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Buster Keaton

Buster Keaton [ˌbəstər ˌki:tn] (eigentlich Joseph Francis Keaton; * 4. Oktober 1895 in Piqua, Kansas; † 1. Februar 1966 in Woodland Hills, Kalifornien) war ein amerikanischer Schauspieler, Komiker und Regisseur.

Keaton zählte neben Charles Chaplin und Harold Lloyd zu den erfolgreichsten Komikern der Stummfilmzeit. Wegen seines bewusst ernsten, stoischen Gesichtsausdrucks wurde er The Great Stoneface und Der Mann, der niemals lachte genannt. Ein weiteres Markenzeichen war sein pork pie hat, ein runder, flacher Hut aus Filz.

Durch sein akrobatisches Talent machte er schon als Kind Karriere im Vaudeville, ehe er mit einundzwanzig Jahren in den Filmen von Roscoe Arbuckle auftrat. Drei Jahre später begann er mit der Produktion eigener, sehr erfolgreicher Komödien. Mit The Navigator gelang ihm 1924 der Durchbruch und der Anschluss zu den beliebtesten Komikern seiner Zeit, Chaplin und Lloyd.

Im Zuge des finanziellen Misserfolgs seines aufwendigen Films The General wurde Keaton 1928 Schauspieler bei MGM. 1933 wurde ihm, der mittlerweile alkoholkrank war, aufgrund anhaltender Konflikte mit dem Firmenvorstand gekündigt und er geriet in Vergessenheit. In den 1950er Jahren setzte die Wiederentdeckung und Würdigung seiner technisch innovativen Stummfilmkomödien ein, die heute zu den bedeutendsten Werken der Filmgeschichte gezählt werden.

[Bearbeiten] Leben

[Bearbeiten] Kindheit und Jugend

Die Three Keatons, Aufnahme von 1901

Joseph Frank (später: Francis) Keaton wurde als erstes Kind von Joseph (Joe) Hallie Keaton und Myra Keaton, geb. Cutler, in Piqua, einem kleinen Ort im Mittleren Westen der USA, geboren. Der Familientradition entsprechend wurde der Sohn nach seinem Vater, aber auch nach seinem Großvater mütterlicherseits benannt. Den Namen Buster gaben ihm seine Eltern angeblich, nachdem er unverletzt einen gefährlichen Sturz die Treppe hinunter überstand. Dies soll den Entfesselungskünstler Harry Houdini zur Bemerkung veranlasst haben: „That’s sure some buster your baby took!“ (etwa: „Das war ein ganz schöner Sturz, den euer Baby da hingelegt hat“).^[1] Marion Meade äußerte in ihrer Keaton-Biographie jedoch die Vermutung, dass der legendäre Houdini erst nachträglich in die Anekdote Einzug fand. Als gesichert gilt, dass Keaton der Erste war, der den später häufiger auftauchenden Vornamen Buster trug.

Seine Eltern waren zum Zeitpunkt seiner Geburt auf Tournee mit der Mohawk Indian Medicine Show, einer damals üblichen Mischung aus Wunderheilung und Unterhaltung. Ab 1899 suchten Myra und Joe Keaton ihr Glück in den Vaudeville-Shows von New York. Nach einem enttäuschenden Start nutzten die beiden ab Oktober 1900 das Talent ihres Sohnes, Stürze unbeschadet wie klaglos zu überstehen, und nahmen ihn mit auf die Bühne. Als „menschlicher Mop“ wurde er vom Vater rücksichtslos, aber zum Gaudium des Publikums in die Kulissen geschleudert. Inhalt dieser burlesken, slapstickartigen Nummern war die harsche Erziehung des Sohnes. Dabei lernte Buster früh, dass die Zuschauer um so mehr lachten, desto weniger er es tat. Die außergewöhnlich brutal anmutenden Darbietungen entwickelten sich zu einem Publikumserfolg. Aus den Two Keatons wurden bald The Three Keatons mit Buster als Star.

Doch auch die New York Society for the Prevention of Cruelty to Children (NYSPCC oder, nach einem ihrer Gründer, Gerry Society) interessierte sich für das Kind. Diese gemeinnützige Organisation zeigte Misshandlung und Ausbeutung von Kindern an. Die Eltern versuchten dem zu begegnen, indem sie Buster als kleinwüchsigen Erwachsenen oder um einige Jahre älter ausgaben. Mit nur einem Auftrittsverbot, im Staat New York von 1907 bis 1909, kamen die Keatons glimpflich davon. Joe Keaton musste jedoch seine Pläne fallen lassen, die ganze – mittlerweile um die Kinder Harry (Spitzname „Jingles“) und Louise erweiterte – Familie auf die Bühne zu bringen. Buster Keaton selbst verwahrte sich auch später gegen die Sichtweise, die von ihm auf der Bühne erlittenen Schläge und Stürze seien eine Form von Kindesmisshandlung gewesen.

Da er nahezu seine ganze Kindheit und Jugend im Vaudeville verbrachte, erfuhr Keaton nie eine geregelte schulische Ausbildung. Im Alter von 21 Jahren beschloss er, sich auch künstlerisch von seinen Eltern zu lösen und ein eigenes Engagement zu suchen. Er war nun zu groß für den Jungen, den er spielen sollte; zudem litt die Nummer unter dem bereits ausgeprägten Alkoholismus seines Vaters.

[Bearbeiten] Der Weg zum Film

Keaton sollte ab März 1917 in New York in einer extravaganten Musik-Revue auftreten. Zufällig traf er einen alten Freund aus seiner Jugend, der nun in einem Filmstudio arbeitete. Dieser lud Keaton ein, das Studiogelände zu besuchen und stellte ihm Roscoe Arbuckle vor, der seinerzeit als der beliebteste Filmkomiker neben Charles Chaplin galt. Als Keaton sich durch das Studio führen ließ, arbeitete Arbuckle gerade an seinem ersten Film unter seinem neuen Produzenten Joseph Schenck.

Keaton war Arbuckle gegenüber zunächst eher skeptisch eingestellt, da er ungefragt Bühnenroutinen der Keatons in einem Film übernommen hatte.^[2] Außerdem galten die „bewegten Bilder“ als Konkurrenz des Vaudeville. Die Technik des Filmens aber faszinierte Keaton. Das Angebot Arbuckles, stante pede in dessen Film aufzutreten, schlug er daher nicht aus: The Butcher Boy (1917) gilt als Keatons Leinwanddebüt. In der von Buster Keaton improvisierten Sequenz ist er bereits mit seinen späteren Markenzeichen, dem fast unbewegtem Gesichtsausdruck und dem flachen pork pie hat, zu sehen. Eine Anekdote besagt, dass er sich am selben Tag eine Kamera vom Set auslieh, um sie zu Hause neugierig auseinanderzunehmen. Begeistert ließ Keaton seinen einträglichen Bühnenvertrag auflösen, um für weit weniger Geld bei den Filmen von Arbuckle mitzuwirken.^[3]

Buster Keaton während seines Kriegsdienstes 1918

Bis 1920 drehte Keaton 15 Two-Reeler (Kurzfilme von etwa 20 bis 25 Minuten Länge) als Partner von Arbuckle und wurde so mit jeder Facette des Filmemachens vertraut gemacht.^[4] Auch wenn er sich von Kindheit an das „Poker-Face“ für seine Bühnenauftritte angewöhnt hatte, ist Buster in den Filmen dieser Phase seiner Karriere teilweise hysterisch lachend zu sehen. Doch Keatons subtiles Humorverständnis und seine Erfahrungen aus dem Vaudeville prägten im Lauf der Zeit den Stil der Filme Arbuckles immer stärker. Er entwarf nicht nur den Großteil der Gags und der Handlung, sondern führte bald neben Arbuckle Regie.

Nach seinem Kriegsdienst von Juli 1918 bis März 1919 in Frankreich kehrte Buster Keaton trotz besserer Angebote zu Arbuckles Comique Studio zurück. Seit 1917 war das Studio im noch jungen Hollywood beheimatet, das besseres Klima und damit mehr Außendrehtage bot als New York. Nach nur drei weiteren gemeinsamen Filmen nahm Arbuckle allerdings Ende 1919 das Angebot an, mit der Produktionsfirma Famous Players-Lasky (später Paramount Pictures) Filme in Spielfilmlänge (damals 60–70 Minuten) zu drehen. Arbuckles bisheriger Produzent Joseph Schenck bot daraufhin Keaton an, Arbuckles Stelle einzunehmen und eigene Filme in kreativer Freiheit zu drehen. Das neue Filmstudio Metro (später aufgegangen in Metro-Goldwyn-Mayer) sollte den Vertrieb sämtlicher Keaton-Filme übernehmen.

Für die von Metro produzierte Komödie The Saphead in Spielfilmlänge wurde Keaton daher noch im selben Jahr als Hauptdarsteller verpflichtet. Die Kritik zu Keatons erstem großen Filmauftritt war wohlwollend, aber nicht enthusiastisch: „Buster ist ein natürlicher, gefälliger Komiker.“^[5]

[Bearbeiten] Buster-Keaton-Studios

Buster Keaton drehte seine Filme im alten Studio von Charlie Chaplin. Seinen gelungenen, aber nicht umwerfenden Erstling The High Sign (1920) hielt er vorerst zurück. Keatons erste Veröffentlichung One Week („Flitterwochen im Fertighaus“) von 1920 hingegen gilt heute als Klassiker des Genres. Der originelle, aufwändige und klug konstruierte Kurzfilm handelt von dem letztlich desaströsen Versuch eines frischvermählten Pärchens, sich ein Fertigteil-Haus nach Anleitung zu zimmern.

Von den insgesamt 19 Kurzfilmen aus den Keaton-Studios zählt heute Cops (1922) zu den bekanntesten: Am Höhepunkt jagen hunderte Polizisten Buster durch die Straßen von New York. Dieses Motiv findet sich variiert wieder in seinen abendfüllenden Komödien Seven Chances (hier sind es erst hunderte heiratswillige Bräute, schließlich unzählige Felsbrocken) und Go West (mit einer Rinderherde in Los Angeles).

Erst relativ spät – verglichen mit den anderen großen Stummfilmkomikern der Zeit, Charlie Chaplin und Harold Lloyd – verlegte sich Keaton auf abendfüllende Komödien. Während sein erster Versuch The Three Ages (1923) im Prinzip aus drei Kurzfilmen bestand und den typischen, comic-artigen Humor der Kurzfilme aufwies, änderte Keaton seinen Stil grundlegend mit Our Hospitality. Ab jetzt legte er höheren Wert auf Glaubwürdigkeit der Gags, aus der Überzeugung, das Publikum sonst nicht an die Geschichte fesseln zu können.

In Our Hospitality ist neben seinem Vater Joe Keaton das einzige Mal seine damalige Ehefrau in einem seiner Filme zu sehen. Natalie Talmadge war die Schwägerin seines Produzenten Joseph Schenck. Keaton heiratete sie 1921. Ihr erster gemeinsamer Sohn James ist im Alter von einem Jahr ebenfalls in dem Film zu sehen.

Mit The Navigator schloss Keaton endgültig zu den beiden populärsten Filmkomikern der Zeit, Chaplin und Lloyd, auf. Es blieb eine seiner finanziell erfolgreichsten Produktionen. In dem 1924 gedrehten Film verschlägt es ihn und seine Partnerin Kathryn McGuire auf ein verlassenes, riesiges Schiff, das ziellos im Ozean treibt.

Die nächsten Filme (Seven Chances, Go West und – als sein größter kommerzieller Erfolg – Battling Butler) bestätigten die außergewöhnliche Popularität Keatons, dessen Ruhm auch darauf gründete, dass er spektakuläre Stunts erfand und selbst ausführte. Die Dreharbeiten waren so stets mit großem Risiko verbunden: Bei einer Szene am Höhepunkt von Our Hospitality (einem Stunt an einem Wasserfall) schluckte er zu viel Wasser; sein Magen musste ausgepumpt werden. Bei Sherlock Jr. (1924) wurde sein Kopf mit Wucht gegen Gleise geschleudert. Keaton litt danach unter schweren Kopfschmerzen, die nach einigen Tagen verschwunden waren. Der Bruch eines Nackenwirbels, den er sich dabei offenbar zugezogen hatte, wurde zufällig und erst Jahre später bei Röntgenaufnahmen entdeckt.

[Bearbeiten] Finanzielle Desaster

Mit The General, einer 1926 gedrehten, epischen Komödie, die zur Zeit des Amerikanischen Bürgerkriegs spielt, trieb Keaton seinen Anspruch in Sachen Glaubwürdigkeit und Authentizität auf die Spitze: Er ließ eine historische Dampflokomotive in die Tiefe stürzen. Diese einzelne Szene zählt zu den teuersten der ganzen Stummfilm-Epoche. Das zeitgenössische Publikum konnte sich für den Film jedoch nicht begeistern, und auch von den meisten Kritikern wurde das Werk meist als langweilig abgetan.

Nach diesem Flop übernahm sein Produzent Joseph Schenck verstärkt die Kontrolle über die Produktionen Keatons und stellte diesem – gegen Keatons Willen – Drehbuchautoren und Regisseure zur Seite. Vor allem achtete er strenger auf das Budget. Der folgende Film College (1927) litt deutlich unter den neuen Beschränkungen, wenn auch Keatons Handschrift unverkennbar ist. Letztlich spielte die eher konventionelle Komödie an den Kinokassen nicht mehr Geld ein als The General.

In Steamboat Bill Jr. (1928) realisierte Keaton den vielleicht gefährlichsten und legendärsten Stunt seiner Karriere, indem er eine Hausfassade auf sich kippen ließ und nur durch ein kleines Giebelfenster verschont bleibt. Es sollte seine letzte unabhängige Produktion werden. Die Kosten wurden noch einmal in die Höhe getrieben, als das Finale des Films samt bestehender Bauten geändert werden musste, weil kurz zuvor eine verheerende Überschwemmung in Amerika Schlagzeilen gemacht hatte und deshalb aus der ursprünglich geplanten Flut ein Hurrikan werden sollte. Die Einnahmen des Films blieben hinter denen von The General und College zurück.

Noch während der Dreharbeiten löste Produzent Joseph M. Schenck, inzwischen Präsident der United Artists, seinen Vertrag mit Keaton. Diesem legte er nahe, einen Vertrag mit MGM, dem mittlerweile größten Filmstudio, zu unterzeichnen. Sowohl Chaplin als auch Lloyd warnten Keaton vor dem kontraproduktiven Studiosystem. Doch Keaton ließ sich von Joseph Schenck überzeugen. Später bezeichnete er diesen Schritt als den größten Fehler seines Lebens.^[6]

[Bearbeiten] Niedergang bei MGM

Keaton mit 'pork pie hat', circa 1939

Bei MGM sollte sich Keaton dem rigiden Studio-System unterwerfen. So wurde etwa verlangt, strikt nach einem vorliegenden Drehbuch zu arbeiten. Das widersprach Keatons bisherigem Arbeitsstil, der – ähnlich wie andere Stummfilmkomiker – den Großteil seiner Ideen aus der Improvisation schöpfte und niemals nach einem Drehbuch arbeitete. Es kam zu ernsthaften Spannungen zwischen dem mächtigen Produzenten Louis B. Mayer und Keaton, der sich vorerst einen gewissen Freiraum erkämpfen konnte. Sein erster Film bei MGM The Cameraman (1928) gilt als der letzte im Stile Keatons. Den großen Erfolg der Komödie verbuchte das Studio für sich und entzog Keaton nicht nur langjährige Mitarbeiter, die mit ihm zu MGM gewechselt waren, sondern auch künstlerischen Einfluss. Stattdessen bekam er Berater zur Seite gestellt, die lenkend in die Entwicklung des Films eingreifen sollten. Seinem letzten Stummfilm Spite Marriage (1929) ist das deutlich anzumerken. Obwohl diesmal streng nach einem genauen Drehbuch entstanden, wirkt der Film nach Meinung von Kritikern viel weniger stringent als die klassischen Keaton-Komödien.

Schon Spite Marriage, der in der Zeit des aufstrebenden Tonfilms entstand, wollte Keaton als Tonfilm produzieren. Wegen seiner Stimme oder Aussprache machte er sich keine Sorgen. Doch als Angestellter hatte er auf Entscheidungen des Studios keinen Einfluss. Als er dann in Tonfilmen besetzt wurde, bemängelte Keaton zudem die aufkommende Mode, auf visuelle Komik zugunsten alberner Dialoge zu verzichten. Jede der von Keaton nur unwillig gedrehten Komödien hatte er drei- oder viermal zu drehen, jedes Mal in einer anderen Sprache: Auf diese Weise wurden Tonfilme aus Hollywood Anfang der 1930er Jahre weltweit vermarktet. Zu Keatons erstem Tonfilm Free and Easy (1930, MGM) vermerkt Jim Kline in seinem Buch The Complete Films of Buster Keaton: „Buster talks! Buster sings! Buster dances! Buster looks depressed!“ Heute fast vergessen, spielten dieser und die folgenden Filme mehr Geld ein als die Stummfilme der Keaton-Studios, insbesondere Sidewalks of New York (1931), eine Komödie, die Keaton von Anfang an stark missfiel.^[7] 1932 startete MGM den Versuch, Keaton und Jimmy Durante als Komikerduo zu etablieren. Über den bewusst lauten und schnellredenden Durante als Partner zeigte sich der eher stille Keaton sehr unglücklich.^[8]

In dieser Zeit verstärkte sich Keatons Alkoholismus, der bereits mit Ende seiner Unabhängigkeit eingesetzt hatte. Zu Drehterminen erschien er meist angetrunken oder gar nicht. Seine Frau Natalie Talmadge reichte 1932 die Scheidung ein – lange Auseinandersetzungen über Aufteilung des Vermögens und Sorgerecht der beiden Kinder folgten. 1933 wurde sein Anstellungsvertrag bei MGM nach mehreren Streitigkeiten mit Louis B. Mayer gekündigt. Im selben Jahr verstarb mit Roscoe „Fatty“ Arbuckle sein vielleicht engster Freund. Dessen Ruf und Karriere waren inzwischen, trotz Freispruch nach einer Mordanklage, ruiniert. Keaton selbst machte negative Schlagzeilen. Die privaten, beruflichen und finanziellen Probleme verstärkten seine Alkoholsucht. Er heiratete seine private Krankenschwester Mae Scibbens, die ihm während des Entzugs helfen sollte. Die Ehe wurde nach weniger als drei Jahren wieder geschieden. Mit der Unterstützung seines Arztes und seiner Familie gelang es Keaton, sich von der Sucht weitestgehend zu befreien und mit kleinen Engagements sich und seine Familie über Wasser zu halten.

Für die breite Öffentlichkeit war er praktisch von der Bildfläche und aus dem Bewusstsein verschwunden. Er trat zunächst in billig produzierten Kurzfilmen der kleinen Educational Studios auf. Die vielversprechende französische Produktion Le Roi des Champs-Élysée (1934) mit Keaton in der Hauptrolle fand nicht die erhoffte Aufmerksamkeit. Ab 1937 arbeitete Keaton erneut bei MGM – vornehmlich als Gagman hinter den Kulissen, für einen Bruchteil seines letzten Gehalts. Unter anderem ersann er Gags für Filme mit Red Skelton, den Marx Brothers und Laurel und Hardy. Während er sowohl mit Red Skelton befreundet war und Laurel und Hardy sehr schätzte, äußerte er sich später negativ über den Arbeitsstil der Marx-Brothers: Sie nähmen die Komik nicht ernst.^[9] Von 1939 bis 1941 drehte er für Columbia zehn Kurzfilmkomödien. Diese waren zwar billig produziert und wenig originell, doch zeigte sich Keatons nach der Alkoholkrankheit wiederhergestellte Arbeitsfähigkeit. Durch Freunde erhielt er außerdem gelegentlich die Möglichkeit, in großen Studioproduktionen mitzuwirken: Für die Komödie Hollywood Cavalcade (20th Century Fox, 1939) übernahm er etwa die Regie für ein kurzes Film-im-Film-Segment, in dem er auch mitspielte. Nach einem Jahr ohne Filmengagement war er ab 1943 wieder sporadisch in einigen Komödien von Universal und anderer, kleinerer Studios zu sehen. In San Diego, I Love You (Universal, 1944) findet sich ein in Keatons Filmen seltener Moment: Buster lächelt herzlich.^[10]

Aufgrund der spärlichen Filmarbeit nahm Keaton in den 1940er Jahren einige Bühnen- und Varietéengagements an, sowohl in den USA, als auch in Europa, und kehrte damit zu seinen Wurzeln zurück. Unter anderem absolvierte er im prestigeträchtigen Cirque Medrano in Paris ab 1947 einige erfolgreiche Gastauftritte – zusammen mit seiner Ehefrau: Schon 1940 heiratete Keaton die um dreiundzwanzig Jahre jüngere Eleanor Norris, die bei MGM als Tänzerin unter Vertrag stand. Die glückliche Ehe hielt bis zum Ende seines Lebens.

[Bearbeiten] Wiederentdeckung

1949 erinnerte der einflussreiche Filmkritiker James Agee in einem Artikel im Life Magazine tief beeindruckt an den „‚stummsten‘ aller Stummfilmkomiker“ (Keaton).^[11] Amerikanische Filmclubs begannen, seine Filme – soweit noch vorhanden – wieder zu zeigen: Bis auf The General, The Navigator und einige seiner Kurzfilme galten Keatons Stummfilme als zerstört oder verschollen.

Auch das noch junge Medium Fernsehen begann sich nun für Keaton zu interessieren: Für The Buster Keaton Comedy Show (aufgezeichnet vor Live-Publikum, 1949) und The Buster Keaton Show (1950–51) spielte Keaton in neuen Sketchen – meist mit seiner Frau. Keaton beendete jedoch diese Reihen nach kurzer Zeit. Es folgten Gastauftritte in Talkshows, Serien und anderen Sendungen (unter anderem in Candid Camera, der Originalversion von Versteckte Kamera). Im Bereich der Werbung taten sich ebenfalls für Buster Keaton neue Betätigungsfelder auf. So wurde er Star einiger Industriefilme und drehte zwischen 1956 und 1964 Fernseh-Werbespots für Colgate, Alka-Seltzer, 7 Up, Ford, Milky Way, Budweiser und andere.

Von seinen wieder zahlreichen Cameo-Auftritten in Filmen verschiedenster Studios ist besonders Billy Wilders Sunset Boulevard (1950) hervorzuheben: Er stellt quasi sich selbst in einer makaber anmutenden Bridgerunde vergessener Stummfilmstars dar. Zwei Jahre später kam es zu einem ähnlichen denkwürdigen, wenn auch kurzen Auftritt in Charlie Chaplins Limelight: Erstmals sind die beiden größten Komiker der Stummfilmzeit gemeinsam in einem Film zu sehen, bezeichnenderweise als alternde Vaudeville-Komiker am Ende ihrer Karriere.

Paramount produzierte 1957 die Filmbiografie The Buster Keaton Story (Drehbuch und Regie: Sidney Sheldon). Keaton wurde offiziell als Berater herangezogen, seine Einwände wurden jedoch selten beachtet. Auch Hauptdarsteller Donald O’Connor distanzierte sich später von dem Film, der Keatons Leben teils unwahr wiedergibt. Seine eigenen Erinnerungen erschienen 1960 unter dem Titel My Wonderful World of Slapstick.

Mit dem Geld, das ihm der Film mit seinem Namen brachte, erwarb Keaton ein Haus – von ihm „Ranch“ genannt – in Kalifornien, das er mit seiner Frau für den Rest seines Lebens bewohnte. Seine luxuriöse „Italian Villa“ in Beverly Hills, die er am Höhepunkt seines Ruhmes besaß, musste er in den 1930er-Jahren aufgeben. 1952 sorgte James Mason als neuer Besitzer der einstigen Villa Keatons für eine Überraschung: In einer versteckten Abstellkammer entdeckte Mason längst vergessene Kopien von Keatons Filmklassikern. Durch den chemischen Zerfall des Filmmaterials, das früher auf Nitrat basierte, war dieses teilweise schwer beschädigt und höchst feuergefährlich.

Der obsessive Filmsammler Raymond Rohauer, den Keaton 1954 bei einer der Wiederaufführungen von The General kennenlernte, investierte in die Rettung der Filme. Nach einer Vereinbarung mit Keaton sicherte sich Rohauer die Rechte an den noch existierenden Klassikern und übernahm den Vertrieb an Programmkinos und Festivals. So organisierte Rohauer 1962 aufsehenerregende Wiederaufführungen der restaurierten Fassung von The General in 20 Städten Deutschlands, angefangen in München. Keaton, der die Tour begleitete und den Film ausgesucht hatte, wartete während der Vorstellungen vor dem Kino: Er sähe sich nie seine eigenen Filme mit Publikum an.^[12]

Bereits 1959 wurde Keaton ein Ehrenoscar für seine Verdienste um die Filmkomödie verliehen.

[Bearbeiten] Die letzten Filme

Als lebende Legende griff er für seine Filmauftritte öfter auf sein typisches Outfit aus der Stummfilmzeit zurück. Der kanadische Kurzfilm The Railrodder (1965, Drehbuch und Regie: Gerald Potterton) ist eine Hommage an Keatons Stummfilme, vor allem aber an die Landschaft Kanadas. Während der Dreharbeiten zu The Railrodder entstand die Dokumentation Buster Keaton Rides Again. Neben biographischen Stationen gibt sie Einblicke in die Persönlichkeit und Arbeitsweise des alternden Keaton.

Im selben Jahr verwirklichte Samuel Beckett mit Keaton in der Hauptrolle seinen experimentellen Stummfilm Film (Regie: Alan Schneider), der zum Filmfestival von Venedig eingeladen wurde. Das Premierenpublikum empfing den Stargast Keaton fünf Minuten lang^[13] mit stehenden Ovationen.^[14]

Als letzte Kinoproduktion drehte Keaton unter der Regie von Richard Lester A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1966). Zu der Zeit war er gesundheitlich bereits sehr angeschlagen, bei gefährlichen Stunts wurde er diesmal gedoubelt. Mit dem Kopf gegen einen Baum zu rennen ließ er sich dennoch nicht nehmen.

Grab von Buster Keaton auf dem Forest-Lawn-Friedhof in Hollywood

Bereits seit mehreren Jahren verschlechterte sich Keatons Gesundheitszustand zusehends, was sich teilweise in starken Hustenanfällen äußerte. Die Diagnose Lungenkrebs, erst im weit fortgeschrittenen Stadium gestellt, wurde ihm von seiner Frau und dem Arzt allerdings verschwiegen.^[15] Buster Keaton starb am 1. Februar 1966 im Alter von 70 Jahren in seinem Haus an den Folgen seiner Krankheit.

Erst Monate danach kam A Funny Thing Happened on the Way to the Forum in die Kinos. Ein knappes Jahr nach seinem Tod fand schließlich in den USA die letzte Premiere eines Films mit Keaton in einer Nebenrolle statt. In der 1965 gedrehten amerikanisch-italienischen Co-Produktion War Italian Style spielte er einen Nazi-General. In der letzten Szene lassen zwei Marines den gefangenen General (Buster Keaton) frei und übergeben ihm Zivilisten-Kleidung, die sich als das typische Buster-Outfit entpuppt. Mit seinem ausgebeulten Frack und flachen Hut blickt er ein letztes Mal auf die Soldaten, wendet sich von der Kamera ab und wandert davon.

[Bearbeiten] Werk

Ein Großteil der Filme der Stummfilmära ist zerfallen oder verloren, darunter auch einige Filme, die Keaton mit Arbuckle drehte.^[16] Die Filme, für die Keaton verantwortlich zeichnet, sind aber erhalten worden, wenn auch einige nur in schwer beschädigter Fassung oder in Fragmenten. So fehlen in den Kurzfilmen Hard Luck, nach einem Interview Keatons liebster Film, und Daydreams ganze Sequenzen. Bei den restaurierten Fassungen behalf man sich mit Standbildern, welche die fehlenden Szenen ersetzen. Auch in Convict 13 fehlen einige Momente, was in der restaurierten Fassung zu starken Sprüngen innerhalb einzelner Szenen führt. Der Langfilm The Three Ages hat nur in einer optisch lädierten Version überlebt, da das erst in den 1950er Jahren wiederentdeckte und bis heute einzige Negativ vom Nitratzerfall stark angegriffen war. Gleiches gilt für den Kurzfilm The Boat.^[17]

[Bearbeiten] Inhalt

Im überwiegenden Teil seiner Filme, die in der Zeit seiner künstlerischen Unabhängigkeit entstanden, spielte Keaton den naiven, ungeschickten jungen Mann – oft auch einen weltfremden Millionär –, der von seiner geliebten Frau abgelehnt wird, weil er offenbar gewissen Anforderungen nicht entspricht. In Cops will sie mit ihm nichts zu tun haben, bis er ein erfolgreicher Geschäftsmann ist. In The General verlässt ihn seine Geliebte, weil er sich nicht wie die anderen Männer freiwillig zum Kriegsdienst meldet. Während des Films versucht er meist vergeblich, die Geliebte von seinen Qualitäten zu überzeugen, ehe er angesichts einer großen Krise über sich hinauswächst. Am Ende von College etwa rettet er durch sportliche Höchstleistungen seine bedrohte Angebetete, nachdem er zuvor in sämtlichen Sportarten kläglich scheiterte. In The Navigator muss er sich als verwöhnter Millionär auf einem riesigen, verlassenen Schiff mitten im Ozean zurechtfinden und rettet schließlich seine Geliebte vor wilden Kannibalen.

Der romantische Plot lieferte aber nur die Rahmenhandlung. Nichts inspirierte Keaton mehr in seinem filmischen Schaffen als technische Geräte und mechanisierte Vorgänge. Dementsprechend sind sie sowohl thematisch als auch stilistisch der eigentliche Mittelpunkt seiner Geschichten und Gags, etwa Dampflokomotiven in The General und Our Hospitality, Schiffe in The Navigator und Steamboat Bill Jr., oder Filmkameras und das Kino an sich in The Cameraman und Sherlock Jr.. Der Kurzfilm The Electric House handelt praktisch nur von dem Traum eines vollkommen mechanisierten Haushalts: Die Stiege wird per Knopfdruck zur Rolltreppe, die Stühle beim Esstisch bewegen sich per Schalter, und das Essen wird mit einer Spielzeugeisenbahn von der Küche direkt auf den Esstisch serviert. Freilich entwickelt sich durch Fehlfunktionen der Traum bald zum Albtraum.

Das für das Kino prädestinierte Thema der Verfolgungsjagden ist ebenfalls wichtiger Teil der Filme Keatons. Seine aufwändigen wie spannend konstruierten Sequenzen zählen zu den Klassikern der Filmgeschichte. Als herausragendes Beispiel sei die turbulente Verfolgungsjagd am Höhepunkt von Sherlock Jr. genannt: Sherlock jr. (Buster Keaton) flüchtet vor den Gangstern erst zu Fuß, dann als Beifahrer auf einem Motorrad – allerdings ohne zu merken, dass der Fahrer abhanden gekommen ist –, und nach einem betont kurzen Intermezzo (die Befreiung des Mädchens) dann mit dem Automobil der Gangster, die ihm mit einem weiteren Auto bald wiederum dicht auf den Fersen sind. Auch sein als Meisterwerk gefeierter Film The General besteht zum Großteil aus der Verfolgungsjagd zweier Dampflokomotiven. Andere einprägsame Variationen des Motivs Verfolgung finden sich prominent in Cops, Seven Chances und Go West: Hier sind es keine Fahrzeuge, sondern eine schier unüberschaubare Masse an uniformierten Polizisten, Bräuten in Hochzeitskleidern, oder Rindern, vor der Buster verzweifelt flüchten muss.

[Bearbeiten] Stil

Stummfilmkomiker etablierten meist bestimmte Hutmodelle als Markenzeichen. Keaton kreierte mit dem „pork pie hat“ eine eigene Hutform. Als Basis diente ein Fedora, den er knapp über dem Hutband abflachte.^[18] Ebenfalls als innerhalb der Stummfilmära einzigartig gilt Keatons zitiertes Pokerface (auch „Stoneface“, „Deadpan“ oder „Frozen Face“). Schon während seiner Kindheit bei den Auftritten im Vaudeville antrainiert, blieb dies bis zuletzt sein künstlerisches Markenzeichen. Als Ausnahme gelten lediglich einige seiner frühen Filme mit Fatty Arbuckle, in denen man einen lachenden Buster Keaton sehen kann.

Der Vergleich zwischen seinem Stoneface und den emotionslosen Objekten und Maschinen, mit denen er sich umgibt, drängt sich auf. Doch bedeutete dieser unbewegte Gesichtsausdruck nicht, dass Keaton als Schauspieler ausdruckslos war. Im Gegenteil schwärmte etwa James Agee in seinem Artikel im Life Magazine genau aus diesem Grund von der Ausdrucksstärke Keatons.^[19]

Neben seinen markanten, fast unbewegten Gesichtszügen ist Keaton für seine aufwändigen Stunts berühmt, die einen großen Teil seiner visuellen Komik ausmachen: Beispielsweise seine prat falls, slapstickartige Stürze, bei denen Keaton, kaum kommt er mit dem Kopf am Boden an, praktisch nochmals um sich selbst wirbelt. Diese akrobatische Art des Aufprallens demonstriert und variiert Keaton in so gut wie allen seinen Komödien. Als er auf Langfilme wechselte, wurden seine Stunts anspruchsvoller und entsprechend risikoreicher. Legendär wurde die Wirbelsturm-Sequenz in Steamboat Bill Jr., während der eine Hausfassade auf Buster kippt und dieser nur durch ein kleines Giebelfenster gerettet wird, in dessen Aussparung er zu stehen kommt. Eine Abweichung Keatons um Zentimeter von der markierten Position hätte verheerende Folgen gehabt.

Nicht nur in seinen oftmals lebensgefährlichen Stunts, auch in seinen Gags spielte Keaton zuweilen offen mit dem Tod, sehr deutlich im Kurzfilm Convict 13, seiner zweiten Veröffentlichung: Durch eine Verwechslung wird Buster für einen zum Tode verurteilten Verbrecher gehalten. Alle Mitgefangenen versammeln sich auf der Tribüne, als erwarte sie ein Unterhaltungsprogramm. Heimlich wurde der Galgenstrick jedoch zuvor mit einem elastischen Gummiseil ausgetauscht. Als Buster mit der Schlinge um den Hals durch die Falltür des Galgens fällt, schwingt er gut ein dutzend Mal wie ein Jo-Jo rauf und runter. Der verblüffte Wärter wendet sich mit der Bitte um Entschuldigung an die verärgerten Häftlinge und verspricht: „Um das wiedergutzumachen, hängen wir morgen zwei von euch.“ Abgesehen von diesem todesnahen Humor sprechen Kritiker von einer allgegenwärtigen Melancholie, die Keatons Filme auszustrahlen scheinen.

Im Gegensatz zu Chaplin, der gern romantische Liebesgeschichten erzählte und Frauen bewusst als idealisiertes Sehnsuchtsobjekt in Szene setzte, sind die Frauen in Keatons Filmen dem männlichen Helden ebenbürtig.^[20] Sein Zugang zum Thema „Romantik“ ist betont trocken und unsentimental, in einigen Fällen zynisch. In Our Hospitality sieht Buster, wie ein Mann seine Frau schlägt und brutal misshandelt. Couragiert tritt er dazwischen – und wird von der Frau empört weggestoßen, die sich daraufhin wieder bereitwillig vom Gatten misshandeln lässt. Romantik, so scheint es, ist nur für sehr naive Seelen. Etwas überdrehter geht es in seinem Kurzfilm The Frozen North zu: Er muss sehen, wie seine Frau verliebt einen anderen Mann küsst. Theatralisch kullert ihm eine Träne über die Wange; aufgewühlt erschießt er beide. Beim genauen Blick auf die Leichen stellt er fest: Es war nicht seine Frau – er hat sich im Haus geirrt. Anders als Chaplin setzt Keaton Pathos nur zur Parodie ein.

Die technischen Möglichkeiten des Mediums nutzte und erweiterte Keaton wie kein anderer der großen Stummfilmkomiker. Als Pionierleistung in diesem Zusammenhang gilt wiederum The General: Der überwiegende Teil des Films wurde mit fahrenden Kameras gedreht. Darüber hinaus kam in seinen Filmen ausgefeilte Tricktechnik zum Einsatz, deren Ergebnisse gerade wegen der damals vergleichsweise primitiven Technik auch noch heute überraschen. Eine der herausragendsten Spezialeffekt-Sequenzen der Filmgeschichte findet sich in Sherlock Jr.: Buster betritt aus dem Zuschauerraum die Kinoleinwand. Durch eine rasche Schnittfolge ändert sich ständig die Umgebung – von einem Hausportal zu Wüste, Brandung, Schneelandschaft bis Dschungel mit Löwen – und der im Film gefangene Buster muss sich diesen plötzlichen Veränderungen stetig anpassen.

Bezeichnend ist allerdings, dass Keaton derartige optische Filmtricks, wie sie etwa auch in The Playhouse verblüffend eingesetzt werden (Buster erscheint bis zu neun Mal im selben Bild), nur in Ausnahmen zur Täuschung benutzte: Sie wurden meist dort verwendet, wo sie als Tricks offenkundig sind. Er legte großen Wert auf Authentizität; die Stunts sollten zweifellos als so gefährlich und real wahrgenommen werden, wie sie es waren. Als für The General eine brennende Brücke unter der Last einer Dampflok zusammenbrechen und die Lok mit in die Tiefe reißen sollte, verzichtete er auf die Verwendung eines Modells, wie dies schon damals üblich war. Stattdessen ließ er eine Brücke bauen und diese samt einer echten (allerdings unbesetzten) Dampflok einstürzen. Auch die zwölfminütige Wirbelsturm-Sequenz in Steamboat Bill Jr. wurde ohne filmische Tricks, sondern mittels Kran, aufwändigen Kulissen und kräftigen Flugzeugmotoren realisiert.

Glaubwürdigkeit war ihm nach dem Wechsel zum abendfüllenden Format bei seinen Komödien besonders wichtig. Sein Werk zeigt hier eine deutliche Bruchlinie, war er doch überzeugt, das Publikum nicht an eine längere Geschichte binden zu können, wären die Gags zu übertrieben. So gab es in seinen verspielten, bewusst an die Ästhetik des Zeichentrickfilms angelegten Kurzfilmen weit mehr tricktechnische Effekte zu sehen, als in seinen späteren Langfilmen, die ihr Augenmerk auf das Drama der Rahmenhandlung legten. Besonders sein erster narrativer Langfilm Our Hospitality (The Three Ages davor bestand praktisch und stilistisch aus drei Kurzfilmen) macht im Prolog den Eindruck eines noch heute wirkungsvollen Melodrams. Für The Navigator engagierte er eigens einen drama-erfahrenen Regisseur. Als dieser sich jedoch mehr und mehr für komische Ideen und burleske Darstellung begeisterte, trennte sich Keaton von ihm und drehte alle Szenen ernsthaft und unter eigener Regie nach. Keaton: „Ich mag kein übertriebenes Spiel.“^[21]

[Bearbeiten] Arbeitsweise

Die Geschichten und Gags seiner Filme entwickelte Buster Keaton auf einfache, aber effektive Weise: Nachdem eine zündende Idee für den Anfang gefunden wurde, arbeitete das Team am Schluss – „… und wenn wir einen Schluss hatten, mit dem wir alle zufrieden waren, dann gingen wir zurück und arbeiteten den Mittelteil aus. Aus irgendwelchen Gründen kam die Mitte immer von alleine zustande.“^[22]

Zu Keatons Truppe hinter der Kamera, die er teilweise von Arbuckle übernommen hatte, zählten insbesondere der Regisseur Eddie Cline, die Gagmen Jean Havez und Clyde Bruckman sowie der Chef-Techniker Fred Gabourie, der sich um die vielbeachteten Spezialeffekte kümmerte. Vor der Kamera war Joe Roberts, mit seiner imposanten Statur ein kontrastreicher Widerpart zu dem eher kleinen Keaton, der einzige regelmäßig wiederkehrende Schauspieler in Keatons Filmen – bis er nach den Dreharbeiten zu Our Hospitality 1923 in Folge eines Herzinfarkts verstarb. Aber auch Keatons Vater Joe ist sporadisch in Nebenrollen zu sehen.

Die Besetzung der weiblichen Hauptrolle gestaltete sich meist auch sehr unkompliziert. „Wenn mein Studiomanager eine Hauptdarstellerin billig bekommen konnte, dann nahm er sie. Er hielt sie einfach nicht für wichtig.“^[22] Als Keatons Partnerinnen sind häufig Sybil Seely und Kathryn McGuire zu sehen. Damals bekannte Namen wie Phyllis Haver im Kurzfilm The Balloonatic sind selten. Unzufrieden war Keaton jedoch nur mit seiner Partnerin in seinem ersten Langfilm The Three Ages: Er drehte mit einer schauspielerisch untalentierten Schönheitskönigin.

Da Handlung und Gags im Vorfeld ausgiebig besprochen wurden, fanden die Dreharbeiten stets ohne Drehbuch statt.^[23] Das Team nutzte unter anderem die Stadtdekorationen, die Chaplin – der Vorbesitzer des Studios – am Studiogelände errichten ließ. Aber auch Außenaufnahmen in der Stadt beschrieb Keaton als äußert unkompliziert: Sowohl Polizei als auch Feuerwehr oder die Verantwortlichen der örtlichen Eisenbahnlinie stellten ihre Hilfe für die Dreharbeiten gratis zur Verfügung.^[24] Keaton trug dabei als Regisseur die Hauptverantwortung, auch wenn beispielsweise Eddie Cline als Co-Regisseur im Vorspann genannt wird.

Seine meist technischen Gags realisierte er mit viel Geduld und Hingabe. In dem Kurzfilm The Boat (1921) etwa sollte das von Buster gebaute Schiff beim Stapellauf im Wasser versinken. Doch trotz sämtlicher Vorkehrungen (eine Ladung Eisenbarren, Löcher im Bug, etc.) glitt es nicht so schnurgerade unter die Wasseroberfläche, wie es Keatons Vorstellung vom komischen Timing entsprach. Drei Tage tüftelten Keaton und seine Mitarbeiter, bis die Lösung für die nur wenige Sekunden lange Szene gefunden wurde: „[Wir] versenken einen Anker, von dem wir ein Kabel über eine Rolle am Heck des Schiffes führen, das andere Ende hängt an einem Schlepper. Wir machten alle Luftblasen aus dem Boot, wir haben sichergestellt, dass das Heck genügend Wasser übernimmt, und mit dem Schlepper außerhalb des Bildes zogen wir das Boot unter Wasser.“^[25]

Das gedrehte Filmmaterial wurde vom Cutter J. Shermann Kell nach Szenen und Einstellungen in Regalen geordnet. Daraus montierte Keaton mit seinem Gespür für Timing den Film.^[26] Durch das eigene Studio mit seinem festen Mitarbeiterstab konnte Keaton aber auch bereits fertig geschnittene Filme nach Testvorführungen problemlos durch neu gedrehtes Material verbessern, ohne dass hohe Zusatzkosten entstanden.^[27]

[Bearbeiten] Rezeption

Zu Beginn und auch am Höhepunkt seiner Karriere wurde er als erfolgreicher, versierter Komiker zwar positiv wahrgenommen, sein außergewöhnlicher Stil, festgemacht an seinem „unbewegten“ Gesichtsausdruck, stieß jedoch auch auf Irritation. Kritiker beschrieben seine Figur als emotionslos oder gar als mechanisches Utensil, zu der man als Zuschauer – im Gegensatz zu den Leinwandpersönlichkeiten etwa Chaplins oder Lloyds – keine persönliche Bindung aufbauen könne. Siegfried Kracauer meinte 1926: „Dieser schmale, kleine Mann […] hat durchaus die Beziehung zum Leben verloren. […] Die vielen Gegenstände: Apparate, Baumstämme, Trambahnwände und Menschenkörper veranstalten ein Kesseltreiben mit ihm, er kennt sich nicht mehr aus, er ist unter dem sinnlosen Druck der zufälligen Dinge apathisch geworden.“^[28] Zu Keatons trockenem Humor stellte James Agee 1949 im Life Magazine fest: „Es gibt Leute, die sich nie besonders für Keaton interessierten. Alle anderen fasziniert er umso mehr.“^[29]

Die Darstellung Keatons als „Maschinenmensch“ hat sich im Laufe der Jahrzehnte deutlich gewandelt: die poetische Qualität seiner Filme nimmt in Besprechungen einen wesentlichen Platz ein. Robert Benayoun konzentrierte sich in seinem 1982 erschienen Buch Der Augenblick des Schweigens ganz auf die visuelle Ausdruckskraft Keatons und zieht Parallelen zu surrealistischen Kunstwerken. Indem er Technik zum selbstverständlichen Mittelpunkt seiner Filme machte, gilt Keaton darüber hinaus auch noch heute als Stummfilmkomiker der Jetztzeit – im Gegensatz zu Chaplin, der eher das Viktorianische Zeitalter repräsentiere.

Schon in den zeitgenössischen Medien wurden Chaplin und Keaton gerne als Rivalen beschrieben, wobei Keaton nach Meinung der Kritiker Chaplins Meisterschaft bestenfalls knapp unterlag. Seit Keatons Werk von Kritikern und der breiten Öffentlichkeit in den 1960er Jahren neu entdeckt wurde, gibt es Tendenzen, die Bedeutung seiner Filme über jene Chaplins zu stellen. Der amerikanische Kritiker Walter Kerr kam 1975 in seinem vielbeachteten Buch The Silent Clowns zu dem Schluss: „Lasst Chaplin König sein und Keaton Hofnarr. Der König herrscht über alles, der Narr sagt die Wahrheit. […] Während andere den Film benutzten, um sich und ihre tollkühnen Kunststücke zu zeigen, zeigte Keaton in die entgegengesetzte Richtung: auf das Wesen des Films selbst.“^[30]

Im New York Review of Books (Juni 2011) steht ein umfassender Essay über Keaton, der viele aktuelle Veröffentlichungen über ihn einbezieht.^[31]

[Bearbeiten] Filmografie

Out West von Roscoe 'Fatty' Arbuckle mit Keaton (links) und Al St. John (rechts)

[Bearbeiten] Kurzfilme mit „Fatty“ Arbuckle

• 1917: The Butcher Boy (Der Metzgergeselle)
• 1917: A Reckless Romeo
• 1917: The Rough House
• 1917: His Wedding Night
• 1917: Oh Doctor!
• 1917: Coney Island
• 1917: A Country Hero
• 1918: Out West
• 1918: The Bell Boy
• 1918: Moonshine
• 1918: Good Night, Nurse!
• 1918: The Cook
• 1919: Back Stage
• 1919: The Hayseed
• 1919: The Garage

[Bearbeiten] Kurzfilme Keaton-Studio

• 1920: The High Sign (Premiere 1921)
• 1920: One Week (Flitterwochen im Fertighaus)
• 1920: Convict 13 (Der Sträfling)
• 1920: The Scarecrow (Trauung mit Hindernissen/Die Vogelscheuche)
• 1921: Neighbors
• 1921: The Haunted House
• 1921: Hard Luck
• 1921: The Goat
• 1921: The Playhouse (Busters Bunte Bühne)
• 1921: The Boat (Wasser hat keine Balken/Das Boot)
• 1922: The Paleface (Das Bleichgesicht)
• 1922: Cops (Buster zieht um/Buster und die Polizei)
• 1922: My Wife’s Relations
• 1922: The Blacksmith (Der Hufschmied)
• 1922: The Frozen North (Im hohen Norden)
• 1922: Daydreams (Tagträume/Realität und Vorstellungskraft)
• 1922: The Electric House (Das vollelektrische Haus)
• 1923: The Balloonatic (Der Ballonfahrer/Überlebensstrategien)
• 1923: The Love Nest (Eine abenteuerliche Seereise)

[Bearbeiten] Langfilme (stumm)

• 1920: The Saphead (Der Dummkopf)
• 1923: Three Ages (Drei Zeitalter/Ben Akiba hat gelogen!/Hat Ben Akiba gelogen?)
• 1923: Our Hospitality (Verflixte Gastfreundschaft/Bei mir – Niagara)
• 1924: Sherlock Jr. (Sherlock Holmes Junior)
• 1924: The Navigator (Der Navigator/Buster Keaton, der Matrose/Über, auf und unterm Meere/Die Kreuzfahrt der Navigator/Der Schiffbruch/Der Seefahrer)
• 1925: Seven Chances (Sieben Chancen/Buster Keaton, der Mann mit den 1000 Bräuten)
• 1925: Go West (Der Cowboy)
• 1926: Battling Butler (Der Killer von Alabama/Buster Keaton, der Boxer/Ich bin der Größte/Schlag auf Schlag)
• 1926: The General (Der General)
• 1927: College (Der Musterschüler/Buster Keaton, der Student/Sport ist Mord)
• 1928: Steamboat Bill Jr. (Steamboat Bill junior/Wasser hat Balken/Wasser hat keine Balken/Stürmische Zeiten/Buster Keaton – Dampfer-Willis Sohn)
• 1928: The Cameraman (Der Kameramann/Buster, der Filmreporter) (MGM)
• 1929: Spite Marriage (Trotzheirat/Die unvollkommene Heirat) (MGM)

[Bearbeiten] Tonfilme (Auswahl)

• 1930/ 31: Wir schalten um auf Hollywood (Buster Keaton spricht deutsch)
• 1930: Free and Easy (erster Tonfilm)
• 1931: Parlor, Bedroom & Bath
• 1932: The Passionate Plumber (erstmals als Partner von Durante)
• 1933: What! No Beer? (letzter MGM-Film vor Kündigung)
• 1934: Le Roi des Champs-Élysées
• 1935: La Fiesta de Santa Barbara (Kurzfilm)
• 1938: Zu heiß zum Anfassen (Mitwirkung am Drehbuch, im Abspann nicht genannt)
• 1939: Hollywood Cavalcade (Keatons erster Farbfilm)
• 1950: Sunset Boulevard (Boulevard der Dämmerung)
• 1952: Paradise for Buster (erster Industriefilm)
• 1952: Limelight (Rampenlicht)
• 1956: Around the World in 80 Days (In 80 Tagen um die Welt)
• 1963: It’s a Mad Mad Mad Mad World (Eine total, total verrückte Welt)
• 1965: Film
• 1965: The Railrodder
• 1966: War Italian Style (Ein General und noch zwei Trottel)
• 1966: A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (Toll trieben es die alten Römer)
• 1966: The Scribe (Industriefilm; letzter Filmauftritt)

[Bearbeiten] Dokumentation

1987 legten die Filmhistoriker Kevin Brownlow und David Gill die dreiteilige Dokumentation Buster Keaton: Lachen verboten! (auch: Buster Keaton – Sein Leben, sein Werk; Originaltitel: Buster Keaton: A Hard Act to Follow) vor. Die insgesamt etwa 150 Minuten umfassende Fernseh-Dokumentation beinhaltet, neben Interviews mit Buster Keaton aus dem Archiv, Gespräche mit Freunden und ehemaligen Mitarbeitern sowie seiner Witwe Eleanor. Dank ihres umfangreichen Materials zählt sie zu den informativsten Porträts von Keatons Leben und Werk.

[Bearbeiten] Literatur

•  Jim Kline: The Complete Films of Buster Keaton. Citadel Press, 1993, ISBN 0-8065-1303-9.
•  Wolfram Tichy: Buster Keaton. Mit Selbstzeugnissen und Bilddokumenten. Rowohlt, Reinbek 1983, ISBN 3-499-50318-2.
•  Robert Benayoun: Buster Keaton. Der Augen-Blick des Schweigens. Bahia, München 1983, ISBN 3-922699-18-9.
•  Wolfram Schütte, Peter W. Jansen (Hrsg.): Buster Keaton. In: Reihe Film. Band 3, Hanser, München und Wien 1975, ISBN 3-446-12002-5.
•  Tom Dardis: Buster Keaton. The Man Who Wouldn’t Lie Down. University Press, Minneapolis 2002, ISBN 0-8166-4001-7.
•  Eleanor Keaton: Buster Keaton Remembered. Abrams, New York 2001, ISBN 0-8109-4227-5.
•  Marion Meade: Buster Keaton: Cut to the Chase, a Biography. Harper Collins, New York 1995, ISBN 0-06-017337-8.
• Marieluise Fleißer: Ein Porträt Buster Keatons. in: Essays berühmter Frauen. Hg. Marlis Gerhardt. Insel, Frankfurt 1997 ISBN 3458336419 S. 309 - 312 (auch in GW, Bd. 2, S. 309ff.)

[Bearbeiten] Weblinks

 Commons: Buster Keaton – Sammlung von Bildern, Videos und Audiodateien

• Buster Keaton in der deutschen und englischen Version der Internet Movie Database
• Buster-Keaton-Fotogalerie bei silentgents.com
• Buster-Keaton-Biografie bei „Who’s Who“
• Buster-Keaton-Gesellschaft bei busterkeaton.com
• Die Kurzfilme The Blacksmith, The Boat, The Paleface und Daydreams als Bittorrent-Download
• Die Kurzfilme The Playhouse, The Balloonatic, My Wifes Relations und The Electric House als Bittorrent-Download
• Buster Keaton on Comedy and Making Movies, Columbia University
• Buster Keaton as a child performer(Univ. of Washington/ Sayre collection)
• Literatur von und über Buster Keaton im Katalog der Deutschen Nationalbibliothek
• Bilder von Buster Keaton In: Virtual History

[Bearbeiten] Einzelnachweise und Anmerkungen

Als Hauptquellen dienten die Bücher The Complete Films of Buster Keaton von Jim Kline, Buster Keaton: Cut to the Chase von Marion Meade und Pioniere des Films: vom Stummfilm bis Hollywood von Kevin Brownlow, außerdem die Biographie auf der Website der Internationalen Buster-Keaton-Gesellschaft sowie die mit dem Emmy-Award ausgezeichnete, dreiteilige Fernsehdokumentation Buster Keaton: A Hard Act to Follow von Kevin Brownlow und David Gill für Thames Television in Zusammenarbeit mit Raymond Rohauer.

1. ↑ Vgl. Interview mit Keaton in A Hard Act to Follow, Teil 1, etwa 00:01.
2. ↑ Vgl. Marion Meade: Buster Keaton: Cut to the Chase. S. 62.
3. ↑ Vgl. Kline, S. 13; vgl. Brownlow: Pioniere des Films. S. 551.
4. ↑ Keaton über die Filmarbeit und Arbuckle: „Ich habe alles von ihm gelernt.“ – Siehe Pioniere des Films, S. 557.
5. ↑ Photoplay, Mai 1921, S. 53, zitiert in Brownlow: Pioniere des Films. S. 552.
6. ↑ Brownlow: Pioniere des Films. S. 546.
7. ↑ „I knew before the camera was put up for the first scene that it was practically impossible to get a good motion picture.“ Keaton in einem Interview 1958, zitiert in The Complete Films of Buster Keaton, S. 140.
8. ↑ „He’s going to talk no matter what happens. You can't direct him any other way.“ Keaton in einem Interview 1958, zitiert in The Complete Films of Buster Keaton, S. 142.
9. ↑ Vgl. Interview mit Keaton in A Hard Act to Follow, Teil 3, etwa 00:09.
10. ↑ Vgl. Kline: The Complete Films of Buster Keaton. S. 186 (mit Szenenfoto).
11. ↑ „He was by his whole style and nature so much the most deeply „silent“ of the silent comedians that even a smile was as deafeningly out of key as a yell. In a way his pictures are like a transcendent juggling act in which it seems that the whole universe is in exquisite flying motion and the one point of repose is the juggler’s effortless, uninterested face.“ – James Agee im Life magazine, 5. September 1949.
12. ↑ Vgl. Interviews mit Rohauer und Eleanor Keaton in A Hard Act to Follow, Teil 3.
13. ↑ 5 Minuten lang Standingovations (SZ-Magazin)
14. ↑ Vgl. A Hard Act to Follow, Teil 3.
15. ↑ Vgl. Eleanor Keaton in A Hard Act to Follow, Teil 3, etwa 00:46.
16. ↑ Vgl. Margaret Meade, Buster Keaton: Cut to the Chase, Filmografie im Anhang
17. ↑ Vgl. Jim Kline: The Complete Films Of Buster Keaton sowie Gill/Brownlow: A Hard Act to Follow, Teil 3.
18. ↑ Vgl. Eleanor Keaton: Buster Keaton Remembered. S. 213.
19. ↑ „No other comedian could do as much with the dead-pan. He used this great, sad, motionless face to suggest various related things; a one track mind near the track’s end of pure insanity; mulish imperturbability under the wildest of circumstances; how dead a human being can get and still be alive; an awe-inspiring sort of patience and power to endure, proper to granite but uncanny in flesh and blood.“ James Agee, Life, 5. September 1949
20. ↑ Vgl. Robert Benayoun: Der Augenblick des Schweigens. Bahia Verlag, München, 1983, S. 92f.
21. ↑ Keaton, zitiert in Brownlow: Pioniere des Films. S. 560.
22. ↑ ^{a b} Keaton, zitiert in Brownlow: Pioniere des Films. S. 534.
23. ↑ „Bevor wir mit einem Film anfingen, wußten alle im Studio Bescheid, worum es sich drehte, und deshalb brauchten wir nichts Schriftliches.“ – Keaton, zitiert in Brownlow: Pioniere des Films. S. 534.
24. ↑ „Wenn wir in einer dicht bewohnten Gegend drehen wollten, benachrichtigen wir immer die Polizei. Die schickten dann zwei oder drei Verkehrspolizisten, die den Verkehr regelten oder uns sonst irgendwie halfen. […] Wenn wir die Feuerwehr brauchten, fragten sie: ‚Was wollt ihr haben?‘ Wir gingen hin und erklärten, was wir brauchten, und wenn der Anruf kam, schickten sie alles. Es kostete uns gar nichts. Niemals. Keine unserer Eisenbahn-Sachen hat uns je etwas gekostet. Die Leute von der Santa Fe-Linie platzten vor Stolz, wenn sie SANTA FE auf der Leinwand sahen.“ – Keaton, zitiert in Brownlow: Pioniere des Films. S. 532.
25. ↑ Keaton, zitiert in Brownlow: Pioniere des Films. S. 556f.
26. ↑ „Ich sagte: ‚Gib mir die Totale des Ballsaals.‘ Er suchte das heraus. ‚Gib mir jetzt die Nahaufnahme, wo der Butler die Ankunft seiner Lordschaft verkündet.‘ Während ich das schneide, klebt er es zusammen. Er rollt sie auf, so schnell, wie ich sie ihm überreiche. Damals mit dem Nitrofilm bestand ein ziemliches Brandrisiko, aber wir kümmerten uns gar nicht darum.“ – Keaton zitiert in Brownlow: Pioniere des Films. S. 555f.
27. ↑ „Wenn ich eine Sequenz raushaben will – ‚Wenn ich hier auf der Straße nach links gehen würde, dann könnten wir diesen ganzen Teil weglassen und hier wieder ansetzen‘ – dann können wir uns am Nachmittag die Kameras nehmen, auf die Straße gehen und es drehen. Das kostet gerade das Benzin für unser Auto und das Filmmaterial […] Und das ergibt, alles zusammen, etwa zwei Dollar und neununddreißig Cent.“ – Keaton, zitiert in Brownlow: Pioniere des Films. S. 556.
28. ↑ Zitiert in Michael Hanisch: Über sie lach(t)en Millionen. Henschelverlag, Berlin, 1976, S. 42.
29. ↑ Life Magazine, 5. September 1949.
30. ↑ Walter Kerr: The Silent Clowns. DaCapo Press, 1990, S. 211.
31. ↑ Jana Prikryl in New York Review of Books vom Juni 2011: The Genius of Buster

Dieser Artikel wurde am 15. September 2007 in dieser Version in die Liste der exzellenten Artikel aufgenommen.

Das große Spiel ist eine Weiterleitung auf diesen Artikel. Siehe auch Das große Spiel (Buch), sowie: Le Grand Jeu und Das große Spiel (Sherlock).

Karikatur von 1878: Der afghanische Emir Schir Ali mit seinen „Freunden“ Russland und Großbritannien

Zentralasien Mitte des 19. Jahrhunderts

Als The Great Game oder Das Große Spiel^[1] wird der historische Konflikt zwischen Großbritannien und Russland um die Vorherrschaft in Zentralasien bezeichnet.

[Bearbeiten] Begriff

Die Bezeichnung The Great Game wird gewöhnlich dem 1835 bis 1840 in Mittelasien eingesetzten britischen Geheimdienstoffizier Arthur Conolly (am 17. Juni 1842 in Buchara hingerichtet) zugeschrieben; größere Verbreitung fand der Ausdruck durch Rudyard Kiplings Roman "Kim" (“Now I shall go far and far into the North, playing the Great Game …”).

[Bearbeiten] Historischer Hintergrund

The Great Game drehte sich um die Vorherrschaft in Zentralasien. Die Russen versuchten über Turkestan zum Indischen Ozean vorzustoßen, um einen eisfreien Hafen bauen zu können. Dies war seit Peter I. ein vorrangiges Ziel der russischen Außenpolitik. Schon 1807 hatten britische Agenten berichtet, Napoléon Bonaparte und Zar Alexander I. hätten sich verabredet, gemeinsam Indien anzugreifen und dem British Empire den Subkontinent zu entreißen. Dieser Plan wurde zwar nie umgesetzt, die Briten unternahmen in der Folgezeit jedoch alles, um die Expansion des Zarenreichs in diesem Raum zu verhindern. Das historische Great Game dauerte von 1813 (nach dem Rückzug von Napoleons Grande Armée aus Russland) de facto bis 1947 (dem Jahr des britischen Rückzugs aus Indien), wenn auch nach der Oktoberrevolution von 1917 weit weniger intensiv.

1837 war der russische Offizier Witkewitsch auf dem Weg zum afghanischen Herrscher Dost Mohammed. Sein Unternehmen war Teil der 1835 begonnenen Annäherung Afghanistans an Russland. In Kabul traf er auf den britischen Offizier und Vertrauten Dost Mohammeds Alexander Burnes. Dieser war im Auftrag der britischen Regierung in Kabul, um einen Vertrag auszuhandeln. Kernproblem dieser Verhandlungen war der Status von Peschawar. Der britische Generalgouverneur von Kalkutta, Baron Auckland, forderte Dost Mohammed auf, seine Ansprüche auf Peshawar sowie seine Annäherung an Russland aufzugeben. Da diese Forderungen als unannehmbar galten, wurde Burnes aus Kabul ausgewiesen. Gleichzeitig hatte der russische Botschafter Graf Simonitsch das Kommando über die persische Armee übernommen. Daraufhin landeten britische Truppen am Persischen Golf. Dies hatte zur Folge, dass sich die persischen Truppen zurückzogen und sowohl Simonitsch, als auch Witkewitsch nach Russland zurückbeordert wurden. Schließlich kam es aus dieser Situation zum Ersten Anglo-Afghanischen Krieg.

Der Panslawist Michail Grigorjewitsch Tschernjajew, der 1864/65 Taschkent eroberte, leitete unter Alexander II. die russische Expansion nach Zentralasien

General Tschernjajew eroberte 1864/65 Taschkent und forcierte damit unter Zar Alexander II. die Ausdehnung Russlands in den transkaukasischen Raum und nach Zentralasien. Das spätere Kasachstan war bereits ab der Mitte des 18. Jahrhunderts sukzessive dem russischen Zarenreich eingegliedert worden. Es kam in der Folge dort zur Bildung der drei kasak-kirgisischen Horden. Im 19. Jahrhundert kam es vermehrt zu kasachischem Widerstand gegen die russische Herrschaft: Auf dem Gebiet des einstigen Kasachen-Khanates wurde nun die Buqai-Horde begründet, die das Khanat restaurieren wollte. Doch wurde das nachmalige Kasachstan durch General Konstantin Petrowitsch von Kaufmann (1818–1882) unterworfen und in der Folge dem Generalgouvernement Turkestan unterstellt, in dem die gesamten russischen Erwerbungen in Zentralasien zusammengefasst wurden. An dessen Spitze stand Kaufmann. Unter ihm wurde vorübergehend auch das Kuldschagebiet (heute Gulja oder Yining, Teil des Uigurischen Autonomen Gebiets Xinjiang) eingenommen, welches jedoch 1881 an China zurückgegeben werden musste.

Die meisten Städte Kasachstans sind russische Gründungen, so unter anderem die heutige Hauptstadt Astana, Alma-Ata, Semipalatinsk, Ust-Kamenogorsk, Petropawl und andere.

Turkestan um 1900

Danach fielen in rascher Folge auch Chudschand, Jizzax und Samarkand (bedeutende Knotenpunkte der Seidenstraße) in russische Hand. 1881-85 wurde das transkaspische Gebiet im Zug eines Feldzugs annektiert, den die Generäle Michail Nikolajewitsch Annenkow und Michail Dmitrijewitsch Skobelew leiteten; u. a. Aschgabat und Merw (beide in heutigen Turkmenistan; vgl. Vertrag von Achal zwischen dem Russischen Reich und Persien) kamen unter russische Kontrolle. Die russische Expansion südwärts kam 1887 zum Stillstand, als mit dem Kontrahenten Großbritannien die afghanische Nordgrenze festgelegt wurde, die gleichzeitig als Demarkationslinie der Interessen- und Einflusssphären festgeschrieben worden war. Afghanistan wurde so zum Pufferstaat zwischen den beiden imperialen Mächten, was 1907 im Vertrag von Sankt Petersburg bekräftigt wurde. Buchara, eine der ältesten Städte Mittelasiens, sowie das Khanat Chiwa blieben formell unabhängig, waren jedoch im Wesentlichen Protektorate entlang der Kette von Fürstenstaaten im Norden Britisch-Indiens (Chiwa ab 1873). Ab den 1870er- und 1880er-Jahren spielte Turkestan auch durch den Baumwollanbau eine relativ bedeutende ökonomische Rolle im Russischen Reich; durch die Folgen des Amerikanischen Bürgerkriegs waren die Weltmarktpreise für den Rohstoff erheblich gestiegen. Die transkaspische Eisenbahn von Krasnowodsk (heute: Türkmenbasy) über Samarkand nach Taschkent sowie die Trans-Aral-Eisenbahn von Orenburg nach Taschkent wurden gebaut. Die Turkestan-Sibirische Eisenbahn (Turksib) war bei Ausbruch des Ersten Weltkriegs noch in Planung und wurde erst zwischen 1927 und 1931 fertiggestellt.^[2]

In den 1920er und 1930er Jahren verlagerte sich das Great Game nach Turkestan und Afghanistan sowie auf politische Konflikte und Reibereien in der Türkei, Persien und Britisch-Indien.^[3]

[Bearbeiten] Halford Mackinders „Weltinsel“

Mackinders Weltinsel und die „Pivot Area“, die nach seiner Theorie entscheidend für die globale Dominanz ist

Der britische Geograph und geopolitische Theoretiker Halford Mackinder (1861-1947) hatte 1904 in der Schrift The Geographical Pivot of History (etwa: Der geografische Drehpunkt der Geschichte) die Heartland-Theorie als Teil der britischen imperialen Strategie postuliert. Deren entscheidende These ist, dass die Beherrschung des Kernlandes Eurasiens der Schlüssel zur Weltherrschaft sei. Großbritannien könne als führende Seemacht aufgrund seiner Insellage diese weiträumigen Gebiete nicht beherrschen und müsse mit dem Aufkommen eines gefährlichen, ebenfalls nach Expansion strebenden Konkurrenten auf dem Kontinent rechnen, vor allem mit Russland. Mackinder betont, dass sich im Verlauf der Geschichte sowohl Land- als auch Seemacht als entscheidende Faktoren erwiesen hätten.

Doch bereits vor dem Ersten Weltkrieg dominierten andere Prioritäten die Außenpolitik der Kontrahenten: Durch den Beitritt Russlands zur Entente cordiale 1907 wurde diese zur Triple Entente erweitert, die vornehmlich gegen die weltpolitischen Ambitionen des Deutschen Kaiserreichs gerichtet war (s. dazu: Bagdadbahn). Zudem war Japan zu einem neuen Gegner Russlands auf dem asiatischen Kontinent bzw. in Fernost avanciert (vgl. Russisch-Japanischer Krieg).

Geostrategische Konflikte zwischen den Vereinigten Staaten, der Sowjetunion bzw. Russland, China und Indien im kaukasisch-zentralasiatischen Bereich werden heute auch fallweise wieder als „The Great Game“ ^[4] oder „The New Great Game“ bezeichnet.^[5]

[Bearbeiten] Siehe auch

• Imperialismus
• Anglo-Afghanische Kriege
• Seidenstraßenstrategie

[Bearbeiten] Literatur

• Martin Ewans (Hrsg.): The Great Game. Britain and Russia in Central Asia. RoutledgeCurzon, London 2004, 8 Bände, ISBN 0-415-31638-3.
• Peter Hopkirk: The Great Game. On Secret Service in High Asia. Neuausgabe. Oxford University Press, Oxford u. a. 2001, ISBN 0-7195-6447-6 (erste Ausgabe 1990).
• Karl E. Meyer, Shareen Blair Brysac: Tournament of shadows. The great game and the race for empire in central asia. Counterpoint, Washington, D.C. 1999 ISBN 1-58243-028-4.

[Bearbeiten] Einzelnachweise

1. ↑ Conrad J. Schetter: Kleine Geschichte Afghanistans. Die Geschichte Afghanistans von der Antike bis zur Gegenwart. 2. aktualisierte Auflage. C. H. Beck, München 2007, ISBN 978-3-406-51076-2, S. 55, (Hier abrufbar).
2. ↑ Zum heutigen Stand der Infrastrukturen in Eurasien vgl.: Jonathan Tennenbaum: Das eurasische Infrastrukturnetz nimmt Gestalt an ("Internetzeitschrift Der Lotse", o. J.). Vgl. BüSo.
3. ↑ David X. Noack: Great Game: Die Beziehungen zwischen der Sowjetunion und Großbritannien in Zentralasien zwischen 1917 und 1933, in: Das Blättchen, Nummer 20/2010, 11. Oktober 2010. Hier abrufbar.
4. ↑  Boris Shiryayev: Großmächte auf dem Weg zur neuen Konfrontation?. Das „Great Game“ am Kaspischen Meer. Eine Untersuchung der neuen Konfliktlage am Beispiel Kasachstan. Kovac, Hamburg 2008, ISBN 978-3-8300-3749-1.
5. ↑ Murat Altuglu: The New Great Game. Energiepolitik im kaspischen Raum. Bouvier, Bonn 2006, ISBN 3-416-03119-9 (Forum junge Politikwissenschaft. 5).

Der Titel dieses Artikels ist mehrdeutig. Weitere Bedeutungen sind unter Charles Chaplin (Begriffsklärung) aufgeführt.

Charles Chaplin in der Rolle des Tramps (1915)

Sir Charles Spencer Chaplin jr., KBE, bekannt als Charlie Chaplin (* 16. April 1889 vermutlich in London^[1]; † 25. Dezember 1977 in Vevey, Schweiz), war ein britischer Komiker, Schauspieler, Regisseur, Komponist und Produzent.

Chaplin zählt zu den einflussreichsten Komikern des 20. Jahrhunderts. Seine bekannteste Rolle ist der „Vagabund“ (im Original „The Tramp“, auch „Charlot“), ein verarmter Landstreicher mit den Manieren und der Würde eines Gentleman. Diese Figur mit Zweifingerschnurrbart (auch „Chaplinbart“ genannt), übergroßer Hose und Schuhen, enger Jacke, Bambusstock in der Hand und Melone auf dem Kopf wurde zu einer Filmikone. Das American Film Institute wählte Charlie Chaplin auf Platz 10 der größten amerikanischen Filmlegenden aller Zeiten.^[2]

Charles Chaplin begann seine Karriere als Kind bei Auftritten in der Music Hall. Als Komiker in den frühen Stummfilmkomödien Hollywoods feierte er bald große Erfolge. Als beliebtester Stummfilmkomiker seiner Zeit erarbeitete er sich künstlerische und finanzielle Unabhängigkeit. 1919 gründete er zusammen mit Mary Pickford, Douglas Fairbanks und David Wark Griffith die Filmgesellschaft United Artists. Des Kommunismus verdächtigt, wurde ihm 1952 nach einem Auslandsaufenthalt die Rückkehr in die USA verweigert. Er setzte in Europa seine Arbeit als Schauspieler und Regisseur fort. 1972 nahm er einen Ehrenoscar für sein Lebenswerk entgegen. Fünf Jahre später starb er mit 88 Jahren in seinem Schweizer Wohnort.

[Bearbeiten] Leben

[Bearbeiten] Kindheit und Jugend

Charles Chaplin (Fotografie zwischen 1900 und 1910)

Charles Chaplin wurde vermutlich in London als Sohn von Charles Spencer Chaplin und Hannah Harriet Chaplin geboren. Beide waren Künstler an den britischen Music Halls. Kurz nach Charles’ Geburt trennten sich seine Eltern. Charles und sein vier Jahre älterer Halbbruder Sydney wuchsen bei der Mutter auf, die aufgrund psychischer Probleme jedoch ab 1896 ihrem Beruf nicht mehr nachgehen konnte. Da sich Charles Chaplin Sr. regelmäßig den Unterhaltszahlungen entzog, lebte die Familie in großer Armut und musste immer wieder in den Armenhäusern Londons Zuflucht finden.

Charles Chaplin bekam 1894 erstmals die Chance, selbst vor Publikum mit einer Gesangsdarbietung aufzutreten. Als Neunjähriger wurde er auf Empfehlung seines Vaters für die Music-Hall-Gruppe The Eight Lancashire Lads engagiert. Chaplin erhielt während der Tourneen der Lancashire Lads Kost und Logis sowie eine einfache Schulbildung.

Als sein Vater 1901 durch Alkoholmissbrauch starb, blieben Chaplin nur seine Mutter und sein Halbbruder als Bezugspersonen. Chaplin verließ die Lancashire Lads und fand Engagements an den Londoner Bühnen. Im Sommer 1903 spielte Chaplin in dem wenig erfolgreichen Theaterstück Jim, A Romance of Cockayne seine erste größere Rolle. Es folgte die Rolle des Laufburschen Billy in der von William Gillette verfassten Bühnenversion von Sherlock Holmes. Diese Inszenierung wurde ein großer Erfolg, Chaplin ging bis 1906 insgesamt viermal mit diesem Theaterstück auf Tournee. Auch Sydney Chaplin wirkte in dem Ensemble mit, verließ die Theatertruppe aber wieder, als er bei Fred Karno unter Vertrag genommen wurde. Charles folgte seinem Bruder und unterschrieb 1908 einen Zweijahresvertrag bei Karno.

[Bearbeiten] Aufstieg zum Bühnenstar

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Charles Chaplin Anfang der 1910er Jahre

Bei Fred Karno, der mit seinen Theatertruppen die Tradition der komischen Pantomimenspiele fortführte, stieg Charles Chaplin schnell zu einem der Hauptdarsteller auf. Sein erster Erfolg bei Karno war die Rolle des Trunkenbolds Swell in dem Stück Mumming Birds. 1910 übernahm Chaplin die Hauptrolle in der Neuproduktion Jimmy the Fearless, die ihm erstmals positive Kritiken in den Zeitungen einbrachte. So bezeichnete ihn die Yorkshire Evening Star als einen „aufstrebenden Schauspieler“, dessen Auftritt ihn als einen geborenen Komiker auswies.^[3]

Karno bot Chaplin daraufhin an, mit einem Ensemble auf eine Tournee durch Nordamerika zu gehen. Vom Juni 1910 bis Juni 1912 spielte Karnos Truppe in den Vereinigten Staaten und Kanada. Vor allem Chaplins Eskapaden in A Night in an English Music Hall, einer Wiederaufführung von Mumming Birds, begeisterten das Publikum und die Presse. Nach nur fünf Monaten in England schickte Karno sein Ensemble mit Chaplin für eine zweite Tournee nach Amerika.

Diese Tournee verlief allerdings nicht so erfolgreich wie die erste, weshalb Chaplin dankbar auf das Interesse der amerikanischen Filmindustrie an ihm reagierte. Im Mai 1913 nahmen Adam Kessel und Charles O. Baumann, die Inhaber der New York Motion Picture Company erstmals Kontakt zu Chaplin auf. Am 25. September 1913 unterschrieb Chaplin schließlich einen Vertrag, mit dem er sich für ein Jahr als Filmschauspieler bei Mack Sennetts Keystone Studios, dem Komödienspezialisten der New York Motion Picture Company verpflichtete. Chaplin wurde ein Gehalt von 150 Dollar in der Woche zugesagt. Er verließ daraufhin am 28. November 1913 die Karno-Truppe.

[Bearbeiten] Keystone

Chaplin in Mabel’s Busy Day (1914)

Anfang Januar 1914 trat Charles Chaplin seine neue Stelle in den Keystone Studios an. In den ersten Wochen hatte er große Probleme, mit den chaotischen Arbeitsbedingungen bei Keystone zurechtzukommen. Chaplin war von seiner Zeit bei Karno monatelanges Proben an den Sketchen gewohnt, bis jede Geste und jede Pointe perfekt saß. Mack Sennett arbeitete dagegen meist ohne Drehbuch, seine Produktionen wurden schnell abgedreht. Sennetts Star war Ford Sterling, dessen wilde Grimassen in einem krassen Gegensatz zu Chaplins eher subtiler Komik standen.

Erst Ende des Monats wurde Chaplin in einem Film eingesetzt. Der Einakter Making a Living entstand unter der Regie von Henry Lehrman, der auch den Helden der Geschichte spielte. Chaplin war der Bösewicht, dessen Auftreten an den Charakter aus dem Karno-Stück A Night in an English Music Hall erinnerte.

Unzufrieden mit dieser Rolle, entwickelte Chaplin für die folgenden Filme eine neue Figur. Der Legende nach lieh er sich ein altes Paar Schuhe von Ford Sterling und eine übergroße Hose von Roscoe „Fatty“ Arbuckle, eine Melone von Arbuckles Schwiegervater, eine zu kleine Jacke von Charles Avery und den falschen Bart von Mack Swain. Ähnliche Kostümierungen fanden sich bereits bei den Komikern der englischen Music Halls.^[4] Der „Tramp“ trat erstmals Anfang Februar 1914 in den Filmen Kid Auto Races at Venice und Mabel’s Strange Predicament auf.

Nachdem Chaplin weder mit Henry Lehrman noch mit George Nichols zurechtkam, versuchte Sennett, Chaplin in den von Mabel Normand inszenierten Filmen einzusetzen. Als es bei den Dreharbeiten von Mabel at the Wheel zu einem Eklat zwischen ihm und Normand kam, glaubte Chaplin bereits, dass seine Tage bei Keystone gezählt waren.^[5] Doch die große Nachfrage nach Filmen mit Chaplin zwang Sennett, ihm weiterhin freie Hand zu gewähren. Chaplin sollte probeweise bei einem Film Regie führen. Dieses Regiedebüt, Caught in the Rain, wurde am 4. Mai 1914 veröffentlicht und wurde zu einem der bislang erfolgreichen Filme von Keystone. In den letzten sechs Monaten seines Vertrages mit Keystone führte Chaplin mit Ausnahme von Tillie’s Punctured Romance, Sennetts erstem abendfüllenden Spielfilm, bei allen seinen Auftritten selbst Regie.

Im Juni 1914 liefen die ersten Keystone-Filme mit Chaplin in Großbritannien an. Chaplin wurde von der heimischen Presse als „der geborene Leinwandkomiker“ gefeiert.^[6] Angesichts seines rasant gestiegenen Marktwertes forderte Chaplin von Sennett 1000 Dollar pro Woche bei einer Fortsetzung des Vertrages. Es kam allerdings zu keiner Einigung, sodass Chaplins Engagement bei Keystone Ende des Jahres 1914 nach 35 Filmen beendet wurde.

[Bearbeiten] Essanay

Im November 1914 unterzeichnete Charles Chaplin einen Vertrag bei dem von den Filmpionieren George K. Spoor und Gilbert M. Anderson geführten Filmunternehmen Essanay, der Chaplin neben einer wöchentlichen Gage von 1250 Dollar eine Einmalzahlung über 10.000 Dollar garantierte.

Chaplin drehte im Januar 1915 seinen ersten Film, His New Job, in den veralteten Essanay-Studios in Chicago, zog danach aber lieber zurück nach Kalifornien. Dort stellte Chaplin eine eigene Stammbesetzung zusammen, zu denen Leo White, Billy Armstrong, der spätere Regisseur Lloyd Bacon und der später auch als Solokünstler bekannte Ben Turpin zählten. Auf der Suche nach einer weiblichen Hauptdarstellerin entdeckte Chaplin die 19-jährige Edna Purviance, die schließlich in 35 seiner Filme mitspielte und mit der er bis 1917 auch privat eine Beziehung hatte. Chaplin legte sich zunehmend auf die Rolle des Vagabunden fest, der in seinem sechsten Essanay-Film The Tramp sogar zum Titelhelden wurde. Überwog in den frühen Filmen Chaplins der Slapstick, zeigten sich in Entführung (A Jitney Elopment) und The Tramp romantische Elemente, die in The Bank sogar in einem traurigen Schluss mündeten.

Entstanden die ersten sieben Filme für Essanay in nur vier Monaten, versuchte Chaplin in den folgenden Monaten seine Unabhängigkeit als Filmschaffender durchzusetzen, indem er sich von den üblichen Fließbandmethoden verabschiedete und sich deutlich mehr Zeit für die nächsten Filmprojekte nahm. Seine letzten beiden von insgesamt 14 Filmen für Essanay wurden erst im Frühjahr 1916 veröffentlicht, als Chaplin bereits bei Mutual Films unter Vertrag stand.

Chaplins Popularität erreichte 1915 ihren ersten Höhepunkt. Chaplin wurde (ohne dass er an den Einkünften beteiligt wurde) zum Mittelpunkt einer umfassenden Vermarktung, die Chaplin-Puppen, Zeitungscomics und Lieder über den kleinen Tramp beinhaltete. Das Motion Picture Magazine diagnostizierte für die gesamten Vereinigten Staaten einen schweren Fall von „Chaplinitis“.^[7] In Frankreich wurde der Tramp als Charlot verehrt. Um auch nach Chaplins Weggang von der „Chaplinitis“ zu profitieren, ließ Essanay Chaplins Burlesque on Carmen mit zuvor nicht verwendetem Filmmaterial auf die doppelte Laufzeit verlängern. Chaplin klagte erfolglos gegen die Veröffentlichung dieses Films.

[Bearbeiten] Mutual

Chaplin als Tramp, um 1917

Der neue Vertrag mit Mutual Films, der ihm ein wöchentliches Gehalt von 10.000 Dollar zuzüglich eines Bonus von 150.000 Dollar bei Vertragsabschluss garantierte, machte Chaplin zu einem der bestbezahlten Schauspieler. Seine Popularität blieb ungebrochen; als er Ende Februar 1916 zur Vertragsunterzeichnung mit dem Zug nach New York fuhr, warteten riesige Menschenmengen auf die Ankunft des Stars.

Für Chaplin wurde in Los Angeles ein neues Studio eingerichtet. Edna Purviance, Leo White und Lloyd Bacon folgten Chaplin von Essanay zu Mutual. Roland Totheroh, der bereits bei einigen Essanay-Filmen die Kamera bedient hatte, wurde von Chaplin angeheuert. Er blieb bis 1952 Chaplins Chefkameramann. Das Ensemble vervollständigten Albert Austin und der hünenhafte Eric Campbell, der in den meisten Mutual-Filmen den Bösewicht spielte. Im Laufe des Jahres wurde die Crew durch Henry Bergman ergänzt, der Chaplin als vielseitig einsetzbarer Nebendarsteller und Assistent bis zu seinem Tod im Jahr 1946 begleiten sollte.

Chaplins Vertrag mit Mutual sah vor, dass innerhalb von zwölf Monaten zwölf Filme produziert wurden. Tatsächlich wurden die ersten acht Filme bis zum Ende des Jahres 1916 fertiggestellt, für die letzten vier benötigte Chaplin dann aber zehn Monate. Einige der Mutual-Filme werden heute zu Chaplins besten Filmen gezählt.^[8] Während Chaplin mit der Rollschuhbahn in The Rink und einer Rolltreppe in The Floorwalker erneut das komische Potential ungewöhnlicher Schauplätze aufzeigte, gilt The Pawnshop als ein Musterbeispiel für Chaplins „Komik der Transposition“^[9], in der Gegenstände eine völlig neue Funktion einnehmen. Seine bekanntesten Filme aus der Zeit bei Mutual sind die 1917 fertiggestellten Zweiakter Easy Street, eine Parodie auf die viktorianischen Besserungs-Melodramen, und die Tragikomödie Der Einwanderer. Chaplin bezeichnete im Rückblick diese Zeit als die glücklichste in seiner gesamten Karriere.^[10]

Für Aufsehen sorgte Ende des Jahres 1916 die nichtautorisierte Biografie Charlie Chaplin’s Own Story, deren Erscheinen nur mit Hilfe der Gerichte verhindert werden konnte. Es setzte allerdings in Folge der Auseinandersetzung in den britischen Zeitungen eine Kampagne gegen Chaplin ein, da ihm eine Klausel im Vertrag mit Mutual Films die freiwillige Meldung als Soldat im Ersten Weltkrieg untersagte. Chaplin sah sich genötigt, im August 1917 seine patriotische Gesinnung in einer Presseerklärung zu bekunden.

Gleichzeitig musste sich Charles Chaplin gegen zahlreiche Nachahmer und Imitatoren wehren. So verklagte Chaplin im November 1917 mehrere Filmstudios, die mit Chaplin-Imitatoren zahlreiche Filme produziert hatten. Der bekannteste Imitator war Billy West, der in rund 50 Filmen auftrat. Auch Chaplins ehemaliger Kollege bei Karno, Stan Jefferson, der spätere Stan Laurel, trat auf der Bühne als Chaplin auf.

[Bearbeiten] First National

Filmausschnitt aus The Bond, 1918.

Jackie Coogan

Nach Ablauf des Vertrags mit Mutual suchte Charles Chaplin einen neuen Partner, der ihm nicht nur die finanzielle, sondern auch die zeitliche Unabhängigkeit zur Vollendung seiner Filme ermöglichte. Sydney Chaplin, der seit dem Herbst 1915 die Geschäfte seines Halbbruders führte, fand diesen Partner in der First National, die mit der Verpflichtung Chaplins gegen die marktbeherrschende Position von Paramount Pictures antreten wollte. Es wurde ein Vertrag über acht Filme abgeschlossen, für die First National vorab mehr als eine Million Dollar zahlte. Chaplin wurde sein eigener Produzent, behielt die Rechte an seinen Filmen und ließ in Hollywood ein Studio nach seinen eigenen Vorstellungen errichten.

Am 15. Januar 1918 begannen die Dreharbeiten zu A Dog’s Life, die erst nach zwei Monaten beendet wurden. Direkt nach Abschluss der Dreharbeiten ging Chaplin gemeinsam mit Douglas Fairbanks und Mary Pickford auf eine Tournee durch die Vereinigten Staaten, um für den Kauf von Kriegsanleihen zu werben. Auch Chaplins nächster Film sollte den Ersten Weltkrieg zum Thema haben. Nach einigen Mühen, eine passende Handlung zu finden (Chaplin arbeitete noch immer ohne Drehbuch), entstand Gewehr über (Shoulder Arms), der zu einem der größten finanziellen Erfolge in Chaplins Karriere wurde.

Privat hatte Chaplin weniger Glück. Anfang des Jahres hatte er die gerade 16 Jahre alte Schauspielerin Mildred Harris kennengelernt, mit der er eine skandalumwitterte Beziehung einging. Chaplin und Harris heirateten am 23. September 1918. Der unglückliche Verlauf der Ehe lähmte Chaplins Schaffenskraft, die Dreharbeiten für die nächsten beiden Filme Sunnyside und Charlie’s Picknick verzögerten sich und wurden mehrmals unterbrochen. Sunnyside wurde schließlich im April 1919 fertiggestellt, Charlie’s Picknick blieb zunächst unvollendet. Am 7. Juli kam Chaplins Sohn Norman Spencer zur Welt, der aber drei Tage nach der Geburt starb.

Chaplins Schaffenskrise endete, als er in einem Theater den Vierjährigen Jackie Coogan entdeckte. Chaplin entwickelte ein neues Filmprojekt, in dem Coogan an seiner Seite spielen sollte. Chaplin erkannte, dass dieser Film deutlich länger als seine bisherigen werden sollte. Um den Wunsch von First National nach der baldigen Veröffentlichung eines neuen Chaplin-Films zu erfüllen, griff er während einer Produktionspause auf das Material von Charlie’s Picknick zurück, drehte einige neue Szenen und veröffentlichte schließlich im Dezember 1919 unter dem Titel A Day’s Pleasure einen Zweiakter, der in der Tradition seiner Filme bei Essanay und Mutual stand.

Voller Eifer setzte Chaplin die Arbeiten an dem Film mit Jackie Coogan, der nun seinen endgültigen Titel The Kid erhalten hatte, fort. Der ganz in der Arbeit versunkene Chaplin wurde von der Scheidungsanklage seiner Ehefrau überrascht. Da Mildred eine Abfindung über 100.000 Dollar ablehnte, drohte die Pfändung des nach einem Jahr endlich fertiggedrehten Films. Im August 1920 wurden daraufhin die gesamten Negative von The Kid heimlich nach Salt Lake City geschafft, wo Chaplin einen ersten Rohschnitt anfertigte. Kurz darauf begann der Scheidungsprozess, der am 19. November 1920 in einer gütlichen Einigung endete. Der Premiere von The Kid am 6. Januar 1921 stand nun nichts mehr im Wege. Chaplins erster Langfilm wurde zu einem Riesenerfolg, der in den nächsten drei Jahren in rund 50 Ländern vertrieben wurde.^[11]

Da sich First National bei der Vergütung von The Kid wenig kooperativ gezeigt hatte, wollte Chaplin seine vertraglichen Verpflichtungen so schnell wie möglich erfüllen, zumal er inzwischen als Mitbegründer von United Artists einen eigenen Filmvertrieb besaß. Innerhalb von fünf Monaten entstand der Zweiakter The Idle Class. Die Dreharbeiten zum nächsten Film, Pay Day, unterbrach Chaplin schon nach wenigen Tagen, um im September 1921 zu einer Europareise zu starten, die ihn erstmals seit neun Jahren wieder in seine Heimat führte. Chaplin wurde von der Begeisterung für seine Person überwältigt. Er hielt seine Erfahrungen in dem Buch My Trip Abroad fest.

Im November 1921 setzte er seine Arbeit an Pay Day fort, der sein letzter Zweiakter werden sollte. Pay Day wurde am 2. April 1922 uraufgeführt. Chaplins letzter Film für First National, der Vierakter The Pilgrim, wurde in nur 42 Drehtagen fertiggestellt. Erneute Streitigkeiten mit First National über die Vermarktung verzögerten aber die Premiere bis zum Februar 1923.

[Bearbeiten] Erste Arbeiten für United Artists

Fotomontage: Chaplin unterzeichnet den Gründungsvertrag von United Artists

Chaplin und Churchill, Hollywood 1929

Chaplin und Gandhi, London 1931

Nachdem sein Vertrag bei der First National ausgelaufen war, konnte Charles Chaplin endlich seinen ersten Beitrag für United Artists vorbereiten. Bereits im Januar 1919 beschlossen Chaplin, die Schauspieler Douglas Fairbanks und Mary Pickford sowie der Regisseur D. W. Griffith, einen unabhängigen Filmverleih zu gründen, um so einem drohenden Monopol der etablierten Studios entgegenzutreten. Am 5. Februar wurden die Verträge für die Gründung von United Artists unterzeichnet.

Mit seinem ersten Projekt für United Artists erfüllte sich Chaplin den lang gehegten Wunsch, einen ernsten dramatischen Film zu drehen. Der Film sollte außerdem Edna Purviance in ihrer ersten eigenständigen Hauptrolle eine neue Karriere in reiferen Frauenrollen eröffnen, da Chaplin sie nicht mehr als eine ideale Komödienpartnerin betrachtete. Seine Bekanntschaft mit Peggy Hopkins Joyce, die durch ihre zahlreichen Ehen und Liebesaffären berühmt wurde, inspirierte Chaplin zu der in Paris angesiedelten Geschichte des Liebesdramas Die Nächte einer schönen Frau (A Woman of Paris), die er von November 1922 bis Juni 1923 mit Edna Purviance und Adolphe Menjou in den Hauptrollen drehte. Chaplin selbst gab sich nur einen wenige Sekunden dauernden Cameo-Auftritt in der Verkleidung eines Gepäckträgers.

Während der Dreharbeiten von Die Nächte einer schönen Frau stand Chaplins Beziehung zu Pola Negri im Mittelpunkt des öffentlichen Interesses. Er hatte die Schauspielerin während seiner Europareise in Berlin kennengelernt und traf sie im Oktober 1922 wieder, als sie sich auf ihr Hollywood-Debüt vorbereitete. Im Januar 1923 gaben beide ihre Verlobung bekannt, die Beziehung zerbrach jedoch bereits wenige Monate später.

Die Premiere von Die Nächte einer schönen Frau am 1. Oktober 1923 wurde von den Kritikern gefeiert; das von Chaplin mühsam erarbeitete zurückhaltende Spiel der Protagonisten wurde als „Abkehr der bisherigen Leinwandgewohnheiten“ verklärt und zum Vorbild zahlreicher Regisseure der späten 1920er Jahre.^[12] Das Publikum konnte sich aber mit dem für Chaplin untypischen Melodram nicht anfreunden. Die Nächte einer schönen Frau wurde zu seinem ersten Flop.

Um einen größeren gesellschaftlichen Skandal abzuwenden, heiratete er 1924 die 16-jährige Lita Grey, die für seine nächste Produktion The Gold Rush (Goldrausch) als seine Filmpartnerin vorgesehen war. Lita war zu diesem Zeitpunkt von Chaplin schwanger. Sie wurde noch Mutter eines weiteren Sohnes Chaplins (Sydney Earle), bevor die Ehe 1927 in einem aufsehenerregenden Prozess geschieden wurde.

[Bearbeiten] 1936: Moderne Zeiten

Chaplin während eines Deutschlandbesuchs vor dem Reichstag in Berlin im März 1931

Obwohl bereits der Tonfilm etabliert war, brachte Chaplin mit Lichter der Großstadt (1931) und Moderne Zeiten (1936) zwei weitere Stummfilme in die Kinos. Die musikalische Tonspur komponierte er in beiden Fällen selbst. Außerdem arbeitete er mit Toneffekten, auch um die beliebten Tonfilme zu parodieren, denen Chaplin skeptisch gegenüberstand. Der Erfolg an den Kinokassen bestätigte Chaplins herausragende Stellung als Filmkomiker. Da Chaplin in Moderne Zeiten die Auswüchse der Industrialisierung und des Kapitalismus kritisiert, wurde ihm in den USA von konservativen Kreisen eine antikapitalistische und kommunistische Einstellung vorgeworfen. Privat war er nun mit seiner Filmpartnerin Paulette Goddard liiert, die er 1936 heimlich heiratete.

[Bearbeiten] 1940–1942: Der große Diktator

Am 15. Oktober 1940 war die Premiere von Chaplins erstem Tonfilm The Great Dictator (Der große Diktator). Chaplins satirische Slapstick-Parodie auf den Faschismus richtete sich symbolisch auch gegen die US-Staatsmacht und den Militarismus allgemein. Diesen Anti-Hitler-Film wollte die US-amerikanische Zensurbehörde zuerst nicht genehmigen. Die Konservativen Amerikas unterschätzten anfangs Hitlers Machtwahn und hielten ihn für einen großartigen Politiker, da er quasi ein Verbündeter in Europa gegen den Bolschewismus bzw. den Kommunismus Stalins war. Chaplins Film passte ihnen also gar nicht ins Konzept. Präsident Roosevelt selbst wollte den Film, für Chaplin wäre ein akut drohendes Verbot des Streifen letztlich zu riskant gewesen. Der Film war für Chaplin wirtschaftlich besonders erfolgreich.^[13]

Chaplin hat auf die Angriffe von Nationalsozialisten, die ihn (fälschlicherweise) als Juden titulierten (z. B. in dem 1940 gedrehten antisemitischen Propagandafilm Der ewige Jude), aus Solidarität mit den Verfolgten nie richtigstellend reagiert. Sein Freund Ivor Montagu meinte, dass diese Behauptung der Grund war, warum Chaplin „Der große Diktator“ produzierte; denn er hatte ihn zuvor auf eine Nazischrift mit dem Satz: Dieses kleine jüdische Stehaufmännchen ist so ekelhaft, wie es langweilig ist, aufmerksam gemacht.^[14] Für Hannah Arendt, die Chaplin ebenfalls für einen Juden hielt, war er ein Beispiel einer verborgenen Paria-Tradition im Judentum, die wieder zu beleben ist.

1942 wurde die Ehe mit Paulette Goddard geschieden. Kurz danach lernte Chaplin Oona O’Neill, die Tochter des Dramatikers Eugene O’Neill, kennen und lieben. Mit ihr fand Chaplin sein Eheglück. Die beiden heirateten am 16. Juni 1943, Oona war damals 18 Jahre alt. 1944 wurde als ältestes der acht gemeinsamen Kinder die Tochter Geraldine geboren, 1946 folgte Michael Chaplin.

[Bearbeiten] 1947–1952: Politische Probleme und die Ausweisung aus den USA

Im Oktober 1947 musste Chaplin wiederholt vor dem Komitee für unamerikanische Umtriebe (House Un-American Activities Committee) aussagen, und der FBI-Chef J. Edgar Hoover, ein erbitterter Gegner Chaplins, versuchte, diesem die Aufenthaltsgenehmigung zu entziehen. Im Dezember 1947 veröffentlichte der Filmstar in der englischen Sonntagszeitung Reynold's News den Artikel „Ich erkläre Hollywood und seinen Bewohnern den Krieg!“.^[15]

Obwohl Chaplin seine größten Erfolge in den USA errang, behielt er seine britische Staatsangehörigkeit. Er selbst sah sich als Weltbürger. Charles Chaplin war liberal, kritisch und Pazifist und passte damit nicht in das gängige Bild, das die Regierung von einem Filmstar erwartete. Auch an seinem Lebenswandel nahm man Anstoß.

Chaplin war in der Bevölkerung überaus beliebt und parodierte hintergründig auch die amerikanische Gesellschaft und wurde dadurch dem Staatsapparat verdächtig. Ihm wurde mangelnde Verfassungstreue vorgeworfen. In den 1930er/1940er Jahren konnte man sich in den USA bereits mit der spöttischen Hinterfragung der herrschenden Gesellschaftsordnung als marxistisch oder kommunistisch verdächtig machen. 1949 und 1951 bekamen die Chaplins zwei weitere Kinder: Josephine Chaplin und Victoria Chaplin.

Am 17. September 1952 verließ Chaplin die Vereinigten Staaten für einen Kurzbesuch in England. Anlass war die Weltpremiere seines dort spielenden Films Rampenlicht. Es war die Zeit zu Beginn der McCarthy-Ära, und da das FBI unter Hoover ihn „unamerikanischer Umtriebe“ verdächtigte, erreichte der FBI-Chef beim Immigration and Naturalization Service am 18. September den Widerruf von Chaplins Wiedereinreisegenehmigung in die Vereinigten Staaten.^[16] Dieser beschloss daraufhin, in Europa zu bleiben. Er zog im Dezember 1952 in die Schweiz und ließ sich im Anwesen Manoir de Ban oberhalb Corsier-sur-Vevey am Genfersee nieder. In dem Haus hat sein Sohn Eugene ein Museum Chaplin's World eingerichtet.

[Bearbeiten] 1953–1957: Ein König in New York

1953 und 1957 wurden seine Kinder Eugene Chaplin und Jane Chaplin geboren.

1957 verarbeitete Chaplin in der Satire Ein König in New York (A King in New York) die bitteren Erfahrungen, die er im Umgang mit den USA gemacht hatte. In diesem Film prangerte er zugleich auch den frühen Obskurantismus in den USA an. Chaplin dazu: „America is so terribly grim in spite of all that material prosperity.“^[17]

[Bearbeiten] 1959–1977: Die Gräfin von Hongkong und Chaplins letzte Jahre

Charlie Chaplin (1965)

1959 und 1962 wurden Annette-Emilie Chaplin und Christopher Chaplin geboren.

1967 drehte Chaplin den Film Die Gräfin von Hongkong (A Countess from Hong Kong), in dem er selbst in einer kleinen Nebenrolle als Schiffssteward zu sehen war. Nach Beendigung des Films traten bei ihm immer häufiger körperliche Beschwerden auf; sein früherer robuster Gesundheitszustand wich in den letzten Jahren einer zunehmenden Gebrechlichkeit.

1972 kehrte er noch einmal kurzfristig in die USA zurück anlässlich der Verleihung eines Ehrenoscars an ihn.^[18]

Am 25. Dezember 1977 verstarb Chaplin im Schlaf im Alter von 88 Jahren in Vevey in der Schweiz.

[Bearbeiten] Nach dem Tod

Zwei Monate nach Chaplins Tod, in der Nacht vom 1. auf den 2. März 1978, wurde seine Leiche vom Friedhof in Corsier-sur-Vevey (Schweiz) gestohlen. Die Täter wollten von den Hinterbliebenen 600.000 Schweizer Franken erpressen. Der Plan scheiterte, sie wurden gefasst, und Chaplins sterbliche Überreste wurden erneut beerdigt. Seine Frau ließ danach eine 2 m dicke Betonschicht anbringen. Nach dem Tod seiner Witwe Oona hat man das Grab 1991 zubetoniert. Basierend darauf entstand 2008 das Theaterstück Kidnappin' Chaplin von Martin Kolozs, das am 15. Juni desselben Jahres im Rahmen des 4. Tiroler Dramatikerfestivals, Österreich uraufgeführt wurde.

Eine Skulptur Charlie Chaplins, geschaffen von dem englischen Bildhauer John Doubleday, steht an der Seepromenade in Vevey, Genfersee.

Ein Spazierstock des Weltstars wurde bei einer Auktion von Filmrequisiten in London 2004 für 47.800 Pfund versteigert. Zwei Schnurrbärte zum Film Der große Diktator erzielten knapp 12.000 Pfund beziehungsweise rund 18.000 Pfund.^[19]

[Bearbeiten] Preise, Ehrungen und Auszeichnungen

Charles Chaplin auf einer deutschen Briefmarke des Wohlfahrtsmarkensatzes „Internationale Filmschauspieler“, Oktober 2001

• 1925: Kinema Junpo Award (Japan) bester künstlerischer Film für A Woman of Paris
• 1927: Kinema Junpo Award (Japan) als bester ausländischer Film für Goldrausch
• 1929: Ehrenoscar für „Vielseitigkeit und Genie in Bezug auf Schauspiel, Regie, Drehbuch und Produktion“ bei Der Zirkus
• 1940: New York Film Critics Circle Award für Der große Diktator (Chaplin lehnte die Annahme des Preises ab)
• 1941: Oscar-Nominierung für Der große Diktator (bester Film, bestes Original-Drehbuch, beste Hauptrolle)
• 1948: Oscar-Nominierung für Monsieur Verdoux – Der Frauenmörder von Paris (bestes Original-Drehbuch)
• 1949: Bodil (Dänemark) für Monsieur Verdoux – Der Frauenmörder von Paris (bester amerikanischer Film)
• 1953: Blue Ribbon Award (Japan) für Monsieur Verdoux – Der Frauenmörder von Paris (bester fremdsprachiger Film)
• 1953: Nastro d’Argento (Bester ausländischer Film/Miglior Film Straniero) des Sindacato Nazionale Giornalisti Cinematografici Italiani für Rampenlicht
• 1953: Kinema Junpo Award (Japan) als bester ausländischer Film für Monsieur Verdoux – Der Frauenmörder von Paris
• 1954: Internationaler Friedenspreis des Weltfriedensrates („Leninpreis“)
• 1959: Bodil (Dänemark) (Ehrenpreis)
• 1961: Kinema Junpo Award (Japan) als bester ausländischer Film für Der große Diktator
• 1962: Ehrendoktor der Universität Oxford
• 1971: Mitglied der französischen Ehrenlegion
• 1972: Ehrenoscar für seine „unschätzbaren Verdienste um die Filmkunst“
• 1972: Gala Tribute der Film Society of Lincoln Center
• 1972: Goldener Löwe der Filmfestspiele von Venedig für sein Lebenswerk
• 1973: Oscar für die beste Originalmusik für Rampenlicht (Limelight)
• 1974: Honorary Life Member Award der Directors Guild of America
• 1974: Jussi (Finnland) als bester ausländischer Filmemacher für Moderne Zeiten und Der große Diktator
• 1975: Zum Ritter geschlagen von der britischen Königin Elisabeth II. (Knight Commander of the British Empire)
• 1977: British Academy Film Award (Academy Fellowship)

• Chaplin war korrespondierendes Mitglied der Akademie der Künste der DDR.

• Charles Chaplin wird ohne Nennung einer Loge häufig als Mitglied des Bundes der Freimaurer genannt^[20], allerdings ist dies stark umstritten.^[21][22]
• Charles Chaplin war in Los Angeles Mitglied der Loge 134 des Loyal Order of Moose.^[23]

[Bearbeiten] Filmografie

Keystone Studios

• 1914: Making a Living
• 1914: Kid Auto Races at Venice
• 1914: Mabel’s Strange Predicament
• 1914: A Thief Catcher
• 1914: Between Showers
• 1914: A Film Johnnie
• 1914: Tango Tangles
• 1914: His Favorite Pastime
• 1914: Cruel, Cruel Love
• 1914: The Star Boarder
• 1914: Mabel at the Wheel
• 1914: Twenty Minutes of Love
• 1914: Caught in a Cabaret
• 1914: Caught in the Rain
• 1914: A Busy Day
• 1914: The Fatal Mallet
• 1914: Ihr Freund, der Bandit (Her Friend the Bandit)
• 1914: The Knockout
• 1914: Mabel’s Busy Day
• 1914: Mabel’s Married Life
• 1914: Laughing Gas
• 1914: The Property Man
• 1914: The Face on the Bar Room Floor
• 1914: Recreation
• 1914: Die Maskerade (The Masquerader)
• 1914: His New Profession
• 1914: The Rounders
• 1914: The New Janitor
• 1914: Those Love Pangs
• 1914: Teig und Dynamit (Dough and Dynamite)
• 1914: Gentlemen of Nerve
• 1914: His Musical Career
• 1914: His Trysting Place
• 1914: Tillie’s Romanze auf Raten (Tillie’s Punctured Romance)
• 1914: Getting Acquainted
• 1914: His Prehistoric Past

Essanay Film Manufacturing Company

• 1915: Charlie gegen alle (His New Job)
• 1915: Eine verbummelte Nacht (A Night Out)
• 1915: Der Champion (The Champion)
• 1915: Im Park (In the Park)
• 1915: Entführung (A Jitney Elopement)
• 1915: Der Tramp (The Tramp)
• 1915: An der See (By the Sea)
• 1915: His Regeneration (Cameo-Auftritt)
• 1915: Arbeit (Work)
• 1915: Eine Frau (A Woman)
• 1915: Die Bank (The Bank)
• 1915: Gekidnappt (Shanghaied)
• 1915: Eine Nacht im Variété (A Night in the Show)
• 1916: Polizei (Police)
• 1916: Burlesque on Carmen
• 1918: Triple Trouble (zusammengeschnitten aus unfertigen Chaplin-Filmen)

Mutual Film Corporation

• 1916: Der Ladenaufseher (The Floorwalker)
• 1916: Der Feuerwehrmann (The Fireman)
• 1916: Der Vagabund (The Vagabond)
• 1916: Ein Uhr nachts (One A.M.)
• 1916: Der Graf (The Count)
• 1916: Das Pfandhaus / Das Pfandleihhaus (The Pawnshop)
• 1916: Hinter der Leinwand (Behind the Screen)
• 1916: Die Rollschuhbahn (The Rink)
• 1917: Leichte Straße (Easy Street)
• 1917: Die Heilquelle / Die Kur (The Cure)
• 1917: Der Einwanderer (The Immigrant)
• 1917: Der Abenteurer (auch Charlie als Sträfling) (The Adventurer)

First National

• 1918: Ein Hundeleben (A Dog’s Life)
• 1918: Die Anleihe (The Bond)
• 1918: Gewehr über (Shoulder Arms)
• 1919: The Professor
• 1919: Auf der Sonnenseite (Sunnyside)
• 1919: Vergnügte Stunden (A Day’s Pleasure)
• 1921: Der Vagabund und das Kind (The Kid)
• 1921: The Nut
• 1921: Die feinen Leute (The Idle Class)
• 1922: Nice and Friendly
• 1922: Zahltag (Pay Day)
• 1923: Charlie Chaplin – Gehetzte Unschuld / Der Pilger (The Pilgrim)

United Artists

• 1923: Die Nächte einer schönen Frau (A Woman of Paris)
• 1925: Goldrausch (The Gold Rush) (1942 Neuveröffentlichung mit neuer Musik und Einleitung)
• 1926: Camille
• 1928: Der Zirkus (The Circus)
• 1931: Lichter der Großstadt (City Lights)
• 1936: Moderne Zeiten (Modern Times)
• 1940: Der große Diktator (The Great Dictator)
• 1947: Monsieur Verdoux – Der Frauenmörder von Paris (Monsieur Verdoux)
• 1952: Rampenlicht (Limelight)

Englische Produktionen

• 1957: Ein König in New York (A King in New York)
• 1959: The Chaplin Revue (Zusammenschnitt aus Ein Hundeleben, Gewehr über! und Charlie Chaplin – Gehetzte Unschuld / Der Pilger)
• 1967: Die Gräfin von Hongkong (A Countess from Hong Kong), Cameo-Auftritt

[Bearbeiten] Veröffentlichungen

• My Autobiography. Simon & Schuster, 1964.
  • Die Geschichte meines Lebens. S. Fischer, Frankfurt 1964; um einen Bildteil erweiterte Ausgabe: Fischer-Taschenbuch-Verlag, Frankfurt 1998, ISBN 3-596-14061-7.
• Die Wurzeln meiner Komik. In: Allgemeine unabhängige jüdische Wochenzeitung. Marx, Düsseldorf 3. März 1967. ISSN 0002-5941

[Bearbeiten] Literatur

• John Bengtson: Silent Traces. Discovering Early Hollywood Through the Films of Charlie Chaplin. Santa Monica Press, Santa Monica, Calif. 2006, ISBN 1-59580-014-X
• Michael Comte (Hrsg.): Charlie Chaplin. Das Fotoalbum. Text Sam Stourdze. Steidl, Göttingen 2002, ISBN 3-88243-855-X
• Joe Hembus: Charlie Chaplin. Seine Filme, sein Leben. Heyne, München 1989, ISBN 3-453-86033-0
• Dorothee Kimmich (Hrsg.): Charlie Chaplin. Eine Ikone der Moderne. Suhrkamp, Frankfurt am Main 2003, ISBN 3-518-39952-7
• Simon Louvish: Chaplin: The Tramp’s Odyssey. Faber and Faber, London 2009, ISBN 978-0-571-23768-5
• Robert Payne: Der große Charlie. Eine Biographie des Clowns. Suhrkamp, Frankfurt am Main 1989, ISBN 3-518-38123-7
• David Robinson: Chaplin. Sein Leben, seine Kunst. Diogenes, Zürich 1993, ISBN 3-257-22571-7
• Johannes Schmitt: Charlie Chaplin. Eine dramaturgische Studie. Lit-Verlag, Münster 2006, ISBN 3-8258-9317-0.
• Karl Schnog: Charlie Chaplin – Filmgenie und Menschenfreund. Henschel, Berlin (Ost) 1960
• Sam Stourdze (Hrsg.): Chaplin in Pictures. NBC Editions, Paris, 2005, ISBN 2-913986-03-X
• Liliane Weissberg: Hannah Arendt, Charlie Chaplin und die verborgene jüdische Tradition. Grazer Universitätsverlag/Leykam, Graz 2009, ISBN 978-3-7011-0165-8
• Stephen Weissman: Chaplin. A Life. Arcade Publishing, New York 2008
  • Deutsche Ausgabe: Chaplin. Eine Biographie. Übersetzt aus dem Englischen von Ulrike Seeberger. Vorwort Geraldine Chaplin. Aufbau, Berlin 2009, ISBN 978-3-351-02708-7

[Bearbeiten] Filme über Charles Chaplin

• Chaplin. Spielfilm, Großbritannien, USA, 1992, 143 Min., Regie: Richard Attenborough, Kamera: Sven Nykvist, mit Robert Downey Jr. als Charlie Chaplin, Anthony Hopkins, Dan Aykroyd, Geraldine Chaplin, Kevin Dunn als J. Edgar Hoover, Kevin Kline und anderen.
• Charlie Chaplin – A Tramp’s Life. Dokumentarfilm, USA, 1997, 90 Min., Regie: Peter Jones, Charlie Chaplin: A Tramp’s Life in der deutschen und englischen Version der Internet Movie Database
• Der Tramp und der Diktator. Dokumentarfilm, Großbritannien, 2002, 89 Min., Regie: Kevin Brownlow, Michael Kloft, Inhaltsangabe von arte.
• Chaplin heute – Der große Diktator. Dokumentarfilm, Frankreich, 2003, 26 Min., Regie: Serge Toubiana, Produktion: arte.
• Charlie – Leben und Werk von Charles Chaplin. (OT: Charlie: The Life and Art of Charles Chaplin.) Dokumentarfilm, USA, 2003–2007, 127 Min., Buch und Regie: Richard Schickel, Musik: Charles Chaplin, José Padilla, mit Sydney Pollack als Erzähler.

[Bearbeiten] Theaterstücke

• 2008: Kidnappin' Chaplin von Martin Kolozs, UA 15. Juni 2008, Auftragswerk für das 4. Tiroler Dramatikerfestival, Österreich.
• 2008: Verrückte Zeiten – Hommage an Charlie Chaplin, Produktion der Drehbühne Berlin^[24] und des Admiralspalast Berlin mit Joseph Sternweiler und Dietrich Bartsch
• 2010: Chaplin, Ballett von Mario Schröder, Produktion der Oper Leipzig.

[Bearbeiten] Feature und Hörspiel

• Der Mann im Mond. Ein Radioballett mit Charlie Chaplin. Feature von Evelyn Dörr. Regie: Claudia Leist. WDR 2002.
• Charlies Himmelfahrt. Kriminalhörspiel von Sabine Bohnen und Bernd Breitbach. Regie: Wolfgang Rindfleisch. Deutschlandradio Kultur 2005 (das Stück greift die Geschichte um die Grabschändung auf).

[Bearbeiten] Dichtung

• Patrick Roth: Meine Reise zu Chaplin. ein encore. Suhrkamp, Frankfurt a.M. 2002, ISBN 3-518-39939-X. (Autobiographische Erzählung)

[Bearbeiten] Einordnung

Chaplin zählt mit Buster Keaton und Harold Lloyd zu den bekanntesten Komikern der Stummfilmzeit. Anders als Keaton, der betont trocken und unsentimental, in einigen Fällen zynisch spielt, inszenierte Chaplin gerne romantische Liebesgeschichten, bei denen die Frauen bewusst als idealisierte Sehnsuchtsobjekte in Szene gesetzt sind. Bei Keatons Filmen sind die Frauen dem männlichen Helden ebenbürtig. Anders als Chaplin setzt Keaton Pathos nur zur Parodie ein.

[Bearbeiten] Weblinks

 Commons: Charlie Chaplin – Sammlung von Bildern, Videos und Audiodateien

 Wikiquote: Charles Chaplin – Zitate

 Wikisource: Der berühmteste Mann der Welt, von Kurt Tucholsky, Prager Tagblatt 22. Juli 1922 – Quellen und Volltexte

• Offizielle Charlie Chaplin Webseite (englisch)
• Chaplin's World - The Modern Times Museum in Corsier-sur-Vevey
• Literatur von und über Charles Chaplin im Katalog der Deutschen Nationalbibliothek
• Tabellarischer Lebenslauf von Charlie Chaplin im LeMO (DHM und HdG)
• Charles Chaplin in der deutschen und englischen Version der Internet Movie Database
• Charles Chaplin auf film-zeit.de
• Charles Chaplin deutsche Charlie Chaplin Fanseite

[Bearbeiten] Einzelnachweise

1. ↑ Matthias Gretschel: Die Geheimdienstakte Charlie Chaplin, Hamburger Abendblatt, 18. Februar 2012, abgerufen am 18. Februar 2012. Vergleiche auch KV 2/3700 im britischen Nationalarchiv
2. ↑ American Film Institute's list of the 50 Greatest American Screen Legends (Archivversion vom 16. Juli 2011)
3. ↑ zitiert in: David Robinson: Chaplin. Sein Leben, seine Kunst., S. 114.
4. ↑ David Robinson: Chaplin. Sein Leben, seine Kunst., S. 145.
5. ↑ Charles Chaplin: Die Geschichte meines Lebens, S. 151.
6. ↑ The Cinema, 1914. Zitiert in: Ted Okuda, David Maska: Charlie Chaplin at Keystone & Essanay: Dawn of the Tramp. iUniverse, Lincoln 2005, ISBN 0-595-36598-1, S. 21.
7. ↑ Charles J. McGuirk: Chaplinitis. Motion Picture Magazine 9, Nr. 6 (Juli/August 1915), S. 87.
8. ↑ zum Beispiel in Kyp Harness: The Art of Charlie Chaplin: A Film-by-Film Analysis. McFarland, Jefferson 2008, ISBN 978-0-7864-3193-9, S. 58; Jeffrey Vance: Chaplin: Genius of the Cinema. Abrams, New York 2003, ISBN 0-8109-4532-0, S. 56.
9. ↑ David Robinson: Chaplin. Sein Leben, seine Kunst., S. 214f.
10. ↑ Charles Chaplin: My Autobiography. Simon & Schuster, 1964, S. 188.
11. ↑ David Robinson: Chaplin. Sein Leben, seine Kunst., S. 315.
12. ↑ Jack Spears: Hollywood: The Golden Era. Barnes, South Brunswick 1971, ISBN 0-498-07552-4, S. 235.
13. ↑ Annette Langer: Interview mit SPIEGEL TV-Autor Michael Kloft, Spiegel-Online
14. ↑ zit, nach Martin Krauss: Die Liebe zum Zelluloid. In Zs. Dschungel, Beilage zu jungle world, 32, 12. August 2010, S. 17
15. ↑ Chaplin kontra Hollywood. In: Arbeiter-Zeitung. Wien 11. Dezember 1947, S. 4.
16. ↑ Deutsches Filminstitut: Charles Spencer Chaplin - eine Chronologie
17. ↑ www.eskimo.com/~recall/bleed/0919.htm
18. ↑ schaepp.de – Bio- und Filmographie von Charlie Chaplin (Archivversion vom 13. Februar 2008)
19. ↑ zisch.ch – Spazierstock von Charlie Chaplin für 106 000 Franken versteigert (Archivversion vom 8. Januar 2006)
20. ↑ Lexikon: Freimaurer. spiegel.de. Archiviert vom Original am 2. Februar 2011. Abgerufen am 28. Juli 2012.
21. ↑ Famous Non-Freemasons. Edward L. King. Abgerufen am 5. August 2012.
22. ↑ Keine Freimaurer sind. Dr. phil. Roland Müller. Abgerufen am 5. August 2012.
23. ↑ Famous Moose Members. Moose International.
24. ↑ Drehbühne Berlin

lez:Чарльз Чаплин

Roscoe Arbuckle, 1919

Roscoe Conkling „Fatty“ Arbuckle (* 24. März 1887 in Smith Center, Kansas, USA; † 29. Juni 1933 in New York City, USA) war ein US-amerikanischer Schauspieler und Regisseur. Seinen Spitznamen „Fatty“, den er wegen seiner ausladenden Figur bekam, hasste er, verwendete ihn aber als Künstlernamen. Fatty Arbuckle war einer der großen Stars des Stummfilms. Zu seiner Zeit war er beliebter und bekannter als Charlie Chaplin.

Er arbeitete u. a. zusammen mit Buster Keaton, mit dem er eng befreundet war, sowie mit Charlie Chaplin, Ben Turpin, Stan Laurel, Oliver Hardy und Bing Crosby.

1921, auf dem Höhepunkt seines Ruhms, wurde er jedoch des Mordes an einer aufstrebenden Schauspielerin bezichtigt. Der darauf folgende Arbuckle-Skandal beendete mit einem Gerichtsprozess seine Karriere frühzeitig und kostete ihn trotz Freispruchs seine Reputation. Im Zusammenhang mit dem Skandal wurde ganz Hollywood, besonders von der Hearst-Presse, als Sündenpfuhl angeprangert. Die Kritik zeigte Wirkung, und die Filmstudios unterwarfen sich im folgenden Jahr einer institutionalisierten freiwilligen Selbstkontrolle, die die Moral in Hollywood-Filmen überwachen sollte.

[Bearbeiten] Jugend und Karrierebeginn

Out West von 1918, mit Buster Keaton, Roscoe 'Fatty' Arbuckle und Al St. John (von links)

Arbuckle wurde in Smith Center, Kansas, als eines von neun Kindern von Mollie und William Goodrich Arbuckle geboren. Nachdem er einige Jahre Bühnenerfahrung in Vaudeville-Theatern gesammelt hatte, ging er nach Los Angeles und unterschrieb im Juli 1909 einen Vertrag mit dem Filmstudio Selig Polyscope Company. Bis 1913 folgten jedoch nur ein paar Auftritte in Kurzfilmen. Bereits im Jahr 1908, am 6. August, heiratete er die Stummfilmschauspielerin Araminta Estelle Durfee (* 1. Oktober 1889, Los Angeles; † 9. September 1975, Woodland Hills, Ca.), die unter dem Namen Minta Durfee Arbuckle bekannt wurde. Nach einem kurzen Abstecher zu Carl Laemmles Universal Pictures begann sein Aufstieg bei den Keystone Studios von Mack Sennett, zu denen er gemeinsam mit seiner Frau 1913 wechselte. Dort begann sein Ruhm, als er in der bereits seit 1912 laufenden Polizei-Slapstick-Serie Keystone Cops eine Rolle übernahm. Die Serie wurde von Mack Sennett bis 1917 produziert, unter anderem spielte auch Charlie Chaplin mit.

Arbuckle, der trotz seines Gewichts zu dynamischer Darstellungsleistung fähig war, wurde bekannt durch ausgelassene und klamaukige Komödien, mit Verfolgungsjagden, witzigen Bildern und Tortenschlachten, die er besonders liebte. Tatsächlich ist die früheste Filmversion einer Tortenschlacht in dem von Keystone produzierten Stummfilm A Noise from the Deep zu sehen, in dem Fatty Arbuckle mit Mabel Normand die Hauptrolle spielte.

Einer Legende zufolge soll Arbuckle persönlich der „Erfinder“ der Tortenschlacht gewesen sein. Angeblich sei er während einer Vaudeville-Tournee durch Texas in El Paso gelandet, wo er während eines Picknicks am Rio Grande auf die Armee von Pancho Villa stieß, die am anderen Ufer lagerte. Aus purem Vergnügen sollen sich die beiden Seiten mit Obst beworfen haben, und als Arbuckle einen Mexikaner mit einer Staude Bananen aus dem Sattel holte, war auch Pancho Villa aufs Höchste amüsiert.

Im Jahr 1917 entdeckte Arbuckle Buster Keaton, er gab ihm Rollen in seinen Filmen und machte ihn zum Star. Die beiden Schauspieler schlossen eine enge Freundschaft, die auch Arbuckles spätere Lebenstragödie nicht erschüttern konnte.

[Bearbeiten] Der Arbuckle-Skandal

Im Jahr 1921 war Arbuckle auf dem Gipfel seines Ruhmes. Er stand bei Paramount unter Vertrag und war der erste Schauspieler, der mehr als eine Million Dollar im Jahr verdiente – so viel hatte bis dahin noch kein Studio für einen Star bezahlt. Am 3. September, dem Samstag vor dem amerikanischen Labor Day, gönnte er sich eine Pause von seinem engen Termin- und Produktionsplan und fuhr mit zwei Freunden, Lowell Sherman und Fred Fischbach, für drei Tage nach San Francisco. Das Trio mietete sich im St.-Francis-Hotel ein und beschloss, am Montag, dem 5. September, eine Labor-Day-Party zu feiern. Sie luden einige Frauen zu sich ein, von denen eine, die 26-jährige angehende Schauspielerin Virginia Rappe, während der Party plötzlich ernsthaft erkrankte. Der herbeigerufene Hotelarzt stellte lediglich einen starken Alkoholrausch fest. Drei Tage später starb sie jedoch an einer Bauchfellentzündung infolge eines Blasenrisses. Die Begleiterin von Virginia Rappe, Maude Delmont, versuchte daraufhin, Arbuckle wegen seiner Verwicklung in den Vorfall zu erpressen. Arbuckle war allerdings überzeugt, dass er nicht in der Verantwortung stand, und ließ sich nicht auf die Erpressung ein. Daraufhin machte Delmont eine belastende Aussage bei der Polizei, um über Arbuckles Anwälte doch noch an Geld zu kommen. Danach geriet der Vorfall jedoch außer Kontrolle und wurde zum Skandal.

Der politisch ambitionierte Bezirksstaatsanwalt von San Francisco Matthew Brady griff den Fall auf und begann, gegen Arbuckle zu ermitteln. In einer Presseinformation beschuldigte er den Schauspieler der Vergewaltigung bzw. der versuchten Vergewaltigung von Virginia Rappe, unter anderem durch die Verwendung eines Gegenstands, den er ihr einführte oder versuchte einzuführen – gerüchteweise wurde von einer Sekt- oder einer Coca-Cola-Flasche gesprochen. Schließlich soll er sie durch sein erhebliches Körpergewicht erdrückt haben. Durch den zu erwartenden spektakulären Gerichtsprozess erhoffte sich Brady bessere Chancen auf seinem Weg zum Gouverneursposten.

Die Autopsie der Toten kam jedoch zu einem anderen Ergebnis: Weder konnte der ausführende Arzt eine Vergewaltigung nachweisen noch waren Spuren von Gewalteinwirkung zu entdecken. Die Verstorbene war dagegen als kränklich bekannt. Sie litt an chronischer Blasenentzündung, die sich verschlimmerte, wenn sie Alkohol trank. Gleichwohl war sie auf Hollywood-Partys bekannt für ihren starken Alkoholkonsum. Außerdem kam ans Tageslicht, dass Rappe seit ihrem 16. Lebensjahr bereits mehrere illegale Abtreibungen hinter sich gehabt hatte, die letzte nur wenige Tage vor ihrem Tod. Ironischerweise soll sie Arbuckle in San Francisco noch um Geld gebeten haben, um den Schwangerschaftsabbruch bezahlen zu können.

Vor und während der Gerichtsverhandlung bestand Arbuckle auf seiner Version des Geschehens: Er fand Rappe im Badezimmer, wo sie um Hilfe rief und sich übergab. Er half ihr zum Bett und war insgesamt kaum zehn Minuten allein mit ihr. Obwohl sich der Tatverdacht nicht konkretisierte, hielt Brady die Anklage aufrecht. Zu Prozessbeginn war die Beweislage gegen Arbuckle sehr dünn. Die ursprüngliche Belastungszeugin Maude Delmont erschien äußerst unglaubwürdig, sie war bereits mehrmals in kriminelle Machenschaften verwickelt, auch als Komplizin in einem Erpressungsfall. Weitere Zeugenaussagen waren offenbar unter massivem Druck der Ermittler entstanden und reichten für eine Verurteilung nicht aus.

Doch aufgrund negativer Zeitungsberichte hatte Arbuckles Ansehen in der Öffentlichkeit sehr gelitten. Die Stimmung wendete sich gegen ihn, und der Verleger William Randolph Hearst nutzte das öffentliche Interesse, um die Verkommenheit Hollywoods anzuprangern – und seine Auflagen zu steigern. Der erste Prozess endete ohne Ergebnis, weil sich die Geschworenen nicht einigen konnten; zehn plädierten für Freispruch, zwei für schuldig. Im zweiten Prozess stimmten acht für schuldig und nur noch vier Geschworene für Freispruch. Im dritten Prozess wurde durch den Richter die Anklage schließlich von Mord auf Totschlag herabgesetzt. Nach weniger als einer halben Stunde Beratungszeit sprach sich die Jury einstimmig für Freispruch aus und betonte die Unhaltbarkeit der Anschuldigungen gegen Arbuckle.

Trotz des Freispruchs war Fatty Arbuckles große Karriere ruhmlos zu Ende gegangen. Die Presse hatte kein gutes Haar an ihm gelassen, und seine persönliche Tragödie warf einen Schatten auf Hollywood und die Filmindustrie. Während des langwierigen Prozesses hatte sich die Stimmung stark gewendet: Moralhüter im ganzen Land organisierten sich und forderten die Todesstrafe für Arbuckle, die Studiobosse verlangten von seinen Freunden, auf Distanz zu ihm zu gehen und ihn nicht öffentlich in Schutz zu nehmen. Nur Buster Keaton konnte sich widersetzen und nannte Arbuckle einen der anständigsten Menschen, die er kenne.

[Bearbeiten] Karriereende und Tod

Im Lauf der Jahre hat sich zunehmend die Ansicht durchgesetzt, dass Arbuckle tatsächlich unschuldig war; geholfen hat es ihm allerdings wenig. Am 27. Januar 1925 ließ sich Araminta Estelle Durfee in Paris wegen böswilligen Verlassens von ihm scheiden. Doch schon am 16. Mai 1925 heiratete er Doris Deane. Seine Versuche, ins Filmgeschäft zurückzukehren, scheiterten, und er flüchtete sich in Alkohol- und Heroinabhängigkeit. Sein Freund Buster Keaton wollte ihm helfen, indem er ihn bei seinen Filmproduktionen beschäftigte, jedoch mit wenig Erfolg. Für das Filmstudio Educational Pictures führte er unter dem Pseudonym William B. Goodrich Regie bei einigen Zeichentrickfilmen. Er wurde jedoch zunehmend schwierig und reizbar. 1929 ging auch seine zweite Ehe in die Brüche, Doris Deane begründete ihren Scheidungsantrag mit böswilligem Verlassen und Grausamkeit. Anfang 1931 zeigte sich ein Lichtstreif für Arbuckle, als ihm Jack L. Warner einen Vertrag für insgesamt sechs Kurzkomödien anbot, die im Vitaphone-Tonverfahren in New York produziert werden sollten. Arbuckle unterschrieb, denn er durfte sogar unter seinem bekannten Namen auftreten. Am 21. Juni 1931 heiratete er zum dritten Mal – Addie Oakley Dukes McPhail. Am 28. Juni 1933 waren der letzte Film abgedreht und ein neuer Vertrag mit den Warner Brothers unterzeichnet. Doch nur wenige Stunden später erlag Roscoe Fatty Arbuckle einem Herzversagen. Buster Keaton beharrte darauf, dass er an gebrochenem Herzen gestorben sei. Der Leichnam wurde eingeäschert und die Asche durch Addie McPhail in den Pazifik gestreut. Unzutreffend ist das zeitweise verbreitete Gerücht, Arbuckle sei auf dem Holy-Cross-Friedhof in Culver City, Ca., begraben.

[Bearbeiten] Auswirkungen des Skandals

Der Fall Arbuckle war nur einer von drei großen Skandalen in jener Zeit, die besonders die Paramount Studios trafen. Am 1. Februar 1922 wurde der Regisseur William Desmond Taylor unter mysteriösen Umständen in seinem Haus ermordet und am 18. Januar 1923 starb der Schauspieler Wallace Reid in Zusammenhang mit Morphiumgebrauch. All diese Ereignisse erschütterten Hollywood und es wurde zunehmend die Forderung laut, Sitte und Anstand im Filmgeschäft zu etablieren und zu überwachen. Dies führte zur Gründung des Hays Office, auch bekannt als Motion Picture Producers and Distributors of America (MPPDA), und der Einführung der Production Codes zur Förderung moralischer Standards in der Filmindustrie. Es handelte sich dabei im Wesentlichen um eine freiwillige Selbstkontrolle, um möglicher Zensur durch Staat oder Interessengruppen vorzubeugen. Vorsitzender der MPPDA war William Harrison Hays, der Wahlkampfleiter des republikanischen US-Präsidenten Warren G. Harding. Er war konservativ und besaß gute Kontakte zur „Moral Majority“ der USA. Der von der MPPDA beschlossene Production-Code, auch Hays Code genannt, untersagte die Darstellung von Gewalt und Gewaltverbrechen, die Idealisierung von Verbrechern und lasterhaften Menschen sowie die Darstellung von Sexualität, insbesondere der Perversion (Homosexualität). Mit diesen Maßnahmen hofften die Hollywood-Studios, ihr Image wieder zu verbessern und Kritik von außen bereits im Vorfeld zu begegnen.

Für Roscoe Arbuckle hatten die Maßnahmen des Hays Office fatale Folgen: Seine Filme wurden verboten und erst nach vielen Jahren war ihm wieder erlaubt, offiziell für Hollywood zu arbeiten.

[Bearbeiten] Kurzfilme (Auswahl)

1909

• Ben's Kid
• Mr. Jones' Birthday
• Making It Pleasant for Him

1910

• The Sanitarium

1913

• Mabel’s Dramatic Career
• The Speed Kings

1914

• A Film Johnnie (mit Charles Chaplin)
• Tango Tangles (mit Charles Chaplin)
• The Knockout (mit Charles Chaplin)
• The Rounders (mit Charles Chaplin)

1915

• Mabel, Fatty and the Law

1917

• The Butcher Boy (mit Buster Keaton)
• A Reckless Romeo (mit Buster Keaton)
• The Rough House (mit Buster Keaton)
• His Wedding Night (mit Buster Keaton)
• Oh, Doctor (mit Buster Keaton)
• Coney Island (mit Buster Keaton)
• Country Hero (mit Buster Keaton)

1918

• Out West (mit Buster Keaton)
• The Bell Boy (mit Buster Keaton)
• Moonshine (mit Buster Keaton)
• Good Night Nurse (mit Buster Keaton)
• The Cook (mit Buster Keaton)

1919

• Back Stage (mit Buster Keaton)
• The Hayseed (mit Buster Keaton)
• The Garage (mit Buster Keaton)

1931

• Windy Riley Goes Hollywood (Regie: Roscoe 'Fatty' Arbuckle)

[Bearbeiten] Langfilme (Auswahl)

1920

• The Round-Up
• Life of the Party

1921

• Leap Year
• Brewster's Millions
• Crazy to Marry
• The Fast Freight (unveröffentlicht)

1924

• Sherlock Jr., Regie: Buster Keaton und Roscoe Arbuckle (nicht genannt)

1927

• The Red Mill (Regie unter dem Pseudonym William Goodrich)

[Bearbeiten] Literatur

• Andy Edmonds: Frame-Up! The Untold Story of Roscoe „Fatty“ Arbuckle. William Morrow & Co, New York NY 1991, ISBN 0-688-09129-6 (englisch).
• Stuart Oderman: Roscoe „Fatty“ Arbuckle. A biography of the silent film comedian, 1887–1933. McFarland & Co Inc, Jefferson, NC u. a. 2005, ISBN 0-7864-2277-7 (englisch).
• Jerry Stahl: I, Fatty. A Novel. Bloomsbury Publishing PLC, New York NY 2005, ISBN 1-58234-582-1 (englisch).
• David A. Yallop: The Day the Laughter Stopped. The true Story of Fatty Arbuckle. St. Martin's Press, New York NY 1976, ISBN 0-340-16901-X (englisch).

[Bearbeiten] Weblinks

 Commons: Roscoe Arbuckle – Sammlung von Bildern, Videos und Audiodateien

• virginiarappe.com: Virginia Rappe Tribute
• Arbucklemania: The Roscoe Arbuckle Website
• Roscoe Arbuckle in der deutschen und englischen Version der Internet Movie Database
• Fatty Arbuckle - Filme im Internet Archive