
• 1984 : I'm In A Phone Booth, Baby, Stax Records
• 1986 : The Best Of Albert King, Stax Records
• 1986 : The Lost Session, Stax Records (avec John Mayall)
• 1989 : Let's Have A Natural Ball, Modern Blues Recordings
• 1989 : Live, Rhino Records
• 1990 : Door To Door, Chess Records 8 tracks A.King + 6 tracks Otis Rush
• 1990 : Wednesday Night In San Francisco, Stax Records
• 1990 : Thursday Night In San Francisco, Stax Records
• 1992 : Roadhouse Blues, RSP Records
• 2007 : The heat of the blues, Music Avenue, reprise des 4 disques parus en 1976 et 1977 chez Tomato Records