Nota: Para o single de James Blunt, veja 1973 (canção).

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1973 (MCMLXXIII) foi um ano comum, iniciado numa segunda-feira, do calendário gregoriano.

[editar] Eventos

• 27 de janeiro - Assinatura do Acordo de Paris para o Fim da Guerra e Restauração da Paz no Vietnam.
• 29 de Março - Tekin Ariburun torna-se presidente interino da Turquia, em substituição de Cevdet Sunay.
• 4 de Abril - Inauguração do World Trade Center, em Nova York
• 6 de Abril - Fahri Koruturk substitui Tekin Ariburun no cargo de presidente da Turquia.
• 10 de Julho - As Bahamas tornam-se independentes.
• 17 de Julho - O rei Mohammed Zahir Shah do Afeganistão é deposto pelo seu primo, Mohammed Daoud Khan.
• 28 de julho - Lançamento da Skylab III (segunda missão tripulada do programa Skylab).
• 11 de Setembro - Golpe militar liderado pelo General Augusto Pinochet depõe e assassina o presidente Salvador Allende no Chile.
• 24 de Setembro - A Guiné-Bissau declara a independência.
• Final da Guerra do Vietnã.
• Luis Carrero Blanco substitui Francisco Franco como presidente do governo de Espanha.
• Héctor José Cámpora substitui Alejandro A. Lanusse como presidente da Argentina.
• Raúl Alberto Lastiri substitui Héctor José Cámpora como presidente da Argentina.
• Juan Domingo Perón substitui Raúl Alberto Lastiri como presidente da Argentina.

[editar] Nascimentos

• 28 de Janeiro - Cynthia Benini, modelo, atriz e jornalista brasileira.
• 17 de Fevereiro - Elaine Bast, jornalista brasileira.
• 23 de Fevereiro - Wellington Muniz, humorista brasileiro.
• 24 de Março - Jim Parsons, ator norte americano
• 26 de Março - T.R. Knight, ator (teatro) norte americano.
• 2 de Abril - Roselyn Sanchez, atriz porto-riquenha.
• 3 de Abril - Jamie Bamber, actor britânico.
• 7 de Abril - Roger Gobeth, ator brasileiro.
• 8 de Abril - Angélica Freitas, poetisa e tradutora brasileira
• 11 de Abril - Jennifer Esposito, atriz norte-americana.
• 14 de Abril - Adrien Brody, ator norte-americano.
• 26 de Abril - Jules Naudet, diretor de cinemas francês.
• 28 de Abril - Jorge Garcia, ator americano.
• 29 de Abril - David Belle, fundador do movimento parkour.
• 16 de Maio - Jason Acuña, apresentador e ator estadunidense.
• 1 de Junho - Christiane Monteiro, dubladora brasileira.
• 14 de Junho - Michael Cade, ator estadunidense.
• 15 de Junho - Greg Vaughan, ator norte-americano.
• 19 de Junho - Letícia Spiller, atriz brasileira.
• 21 de Junho - Juliette Lewis, atriz norte-americana.
• 24 de Junho - Alexander Beyer, ator alemão.
• 24 de Julho - Ana Cristina de Oliveira, modelo e actriz portuguesa.
• 26 de Julho - Kate Beckinsale, actriz britânica.
• 6 de Agosto - Vanessa Gerbelli, atriz brasileira.
• 21 de Agosto - Sergey Brin, co-fundador e atual presidente da Google.
• 24 de Agosto
  • Dalila Carmo, atriz portuguesa.
  • Carmine Giovinazzo, ator estatudiense.
• 28 de Agosto - Takashi Takeuchi, ilustrador japonês das séries Fate/Stay Night e Tsukihime.
• 4 de Setembro - Jason David Frank,ator estadunidense mais conhecido por fazer o papel do maior power ranger da história dos Power Rangers,Tommy Oliver.
• 7 de Setembro - Shannon Elizabeth, atriz norte-americana.
• 3 de Outubro - Neve Campbell, atriz canadense.
• 30 de Outubro - Adam Copeland, wrestler estado-unidense.
• 1 de Novembro - Aishwarya Rai, atriz indiana.
• 22 de Novembro - Eliana, apresentadora e cantora brasileira.
• 24 de Novembro - Cássia Linhares, atriz brasileira.
• 28 de Novembro - Kinoko Nasu, autor japonês, criador das séries Fate/Stay Night e Tsukihime.
• 30 de Novembro - Angélica, apresentadora de televisão e atriz brasileira.
• 5 de Dezembro - Danielle Winits,modelo e atriz brasileira.
• 10 de Dezembro - Gabriela Spanic,modelo e atriz venezuelana.
• 14 de Dezembro - Thuy Trang, atriz vietnamita. Ela é melhor conhecida por seu papel como Trini Kwan, a primeira Ranger Amarela do seriado Mighty Morphin Power Rangers..

[editar] Falecimentos

• 22 de Janeiro - Lyndon Johnson, presidente dos Estados Unidos de 1963 a 1969 (n. 1908).
• 15 de Fevereiro - Tim Holt, ator estadunidense, famoso cowboy de faroestes B (m. 1919).
• 27 de Fevereiro - Bill Everett, cartunista norte-americano. (n. 1917).
• 23 de Março - Ken Maynard, ator estadunidense (n. 1895)
• 3 de Abril - Theo Dutra, jornalista e poeta brasileiro (n. 1948)
• 13 de Junho - Viriato Clemente da Cruz, poeta angolano e um dos fundadores do MPLA.
• 20 de Julho - Bruce Lee, ator e mestre em artes marciais sino-americano (n. 1940).
• 6 de Agosto - Fulgencio Batista, presidente de Cuba de 1940 a 1944 e de 1952 a 1959 (n. 1901).
• 26 de Agosto - Marques Rebelo, (Edi Dias da Cruz), escritor e jornalista brasileiro, da Academia (n. 1907).
• 31 de Agosto - John Ford, cineasta norte-americano. (n. 1894)
• 2 de Setembro - J.R.R Tolkien, escritor ingles. (n. 1892)
• 11 de Setembro - Salvador Allende, presidente do Chile (n. 1908).
• 24 de Setembro - Josué de Castro, escritor, nutrólogo, geógrafo e ativista brasileiro (n. 1908).
• 27 de outubro - Otilio Ulate Blanco, presidente da Costa Rica de 1949 a 1953 (n. 1891).
• 17 de novembro - Mira Alfassa, artista musicista francesa conhecida como Mãe.
• 3 de dezembro - Adolfo Ruiz Cortines, presidente do México de 1952 a 1958 (n. 1890).

[editar] Por tema

[editar] Prémio Nobel

• Física - Leo Esaki, Ivar Giaever, Brian D. Josephson.
• Química - Ernst Otto Fischer e Geoffrey Wilkinson.
• Paz - Henry Kissinger^[1] (Estados Unidos) e Lê Đức Thọ^[1] (Vietnam). Lê Đức Thọ recusa o prémio.
• Literatura - Patrick White.
• Medicina - Konrad Lorenz, Nikolaas Tinbergen, Karl von Frisch.
• Economia - Wassily Leontief.

Referências

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James Blunt
Erro ao criar miniatura: Parâmetros de miniatura inválidos James Blunt em Julho de 2011.
Informação geral
Nome completo	James Hillier Blount
Nascimento	22 de fevereiro de 1974 (38 anos)
Origem	Tidworth, Wiltshire, Inglaterra
País	Reino Unido
Gêneros	Pop rock, folk rock, soft rock
Instrumentos	Vocal, guitarra, piano, órgão, violino
Período em atividade	2004 – atualmente
Gravadora(s)	Warner/Atlantic/Custard
Página oficial	www.JamesBlunt.com

James Blunt (nome artístico de James Hillier Blount, Tidworth, 22 de fevereiro de 1974)^[1] é um cantor britânico.

[editar] Biografia

James vem de uma família de forte tradição militar. O cantor serviu por seis meses em Kosovo^[1] e depois fez parte da Guarda da Rainha.^[1] Além da carreira no exército britânico, Blunt cursou Engenharia Aeroespacial. Antes de embarcar na carreira musical, Blunt foi oficial da Life Guards, um reconhecido regimento do exército britânico e serviu no âmbito da NATO em Kosovo durante o conflito em 1999. Enquanto esteve destacado em Kosovo, Blunt foi apresentado ao trabalho dos Médicos sem Fronteiras (MSF), um grupo de ajuda humanitária mais conhecido por seu tratamento médico de emergência em regiões de conflitos. Desde então, Blunt tem apoiado os MSF, mantendo leilões beneficentes em muitos de seus concertos.

[editar] Primeiros anos de vida

Blunt nasceu em um hospital do exército em Tidworth, Hampshire, Inglaterra, primeiro filho de Jane e Charles Blount. Blunt passou sua infância vivendo na Inglaterra, Chipre, e na Alemanha, onde seu pai, coronel do exército britânico da Air Corps, e piloto de helicóptero militar, foi designado em vários momentos. Ele tem dois irmãos mais jovens. Seu pai incutiu-lhe o amor por voar, e Blunt ganhou seu brevê de piloto aos 16 anos.

[editar] Carreira militar

Como o exército britânico patrocinou sua educação universitária, Blunt foi obrigado a servir um mínimo de quatro anos nas forças armadas do país. Formou-se na Academia Militar Real de Sandhurst. Uma das suas primeiras missões foi no Canadá, onde a sua esquadra foi postada por um período de seis meses em 1998 para atuar como o exército oponente em exercícios de treino.

Em 1999 serviu com as forças da OTAN no Kosovo. Inicialmente designado para operações de reconhecimento ao longo da fronteira Macedônia-Iugoslávia, Blunt e sua unidade trabalharam adiante da linha de frente, indicando as posições sérvias para os bombardeios. Liderou a primeira esquadra de tropas a entrar em Priština, e foi o primeiro militar britânico a entrar no capital do Kosovo. Sua unidade recebeu a missão de assegurar o aeroporto de Priština. Houve momentos menos intensos durante a missão no Kosovo, no entanto; Blunt tinha trazido junto seu violão, e em alguns lugares, ao compartilhar uma refeição com os locais, Blunt se apresentava. Foi lá que, enquanto em serviço, ele escreveu a canção "No Bravery".

Bom esquiador, Blunt foi capitão da Equipe de Esqui da Cavalaria Alpina, em Verbier, Suíça, e acabou se tornando campeão de todo o Corpo Real blindado. Estendeu o seu serviço militar, em Novembro de 2000, e após um intenso período de seis meses de um curso de equitação no exército foi destacado para o regimento de Cavalaria Montada Doméstica, em Londres, Inglaterra. Durante este destacamento, Blunt foi entrevistado sobre suas responsabilidades em o programa de televisão Women on Top, que mostra uma série de escolhas profissionais incomuns; Blunt fez a guarda do caixão da Rainha Mãe e fez parte do seu cortejo fúnebre, em 9 de abril de 2002. Blunt finalmente deixou o exército em 1 de outubro de 2002, após ter servido seis anos.

[editar] Carreira

[editar] Discografia

Álbuns de estúdio

• 2004: Back to Bedlam
• 2007: All the Lost Souls
• 2010: Some Kind of Trouble

Ao vivo

• 2006: Chasing Time: The Bedlam Sessions

[editar] Singles

Referências

[editar] Ligações externas

O Commons possui multimídias sobre James Blunt

• Pagina oficial (em inglês)
• James Blunt (em inglês) no Internet Movie Database
• James Blunt no Internet Movie Database (em português)

• Portal da música
• Portal do Reino Unido

Em 1943 em NY Billy Rose, um dos mais importantes nomes da Broadway, que produziu um grandioso espetáculo, intitulado 'Nós Jamais Morreremos', que lotou o Madison Square Garden, em Nova York, e saiu em excursão por diversos estados americanos, sendo aplaudido por mais de cem mil espectadores. Constavam do elenco dois astros consagrados do cinema, Edward G. Robinson e Paul Muni, e um ator principiante, Marlon Brando Fonte: Revista Morashá nº 76/Junho de 2012

Marlon Brando
Marlon Brando em 1963.
Nome completo	Marlon Brando, Jr.
Nascimento	3 de abril de 1924 Omaha, Nebraska  Estados Unidos
Morte	1º de julho de 2004 (80 anos) Los Angeles, Califórnia Estados Unidos
Ocupação	ator
Altura	1,75 (5 ft 9) m
Atividade	1944 - 2004
Oscares da Academia
Melhor Ator 1954 - On the Waterfront 1972 - The Godfather
Prémios Golden Globe
Melhor Ator (Drama) 1954 - On the Waterfront 1972 - The Godfather
Festival de Cannes
Prix D'Interprétation Masculine 1952 - Viva Zapata!
BAFTA
Melhor Ator Estrangeiro 1952 - Viva Zapata! 1953 - Julius Caesar 1954 - On the Waterfront
IMDb: (inglês) (português)

Marlon Brando, Jr. (3 de abril de 1924 — 1º de julho de 2004) foi um ator estadunidense, que atuou por mais de meio século.

Ele é talvez mais conhecido pelos seus papéis como Stanley Kowalski em A Streetcar Named Desire (1951), Emiliano Zapata em Viva Zapata! (1952), Marco Antônio na adaptação da MGM da peça de Shakespeare, Julius Caesar e Terry Malloy em On the Waterfront (1954). Durante os anos 70, ele foi mais famoso pela sua performance vencedora do Oscar como Vito Corleone, em The Godfather (1972), de Francis Ford Coppola, e, também, pelo seu papel como Coronel Walter Kurtz em Apocalypse Now (1979), também de Coppola. Brando também recebeu uma indicação ao Oscar pela sua performance como Paul em Last Tango in Paris (1972), além de ter dirigido e estrelado One-Eyed Jacks (1961).

É considerado um dos maiores e mais influentes atores do século XX. Na opinião de Martin Scorsese, "Ele é o marco. Há o 'antes de Brando' e 'depois de Brando'."^[1] Brando foi, também, um ativista, apoiando diversas causas, mais notavelmente o movimento dos direitos civis dos negros nos Estados Unidos e diversos movimentos em defesa dos índios norte-americanos.

[editar] Biografia

Marlon Brando era filho de Marlon Brando Sr.(1895–1965) e Dorothy Pennebaker Brando. Os seus pais se separaram quando tinha apenas 11 anos de idade - em 1935. A sua mãe levou os filhos (Marlon, Jocelyn Brando (1919–2005) e Frances Brando (nascida em 1922)) para viver com a avó em Santa Ana, Califórnia, até 1937, quando decidiu reconciliar com o marido e viver com ele e com os rebentos numa vila chamada Libertyville, Illinois.

Dorothy era uma mulher talentosa, embora fosse viciada em bebidas alcoólicas e mãe ausente. Ela se envolveu com o teatro local, ajudou o jovem Henry Fonda a começar a carreira de ator e incutiu em Brando o interesse pela mesma. Sua irmã mais velha, Jocelyn, também foi atriz.

Brando teve uma infância tumultuada. Foi expulso da escola Libertyville High School e, aos 16 anos de idade, mandado para a academia militar Shattuck, em Fairbault, Minnesota. Lá, se sobressaiu nas aulas de teatro. Mas por tentar escapar do confinamento da escola, sofreu, mais uma vez, expulsão. Aceito de volta um ano mais tarde, decidiu não dar prosseguimento aos estudos.

Brando foi para Nova York atrás de suas irmãs. Uma tentava ser pintora enquanto a outra estava na Broadway. Em Nova York, Brando estudou em várias escolas de teatro com destaque para o tempo em que estudou com Stella Adler no seu estúdio que hoje ainda funciona como escola, a Stella Adler Actors Studio. Foi com Stella, a única professora nos EUA que realmente teve contato com Stanislavski que Brando definiu sua técnica.

Em 1976, Brando declarou que já teve experiências homossexuais com vários homens, e que não ligava para o que as pessoas pensavam.^[2]

[editar] Carreira

Marlon Brando na peça "Um Electrico Chamado Desejo" (A Streetcar Named Desire) que posteriormente iria para as telas de cinema.

Brando começou a chamar atenção atuando na peça de Tennessee Williams, Um Bonde Chamado Desejo. A peça foi filmada, mas acabou tendo seu lançamento atrasado, o que levou que figurasse como seu primeiro trabalho em cinema o filme, de 1950, Espíritos Indômitos. Esta produção contava a história de um veterano da Segunda Guerra Mundial ferido em combate angustiado por estar preso a uma cadeira de rodas.

Em Um Bonde Chamado Desejo - cujo filme recebeu no Brasil o nome de Uma Rua Chamada Pecado - dirigido por Elia Kazan e com a presença da atriz Vivien Leigh no papel de Blanche DuBois, Brando fazia o papel de Stanley Kowalski, um rude trabalhador de chão de fábrica que gostava de jogar cartas e boliche. Tornou-se um símbolo sexual ao aparecer em fotos como o personagem, sempre de camiseta que lhe realçava seus músculos. A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Los Angeles premiou o filme nas categorias de melhor atriz, Vivien Leigh, melhor ator coajuvante, Karl Malden e melhor atriz coadjuvante para Kim Hunter. Brando também foi indicado ao Oscar, mas mesmo sendo o franco favorito, não ganhou. Brando seria indicado mais três vezes em cada ano posterior em "Viva Zapata!" em 1952, Júlio César, 1953, no papel de Marco Antônio, e Sindicato de Ladrões em 1954.

No ano de 1953, Brando se tornaria um ídolo dos jovens da época ao interpretar Johnny Stabler em O Selvagem. No filme ele era um delinquente, líder de uma gangue de motoqueiros, vestido de jaqueta de couro e dirigindo uma motocicleta 1950 Triumph Thunderbird 6T. O filme marcaria toda uma geração de artistas, desde James Dean a Elvis Presley, os quais adoravam o estilo rebelde mostrado no filme.

Ganharia o primeiro oscar com o filme Sindicato de Ladrões/Há Lodo no Cais, dirigido por Elia Kazan. Nos anos 1960 faria alguns filmes polêmicos, como Caçada Humana, no qual é a vítima em uma longa cena de espancamento. E Queimada!, seu personagem favorito, usado para mostrar uma visão histórica do que teria sido a política de colonização europeia na América, com os portugueses e espanhóis agindo com violência e ganância, enquanto os ingleses buscavam tomar para si as colônias, atuando nos bastidores com mentiras e falso apoio aos nativos colonizados. Brando se mostra um grande ativista nos anos 1960, tendo participado de manifestações públicas em favor do Direitos Civis e dos Direitos dos Indígenas, campanha que o levou a recusar um oscar no início da década seguinte.

Mas seu estilo como ator alcançaria o auge do sucesso e da fama nos anos 1970, com O Poderoso Chefão/O Padrinho e Último Tango em Paris, entre outros, tendo sido indicado para mais dois oscars pela Academia de Hollywood. Venceu pela sua interpretação de Don Vito Corleone, que rendeu ao personagem o título de "maior vilão da história do cinema".

Quando venceu em 1973 o óscar pelo fime O Padrinho/O Poderoso Chefão, Marlon Brando enviou uma representante dos povos indígenas para fazer um discurso em seu nome, protestando contra a forma como os EUA e Hollywood discriminavam os nativos americanos.

Nos anos 1980 interrompe sua carreira e se retira para a ilha de Tetiaroa, na Polinésia Francesa, da qual era o dono desde 1966. Ganha peso e é fotografado várias vezes usando um largo sarongue polinésio. Com problemas financeiros, retomou sua carreira cinematográfica em 1989. Chegou a fazer uma paródia de si mesmo no filme de 1990 Um Novato na Máfia, no qual praticamente repetiu a caracterização de Don Vito Corleone. Passa a ter sérios problemas pessoais, com o julgamento do filho Christian por assassinato do namorado da irmã Cheyenne e que, deprimida, se suicidou poucos anos depois (1995).

Dirigiu apenas um filme: o western Cinco Anos Depois (Título original "One-Eyed Jacks") (1961), substituindo o diretor Stanley Kubrick no início das filmagens. Obteve alguns elogios da crítica, demonstrando estilo lento e inovador no gênero: filmou o mar, cenário incomum dos western. Também no duelo final com seu amigo na vida real Karl Malden, usa ângulos e coreografia fora do normal. No western que fez com Jack Nicholson, (Duelo de Gigantes, 1976), ele faz um pistoleiro bem estranho, dando continuidade à sua visão e a do diretor Arthur Penn, inovadora mas com tendências acentuadas para parodiar o gênero.

[editar] Filmografia

• 1950 - Espíritos indômitos (The Men)
• 1951 - Um bonde chamado Desejo (A streetcar named desire)
• 1952 - Viva Zapata! (Viva Zapata!)
• 1953 - Júlio César (Julius Caesar)
• 1954 - Desirée, o amor de Napoleão (Desirée)
• 1954 - Sindicato de Ladrões (On the Waterfront)
• 1954 - O Selvagem (The Wild One)
• 1955 - Eles e elas (Guys and dolls)
• 1956 - Casa de chá do luar de agosto (Teahouse of the August Moon, The)
• 1957 - Sayonara (Sayonara)
• 1958 - Os deuses vencidos (Young lions, The)
• 1959 - Vidas em fuga (The Fugitive Kind)
• 1961 - A face oculta (One-eyed jacks)
• 1962 - O grande motim (Munity on the bounty)
• 1962 - Contra Todos os Parentes (The Ugly American)
• 1964 - Dois farristas irresistíveis (Bedtime story)
• 1965 - Morituri (Morituri)
• 1966 - Meet Marlon Brando
• 1966 - Caçada humana (Chase, The)
• 1966 - Sangue em Sonora (Appaloosa, The)
• 1967 - A condessa de Hong Kong (A countess from Hong Kong)
• 1967 - O pecado de todos nós (Reflections in a golden eye)
• 1968 - Candy (Candy)
• 1968 - A noite do dia seguinte (Night of the following day, The)
• 1969 - Queimada! (Quemada!)
• 1972 - O Poderoso Chefão (Brasil) ou O Padrinho (Portugal) (Godfather, The)
• 1972 - Os que chegam com a noite (Nightcomers, The)
• 1973 - Último tango em Paris (Last tango in Paris)
• 1976 - Duelo de gigantes (Missouri breaks, The)
• 1978 - Superman - O filme (Superman)
• 1979 - Apocalypse Now (Apocalypse Now)
• 1979 - Raoni (Raoni: The Fight for the Amazon)
• 1980 - A fórmula (Formula, The)
• 1989 - Assassinato sob custódia (A dry white season)
• 1990 - Um novato na máfia (The Freshman)
• 1992 - Cristóvão Colombo - A aventura do descobrimento (Christopher Columbus: The Discovery)
• 1995 - Don Juan de Marco (Don Juan de Marco)
• 1996 - A ilha do Dr. Moreau (Island of Dr. Moreau, The)
• 1997 - O bravo (The Brave)
• 1998 - Loucos por dinheiro (Free Money)
• 2001 - A cartada final (Score, The)
• 2001 - You Rock My World (Videoclipe de Michael Jackson)
• 2006 - Superman - O Retorno (Superman Returns) (foram usados sons e imagens de arquivo digitalmente modificados)

[editar] Premiações

7 indicações e 2 premiações do Óscar da Academia para Melhor Ator (principal), nos seguintes filmes:

• Uma Rua Chamada Pecado(1952)
• Viva Zapata!(1953)
• Julius Caesar (1954)
• Sindicato de Ladrões (1955) - Venceu
• Sayonara (1956)
• O Poderoso Chefão (1973) - Venceu
• Último Tango em Paris (1974)

Uma indicação ao Óscar de Melhor Ator (coadjuvante/secundário):

• Assassinato Sob Custódia" (1990).

3 vitórias de 4 indicações ao Golden Globe Award para Melhor Ator (filme dramático), nos seguintes filmes:

• 1955:On the Waterfront - Venceu
• 1958: Sayonara
• 1964: The Ugly American
• 1973:The Godfather - Venceu

Recebeu uma indicação ao Golden Globe Award para Melhor Ator (comédia ou musical) em cinema, por "Casa de Chá do Luar de Agosto" (1956).

Recebeu uma indicação ao Golden Globe Award para Melhor Ator (coadjuvante/secundário) em cinema, por "Assassinato Sob Custódia" (1989).

3 vitórias de 6 indicações ao BAFTA de Melhor Ator Estrangeiro, no seguintes filmes:

• 1953: Viva Zapata! - Venceu
• 1954: Julius Caesar - Venceu
• 1955: On the Waterfront - Venceu
• 1973: The Nightcomers
• 1973: The Godfather
• 1974: Last Tango In Paris

Recebeu uma indicação ao BAFTA de Melhor Ator (coadjuvante/secundário), por "Assassinato Sob Custódia" (1989).

Ganhou o prémio de Melhor Ator, no Festival de Cannes, por "Viva Zapata!" (1952).

Ganhou o prémio de Melhor Ator, no Festival de Tóquio, por "Assassinato Sob Custódia" (1989).

Aparece na letra da música da banda Slipknot - Eyeless. Corey afirmando que "Não conseguem ver california sem os olhos de Marlon Brando."

Marlon Brando faleceu no dia 1 de julho de 2004, aos 80 anos. Segundo o advogado do ator David J. Seeley, Brando morreu em um hospital de Los Angeles (EUA).

Referências

[editar] Ligações externas

O Commons possui multimídias sobre Marlon Brando

O Wikiquote possui citações de ou sobre: Marlon Brando

• Marlon Brando (em inglês) no Internet Movie Database
• Sítio oficial (em inglês)
• Fotos

• Portal dos Estados Unidos
• Portal de biografias
• Portal do cinema

David Bowie
David Bowie no Festival de TriBeCa em 2009 na estreia de Moon, dirigido por seu filho Duncan Jones.
Informação geral
Nome completo	David Robert Jones
Nascimento	8 de janeiro de 1947 (65 anos)
Origem	Brixton, Londres, Inglaterra
País	Reino Unido
Gêneros	Rock, pop, glam rock, art rock, blue-eyed soul
Instrumentos	Vocal, guitarra, saxofone, piano, teclado, sintetizador, mellotron, harmônica, xilofone, vibrafone, koto, bateria, percussão
Período em atividade	1964—atualidade
Gravadora(s)	Deram, RCA, Rykodisc, Virgin, EMI, ISO, Columbia, BMG, Parlophone, Pye, Hanso
Afiliações	Spiders from Mars, Tin Machine, Queen, John Lennon, Iggy Pop, Lou Reed, Brian Eno
Influência(s)	The Beatles, Elvis Presley, Little Richard, The Rolling Stones, Pink Floyd, Velvet Underground, Syd Barrett, The Who, Kraftwerk, Neu!
Influenciado(s)	Nirvana, Siouxsie and the Banshees, The Cure, Gary Numan, John Foxx, Nine Inch Nails, The Germs, Magazine, John Lennon, New Romantic, Blitz Kids, Keanan Duffty, Steve Strange, Pixies, Marilyn Manson, Boy George, Groove Armada, Spacehog, Neïmo, Arckid, Stacey Q, Lady Gaga, Cherie Currie
Página oficial	www.davidbowie.com

David Bowie (AFI: [ˈboʊ.iː]; nome artístico de David Robert Jones, Brixton, 8 de janeiro de 1947) é um músico, ator e produtor musical inglês. Por vezes referido como "Camaleão do Rock" pela capacidade de sempre renovar sua imagem, ele tem sido uma importante figura na música popular há cinco décadas e é considerado um dos músicos populares mais inovadores e ainda influentes de todos os tempos, sobretudo por seu trabalho nos anos 70 e nos anos 80, além de ser distinguido por um vocal característico e pela profundidade intelectual de sua obra.

Embora desde cedo tenha realizado o álbum David Bowie e diversas canções, Bowie só chamou a atenção do público em 1969, quando a canção "Space Oddity" alcançou o quinto lugar no UK Singles Chart. Após um período de três anos de experimentação, que incluem a realização de dois significativos e influentes álbuns, The Man Who Sold the World (1970) e Hunky Dory (1971), ele retorna em 1972 durante a era glam rock com um alter ego extravagante e andrógino chamado Ziggy Stardust, sustentado pelo sucesso de "Starman" e do aclamado álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. Seu impacto na época foi um dos maiores cultos já criados na cultura popular.^[1] Em 1973, o disco Aladdin Sane levou Ziggy aos EUA. A vida curta da persona revelaria apenas uma das muitas facetas de uma carreira marcada pela reinvenção contínua, pela inovação musical e pela apresentação visual.

Em 1974, o álbum Diamond Dogs previa, com seu som e sua temática caótica, a revolução punk que surgiria anos depois. Em 1975, Bowie finalmente conseguiu seu primeiro grande sucesso em território americano com a canção "Fame", em co-autoria com John Lennon, do álbum Young Americans. O som constitui uma mudança radical no estilo que, inicialmente, alienou muitos de seus devotos no Reino Unido. Nessa etapa, a carreira musical de Bowie se renovou e seguiu novos rumos. Após a criação de uma nova persona, Thin White Duke, apresentada no aclamado Station to Station (1976), que traz um Bowie interessado em misticismo, Cabala e Nazismo, ele confundiu as expectativas de seu público americano e de sua gravadora com a produção do minimalista Low (1977)—a primeira das três colaborações com Brian Eno durante os próximos dois anos. A chamada "Trilogia de Berlim" (com "Heroes" e Lodger) trouxe álbuns introspectivos que lograram o topo nas paradas britânicas e que ganharam admiração crítica duradoura.

Seguindo o sucesso comercial irregular no final dos anos 70, a canção "Ashes to Ashes" do álbum de 1980 Scary Monsters (and Super Creeps) alcançou o primeiro lugar no Reino Unido e lançou bases para um novo movimento chamado New Romanticism. No ano seguinte, junto à banda Queen, escreveu e cantou a canção "Under Pressure" e em seguida atingiu novo pico comercial com o álbum Let's Dance (1983), que rendeu sucessos com a canção homônima e o fez cativar nova audiência. Ao longo dos anos 1990 e 2000, Bowie continuou a experimentar novos estilos musicais, incluindo os gêneros industrial, drum and bass, e adult contemporary. Seu último álbum de inéditas realizado até agora foi Reality, uma mistura de melancolia e humor, suportado pela A Reality Tour de 2003–2004.

A influência de David Bowie é única, musical e socialmente. Como escreveu o biógrafo David Buckley, "ele penetrou e modificou mais vidas do que qualquer outra figura comparável."^[1] De fato, grande é sua influência no mundo da música entre artistas e bandas mais antigas e a nova geração (Ver Influência), e, além de ter auxiliado movimentos como a libertação gay e a recriação de uma nova juventude independente, introduziu novos modos de se vestir na cena musical e tem uma carreira prestigiada no cinema. Em 2002, ficou em 29º lugar na lista popular 100 Greatest Britons e já vendeu mais de 136 milhões de álbuns ao longo de sua carreira. Foi premiado no Reino Unido com 9 certificações de álbum de platina, 11 de ouro e 8 de prata, e, nos Estados Unidos, 5 de platina e 7 de ouro. Em 2004, a Rolling Stone colocou-o na 39ª posição em sua lista dos "100 Maiores Artistas do Rock de Todos os Tempos" e em 23º lugar na lista dos "Melhores Cantores de Todos os Tempos".

[editar] Biografia

[editar] 1947–1962: Primeiros anos

David Bowie nasceu como David Robert Jones em Brixton, Londres, em 8 de janeiro de 1947. Sua mãe, Margaret Mary "Peggy" (née Burns), era descendente de irlandeses e trabalhava como arrumadeira de cinema, enquanto seu pai, Haywood Stenton "John" Jones, era oficial de promoções da Barnardo's. A família vivia no número 40 da Stansfield Road, próximo da fronteira das zonas londrinas do sul de Brixton e Stockwell. Um vizinho lembrou que "Londres na década de quarenta era o pior lugar possível, e o pior lugar possível para uma criança nascer." Bowie freqüentou a Stockwell Infants School até seus seis anos de idade, adquirindo reputação de garoto com talento para cantar e, principalmente, gritar.^[2][3]

Mudando-se em 1953 para um subúrbio próximo, em Bromley, a família o enviou à Burnt Ash Junior School. Sua voz foi considerada "adequada" no coral da escola, onde ele demonstrou uma capacidade musical acima da média.^[4] Aos nove anos de idade, foi introduzido ao método educativo de escutar sons e dançar, e sua dança agradou os professores, que a achavam "vividamente artística" e sua postura "surpreendente" para uma criança.^[4] Neste mesmo ano, seu interesse pela música cresceu quando o pai trouxe para casa discos de vinis de uma coleção americana com músicas cantadas por Frankie Lymon and the Teenagers, The Platters, Fats Domino, Elvis Presley e Little Richard.^[5][6] Ao ouvir Richard cantar "Tutti Frutti", Bowie diria mais tarde: "Eu tinha escutado a voz de Deus."^[7] Da mesma forma, o impacto de Presley em sua vida também foi enfático: "Eu vi uma prima minha a dançar 'Hound Dog' e eu nunca tinha visto ela se levantar e se mover tanto por nada. Realmente me impressionou, o poder da música. Comecei a procurar discos depois disso."^[6] No final do próximo ano, o garoto começou a aprender ukelele e tea-chest bass e a participar em sessões de skiffle com os amigos, além de ter começado a tocar piano; enquanto isso se apresentava para os amigos escoteiros fingindo ser Elvis e Chuck Berry e sua presença no palco era descrita como "fascinante... como alguém de outro planeta."^[6] Porém, entrou para a Ravens Wood School assim que viu que suas notas no Burnt Ash Junior não foram boas.^[8]

Era uma escola técnica incomum, como escreve o biógrafo Christopher Sandford:

"Apesar de seu status, a escola era, na época em que David chegou em 1958, rica em rituais misteriosos, como qualquer outra escola pública inglesa. Havia casas, nomeadas em homenagem a estadistas do século XVIII como Pitt e Wilberforce. E tinha um uniforme, e um elaborado sistema de recompensas e punições. Havia também um foco em idiomas, ciências e particularmente desenho, de onde uma atmosfera colegial floresceu sob a tutela de Owen Frampton. No relato de David, Frampton conduzia por força da personalidade, e não pelo intelecto; no entanto, seus colegas no Bromley Tech não eram famosos por nenhum dos dois, e renderam, aos alunos mais brilhantes em artes da escola, um regime tão liberal que Frampton encorajou o seu próprio filho, Peter, a prosseguir numa carreira musical com David, parceria brevemente intacta trinta anos mais tarde."^[8]

Bowie estudou arte, música e desenho, incluindo layout e typsetting. Depois de Terry Burns, seu meio-irmão por parte de mãe, apresentá-lo ao jazz moderno, o seu entusiasmo por instrumentistas como Charles Mingus e John Coltrane levou sua mãe a lhe dar um saxofone alto em 1961; não demorou para que o garoto recebesse aulas de um músico local.^[9] Em 1962, metido numa briga por conta de uma garota, recebeu um ferimento grave na escola, quando o amigo George Underwood lhe deu um forte soco no olho esquerdo usando um grande anel no dedo. Os médicos temiam que ele viesse a perder parcialmente a visão; foi forçado a ficar fora da escola para uma série de operações durante uma internação de quatro meses.^[10] O dano não pôde ser totalmente reparado—deixando-o com a percepção deficiente e com a pupila permanentemente dilatada (tempos depois isso tornaria-se a marca pessoal do artista, que embora tenha os dois olhos azuis, aparenta ter um olho de cada cor, fenômeno conhecido como heterocromia). Apesar da briga violenta, Underwood e Bowie continuaram amigos, e Underwood passou a cuidar da parte artística dos primeiros álbuns de Bowie.^[11]

[editar] 1962–1968: Os Kon-rads e os Riot Squad

De seu saxofone de plástico a um instrumento real em 1962, Bowie formou sua primeira banda aos 15 anos de idade. Os Kon-rads tocavam guitarra baseada no rock and roll em reuniões de jovens e em casamentos, e tinham uma formação que variava entre quatro e oito membros, entre eles Underwood.^[12] Ao deixar a escola técnica no ano seguinte, Bowie informou a seus pais o seu sonho de tornar-se uma estrela do rock. Não demorou, então, para sua mãe o arranjar um emprego como companheiro de eletricista. Frustrado pelas limitadas aspirações que seus colegas de banda tinham, Bowie deixou a Kon-rads e formou outra banda, os King Bees. Escreveu uma carta a um empresário inglês bem-sucedido, chamado John Bloom, que trabalhava com máquinas de lavar, convidando-o a "fazer por nós o que Brian Epstein fez pelos Beatles—e fazer mais um milhão." Bloom não respondeu à oferta, mas encaminhou o convite à Leslie Conn, parceiro de Dick James, que contratou Bowie, fazendo dessa a primeira gestão pessoal do artista.^[13]

Leslie Conn logo começou a promover o trabalho de David Bowie. O primeiro single do cantor, "Liza Jane", creditado à David Jones e os King Bees, não logrou nenhum sucesso comercial. Desapontado com os King Bees e o repertório blues de Howlin' Wolf e Willie Dixon, Bowie deixou a banda a menos de um mês depois de entrar para a Manish Boys, banda com levada blues, mas que também incorporava elementos do folk e soul: "Eu costumava sonhar em ser o Mick Jagger deles", recordaria Bowie anos mais tarde.^[13] "I Pity the Fool" não teve maior sucesso que "Liza Jane", e não demorou para que Bowie muda-se novamente de grupo, dessa vez entrando para o Lower Third, trio de blues fortemente influenciado pelo The Who. "You've Got a Habit of Leaving" não se saíu melhor, e marcou o fim do contrato com Conn. Declarando que iria deixar o mundo pop "para estudar mímica no Sadler's Wells", Bowie, no entanto, permaneceu no Lower Third. Seu novo empresário, Ralph Horton, seria uma figura importante em sua transição para artista solo mais tarde, e também o apoiou quando David mudou-se para outro grupo, o Buzz, cuja canção "Do Anything You Say" foi um verdadeiro fracasso. Enquanto era contratado por Buzz, Bowie entrou em 1967 para a Riot Squad; as gravações desse novo grupo, que incluíam músicas escritas por Bowie e covers do Velvet Underground, não foram nunca lançadas. Ken Pitt, introduzido por Horton, passou a ser então o novo empresário de Bowie.^[14]

Insatisfeito com seu nome artístico, na época Davy (e Davie) Jones, que em meados da década de 1960 permitia confusão com o ator Davy Jones do The Monkees, o jovem músico renomeou seu nome artístico baseado no sobrenome de um americano do século XIX chamado Jim Bowie e também à faca que ele popularizou.^[15] Seu single "The Laughing Game", lançado em abril de 1967, utilizava os vocais acelerados à estilo do The Chipmunks, mas não logrou sucesso comercial. David Bowie, seu álbum de estréia, lançado seis semanas depois, é uma amálgama de pop, folk, psicodelia e music hall, mas teve o mesmo destino de suas tentativas anteriores. O disco foi seu último lançamento por dois anos.^[16]

Fotografia de Lindsay Kemp em 1969 por Allan Warren.

Seu fascínio pelo bizarro reforçou-se com o encontro com o dançarino Lindsay Kemp, como disse o próprio Bowie: "Ele vivia em suas emoções, foi uma influência maravilhosa. Sua vida cotidiana era a coisa mais teatral que eu já tinha visto. Era tudo o que eu pensava sobre bohemia. Entrei para o circo."^[17] Kemp, por sua vez, lembrou: "Eu não o ensinei a ser um artista mímico, mas a botar para fora o que ele era .... Eu o ativei para liberar o anjo e o demônio que estava em seu interior."^[17] Estudando artes dramáticas com Kemp, do teatro avant-garde e da mímica à commedia dell'arte, Bowie ficou imerso na criação de personagens para apresentar ao mundo. Satirizando a vida numa prisão britânica, a canção de 1967 "Over the Wall We Go" tornou-se um single na voz de Paul Nicholas; outra composição de Bowie, chamada "Silly Boy Blue", foi realizada por Billy Fury no ano seguinte.^[18] Bowie começou a namorar Hermione Farthingale quando ela foi escalada junto a ele por Kemp para um minueto poético; logo ambos os amantes se mudaram juntos para um apartamento londrino. Tocando violão, ela formou um grupo com Bowie e o baixista John Hutchinson; entre setembro de 1968 e inícios de 1969, quando Bowie e Farthingale rompiam, o trio dava um pequeno número de concertos combinando folk, beat music, poesia e mímica.^[19]

[editar] 1969–1973: Do folk psicodélico ao glam rock

[editar] De Space Oddity ao Hunky Dory

Por conta da falta de sucesso comercial, Bowie se viu obrigado a tentar a ganhar a vida de formas diferentes. Uma dessas foi gravar um comercial para a empresa de sorvetes Lyons Maid, que, no entanto, foi rejeitado por outro do Kit Kat.^[20] Em 1969, foi realizado o filme de 30 minutos Love You till Tuesday, concebido como veículo para promover o cantor com apresentações de seu repertório. Apesar de não ter sido lançado até 1984, as sessões de filmagem em janeiro daquele ano levaram a um sucesso inesperado quando Bowie disse aos produtores: "Esse filme de vocês—Eu tenho uma nova canção para ele." Bowie gravou um demo da canção que daria o seu avanço comercial. "Space Oddity" foi lançada meses depois para coincidir com o primeiro pouso na lua.^[20] Rompendo seu namoro com Farthingale logo após o término do filme, Bowie mudou-se com Mary Finnigan como seu inquilino.^[21] Nesta época continuava sua divergência do rock and roll e do blues iniciada por seu trabalho com Farthingale e, por isso, juntou forças com ela, com Christina Ostrom e Barrie Jackson para conduzir um clube de folk nas noites de domingo no pub Three Tuns na High Street, em Beckenham.^[21] Este logo transformou-se em Beckenham Arts Lab, e ficou extremamente popular. O Beckenham Arts Lab organizou um festival livre num parque local, mais tarde imortalizado por Bowie na canção "Memory of a Free Festival".^[22] Realizado em 11 de julho, cinco dias antes do lançamento da Apollo 11, "Space Oddity" ficou em 5º lugar no top do Reino Unido. Seu segundo disco, Space Oddity, realizado em novembro, foi lançado no Reino Unido com o nome de David Bowie, o que causou certa confusão com seu antecessor homônimo, e o lançamento nos EUA foi antecipadamente intitulado Man of Words/Man of Music. À época de seu lançamento, não usufruiu sucesso comercial, mesmo com suas letras filosóficas de um mundo pós-hippie sobre paz, amor e moralidade, e um som de folk rock acústico fortificado pelo rock pesado.^[23]

	"Space Oddity" noicon Amostra da canção "Space Oddity". Realizada em julho de 1969 para coincidir com o primeiro pouso na Lua, foi a primeira do artista a receber relativo sucesso.
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Bowie conheceu Angela Barnett em abril de 69. Se casariam dentro de um ano. O impacto da moça sobre ele foi imediato, e o envolvimento dela em sua carreira teve longo alcance, deixando o empresário Kein Pitt em influência limitada.^[24] Estabelecido como artista solo após "Space Oddity", sentia falta de algo: "uma banda em tempo livre para apresentações e gravações—pessoas enfim com as quais ele poderia se relacionar pessoalmente."^[25] A lacuna se fortaleceu quando teve uma rivalidade artística com Marc Bolan, na época seu guitarrista de estúdio.^[25] Mas uma banda foi devidamente montada: John Cambridge, baterista que Bowie conheceu no Arts Lab, foi convivado por Tony Visconti, que tocaria no baixo, e Mick Ronson na guitarra elétrica. Após uma breve e desastrosa manifestação sob o nome de Os Hype, o grupo sofreu nova reconfiguração, agora apresentando Bowie como artista solo.^[25] O trabalho inicial do grupo ficou marcado por um desentendimento acalorado entre Bowie e Cambridge sobre o estilo do segundo de tocar bateria; a discussão chegou no ápice quando Bowie soltou: "Você está fudendo meu álbum". Cambridge deixou o grupo e foi substituído por Mick Woodmansey.^[26] Pouco tempo depois, ocorreu um ato que resultaria em anos de litígio: Bowie viu-se forçado a pagar indenização a Pitt, e por isso o demitiu, substituindo-o por Tony Defries.^[26]

"The Man Who Sold The World" noicon Trecho da canção do álbum homônimo (1970). À exemplo de contemporâneos como Led Zeppelin e Black Sabbath, antes de fazer sucesso com Ziggy Stardust Bowie escreveu um disco com canções de rock pesado e misterioso. "Life on Mars?" noicon Já o disco seguinte, Hunky Dory (1971) trouxe canções mais poéticas e com orientação pop e folk, como o sucesso "Life on Mars?", uma crítica à sociedade.

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As sessões de estúdio resultaram em seu terceiro disco, The Man Who Sold the World (1970), caracterizado pelo som de rock pesado da sua nova banda e que marcou explicitamente um afastamento do violão e do estilo folk estabelecido em Space Oddity. Para promover o álbum nos EUA, a Mercury Records financiou uma turnê de divulgação em que Bowie, entre janeiro e fevereiro de 1971, foi entrevistado por emissoras de rádio e mídia. Explorando sua aparência andrógina, a capa original da versão britânica retrata o cantor com cabelos longos e um vestido: ele o utilizou durante as entrevistas—para a aprovação de críticos, incluindo John Mendelsohn da Rolling Stones que o descreveu da seguinte forma: "deslumbrante, quase desconcertantemente lembra Lauren Bacall", e, nas ruas, a reação das pessoas variava entre o riso e a surpresa, até que um dos pedestres abordou Bowie com um revólver e lhe disse: "beije minha bunda".^[27][28] Durante a viagem, conheceu o trabalho de dois americanos proto-punks que foram seminais e que o levaram a desenvolver o conceito que formaria mais tarde a persona Ziggy Stardust: a fusão da personalidade de Iggy Pop com a música de Lou Reed; ambos elementos o fizeram produzir "o último ídolo pop".^[27] Uma amiga recordou seu hábito de "rabiscar notas em guardanapos sobre uma estrela do rock doida, chamada Iggy ou Ziggy", e, retornando à Inglaterra, declarou a intenção de criar uma personagem "que parecesse que havia chegado de Marte."^[27]

No álbum Hunky Dory (1971), Visconti, seu produtor e baixista, foi substituído de ambos os papéis por Ken Scott e Trevor Bolder, respectivamente. O álbum testemunhou o retorno parcial do cantor de "Space Oddity", com canções como "Kooks", escrito para seu filho, Duncan Zowie Haywood Jones, nascido em 30 de maio.^[29] Os pais escolheram seu nome kooky-o menino seria conhecido como Zowie pelos próximos 12 anos-por conta da palavra em grego zoe, vida.^[30] Por outro lado, o álbum também explorou temas sérios, e homenageia algumas de suas influências musicais, nas canções "Song for Bob Dylan", "Andy Warhol", e "Queen Bitch" (pastiche do som do Velvet Underground). O disco, contudo, não alcançou sucesso comercial na época.^[31]

[editar] Ziggy Stardust

David Bowie durante a Ziggy Stardust Tour, 1972

Em sua empreitada musical seguinte, Bowie desafiou, nas palavras do biógrafo David Buckley, "a crença central da música rock de sua época" e "criou provavelmente o maior culto da cultura popular."^[1] Vestido com um traje notável, seus cabelos tingidos de vermelho, e o rosto e os lábios fortemente maquiados, Bowie inaugurou a apresentação de Ziggy Stardust com os The Spiders from Mars—Ronson, Bolder e Woodmansey—num pub chamado Toby Jug em Tolworth, em 10 de fevereiro de 1972.^[32] A apresentação foi um sucesso e levou-o ao estrelato; Ziggy e os Spiders from Mars viajaram pelo Reino Unido ao longo dos próximos seis meses e propagaram um "culto a Bowie" que "era único, sua influência durou mais tempo e tem sido mais criativa do que talvez quase todas as forças dentro da cultura pop."^[32] Combinando elementos do hard rock de The Man Who Sold the World com o rock mais leve e experimental de Hunky Dory, o disco The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972) foi lançado em junho. "Starman", divulgada como canção principal do álbum, fez com que o Reino Unido focasse todos seus olhos em Bowie: ambos o single e o LP atingiram o topo rapidamente após sua performance da canção ser apresentada em julho no Top of the Pops. O álbum, que permaneceria nas paradas por dois anos, logo se juntou ao Hunky Dory, que agora fazia seis meses de idade. Ao mesmo tempo, as canções "John, I’m Only Dancing" e "All the Young Dudes", escrita e produzida para Mott the Hoople, tornaram-se sucesso em seu país de origem. A Ziggy Stardust Tour continuou pelos Estados Unidos.^[33]

Bowie contribuiu com back vocals no álbum solo Transformer (1972) de Lou Reed, co-produzindo o disco com Ronson.^[34] Seu Aladdin Sane (1973), que ainda trazia o glam rock à tona, atingiu o primeiro lugar no Reino Unido—tornando-se seu primeiro álbum a alcançar tal posição. Descrito pelo próprio Bowie como "Ziggy vai à América", contém canções que ele escreveu durante a viagem aos Estados Unidos, que depois continuou pelo Japão para promover o novo álbum de 73. Alladin Sane foi o primeiro álbum de Bowie realizado quando ele já era, de certa forma, conhecido como pop star, e trouxe outros sucessos, como "The Jean Genie", "Drive-In Saturday" e "Let's Spend the Night Together", cover dos Rolling Stones.^[35][36]

	"Ziggy Stardust" noicon Amostra da canção "Ziggy Stardust" (1972). Ela conta a história da persona homônima, incorporada por Bowie e que o creditou como pioneiro do glam rock. "Starman" noicon "Starman" (1972) foi um dos maiores sucessos de Ziggy e diz que há um homem esperando pelos humanos no céu.
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Seu amor em atuar o fez imergir em personagens criados para suas músicas. "Fora dos palcos sou um robô. No palco eu adquiro emoção. Provavelmente por isso que prefiro vestir-me como Ziggy do que como David." Porém, com a satisfação vieram graves dificuldades pessoais: atuando como a mesma pessoa por um longo período, tornou-se impossível separar Ziggy Stardust—e, mais tarde, o Thin White Duke—de sua própria pessoa nos bastidores. Ziggy, Bowie disse certa vez, "não me deixava sozinho durante anos. Foi quando tudo começou a azedar... Minha própria personalidade como um todo havia sido afetada. Tornou-se muito perigoso. Eu realmente tinha dúvidas sobre minha própria sanidade."^[37] Suas apresentações tardias como Ziggy, que incluíam canções do disco Ziggy Stardust bem como do Aladdin Sane, eram ultrateatrais, muitas vezes utilizando elementos da mímica aprendida anos antes com Lindsay Kemp, e cheias de momentos chocantes, em cenas nas quais Bowie simulava um sexo oral na guitarra de um Ronson elétrico.^[38] Bowie viajou e deu conferências de imprensa como Ziggy antes de uma abrupta e dramática "aposentadoria" dos palcos no Hammersmith Odeon, Londres, em 3 de julho de 1973. Foram realizadas filmagens desse evento final e histórico, e lançadas em 1983 como Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, dirigido por D. A. Pennebaker.^[39]

Depois de romper a união bem-sucedida com os Spiders from Mars, Bowie tentou deixar Ziggy para trás. Seu catálogo anterior aos sucessos de 1972 estavam sendo cada vez mais requisitados: The Man Who Sold the World foi relançado em 1972 junto com Space Oddity. "Life on Mars?", de Hunky Dory, é lançado em junho de 1973 e chegou à terceira posição na UK singles chart. Em setembro, "The Laughing Gnome", gravado originalmente em 1967, atingiria a quarta posição.^[40] Pin Ups, coleção de covers de suas canções favoritas da década de 1960, foi lançado em outubro de 73, e trouxe o hit "Sorrow", que alcançou a primeira posição, dando a Bowie o crédito de artista mais vendido no Reino Unido em 1973. Também cresceram a vendagem de seus álbuns anteriores, que chegaram, juntos, à sexta posição no UK chart.^[41]

[editar] 1974–1976: Soul, funk e o Thin White Duke

Bowie a se apresentar durante a Diamond Dogs Tour, 1974.

"Future Legend" noicon Amostra de "Future Legend", faixa que inicia o disco de 1974 Diamond Dogs. É um áudio que acompanha apenas a voz de Bowie anunciando um mundo selvagem pós-apocalíptico que se segue nas faixas seguintes. "Rebel Rebel" noicon Refrão de "Rebel Rebel" (1974), que, por sua letra e melodia jocosas, ainda nos remete ao glam rock de 72 ao se referir a uma moça "rebelde" e andrógina cuja mãe não sabe se ela é uma menina ou um menino.

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Bowie mudou-se para os Estados Unidos em 1974, hospedando-se em Nova Iorque antes de se estabelecer em Los Angeles.^[42] Diamond Dogs (1974), álbum que o encontrou dividido entre o soul e o funk, derivou-se de duas idéias distintas: um musical baseado num futuro selvagem e sediado numa cidade pós-apocalipse e a tarefa de musicar o livro 1984 de George Orwell.^[43] O disco alcançou a primeira posição no Reino Unido e a quinta nos EUA, gerando os sucessos "Rebel Rebel" e "Diamond Dogs". Para promovê-lo, Bowie lançou a Diamond Dogs Tour, visitando cidades da América do Norte entre junho e dezembro de 1974. Com coreografias de Toni Basil, e ricamente produzido com elementos teatrais e efeitos especiais, a produção de alto orçamento foi filmada por Alan Yentob. O resultado dessas imagens foi o documentário Cracked Actor, apresentando um Bowie pálido e magérrimo: de fato, a turnê coincidiu com a queda do cantor em usar constantes doses de cocaína, que o afetou com debilidades físicas graves, paranóias e problemas emocionais.^[44] Mais tarde, Bowie comentaria que seu primeiro álbum ao vivo, David Live (David ao vivo, 1974), deveria se chamar "David Bowie Está Vivo e Bem e Vivendo Apenas na Teoria". David Live, no entanto, solidificou seu status de superstar, e alcançou a segunda posição no Reino Unido e a oitava nos EUA. Depois de uma curta pausa em Filadélfia, onde Bowie também gravou novo material, a turnê recomeçou com uma nova ênfase na música soul.^[45]

Cantando em Washington, D.C. em 1974 para promover Young Americans.

O fruto dessas sessões de gravação na Filadélfia foi o disco Young Americans (1975). O biógrafo Chritopher Sandford comenta: "Ao longo dos anos, a maioria dos roqueiros britânicos tentaram, de uma forma ou de outra, tornar-sem negros por extensão. Poucos tinham se sucedido tão bem como Bowie."^[46][47] A levada do álbum, que o cantor chamou de plastic soul, constituiu uma mudança radical no estilo que, inicialmente, alienou muitos de seus devotos do Reino Unido.^[48] Young Americans trouxe a primeira canção de Bowie a atingir a primeira posição nos EUA, "Fame", co-escrita com John Lennon, que também contribuiu com backing vocals, e Carlos Alomar. Distinguindo-se como um dos primeiros artistas brancos a aparecer no programa de variedades americano Soul Train, Bowie cantou "Fame" e "Golden Years", seu single de outubro.^[49] O disco foi um sucesso comercial nos EUA e no Reino Unido e, aproveitando tal prestígio, as gravadoras relançaram "Space Oddity" de 1969, que então veio a ser a primeira canção do artista a atingir a primeira posição no Reino Unido, meses depois de "Fame" alcançar o mesmo nos EUA.^[50] Embora seu estrelato nessa época estivesse melhor estabelecido, Bowie só existia essencialmente quando podia mudar e surpreender, mesmo com as vendas estabelecidas de suas gravações (na época, mais de um milhão de cópias só do álbum Ziggy Stardust).^[51] Em 1975, ecoando o desentendimento amargo que teve com Pitt quinze anos antes, Bowie demitiu seu novo empresário. No auge do conflito que se seguiu em meses de duração na justiça, assistiu, como descreve o biógrafo Christopher Sandford, "milhões de dólares de seus ganhos futuros serem entregues a DeFries em termos excepcionalmente generosos", e então "trancafiou-se na West 20th Street, onde por uma semana seus gritos podiam ser ouvidos através da porta do sótão trancado."^[51] Michael Lippman, seu advogado durante as negociações, tornou-se também seu mais novo empresário; Lippman, por sua vez, receberia uma compensação significativa depois de também ser demitido por Bowie no ano seguinte.^[52]

Bowie como Thin White Duke durante a Isolar – 1976 Tour, no Maple Leaf Gardens, 1976.

Station to Station (1976) apresentava uma nova persona, o "Thin White Duke" do título principal. Visualmente, era uma extensão de Thomas Jerome Newton, o extraterrestre que ele retratou no filme The Man Who Fell to Earth do mesmo ano.^[53] Desenvolvendo o funk e o soul de Young Americans, este novo disco também prefigurava o krautrock e sintetizava a música dos seus próximos lançamentos. Trazia um Bowie interessado em misticismo e na Cabala. Sua toxicodependência tornou-se pública quando Bowie foi entrevistado por Russell Harty no programa London Weekend Television, numa antecipação da turnê do álbum. Pouco antes da entrevista propagada via satélite começar, era anunciada a morte do ditador espanhol General Franco. Pediram para que Bowie abandonasse a reserva do satélite a fim de que permitisse que o governo espanhol transmitisse notícias sobre o ocorrido. Recusou-se a fazê-lo, e sua entrevista continuou. Na conversa em que se seguiu, conforme descrito pelo biógrafo David Buckley, "o cantor não deu nenhum sentido àquela que foi uma entrevista bastante extensa. [...] Bowie parecia completamente desconexo e mal conseguia pronunciar uma fase coerente."^[54] Sua sanidade tornou-se distorcida pela cocaína e ele sofreu overdoses durante todo o ano, além de emagrecer fisicamente de maneira alarmante.^[44][55]

No O'Keefe center, 1976.