El soul es un género musical originario de Estados Unidos que combina elementos del gospel y del rhythm and blues.^[1] De acuerdo con el Rock and Roll Hall of Fame, el soul es un tipo de "música que surgió en la comunidad afroamericana a través de la transmutación del gospel y del rhythm & blues en una forma de declaración funky y secular."^[2] Los ritmos pegadizos, acentuados por palmas y movimientos corporales extemporáneos, son un importante elemento del soul. Otras características son la llamada y respuesta entre el solista y el estribillo, y especialmente el tenso y trabajado sonido vocal. El género utiliza también, ocasionalmente, añadidos improvisado, giros y sonidos auxiliares.^[1]

[editar] Historia

[editar] Comienzos (Finales de los 50 a 1967)

Tras la II Guerra Mundial, llegó un periodo de postguerra lleno de pobreza, y en especial para las capas más bajas de la sociedad, al final de donde estaba la población negra. Aparece el fenómeno de las migraciones de la población hacia el norte y el oeste por la inmensa presión que aguantaban de la población blanca. El R&B comienza a ser aceptado por parte de la población blanca. Actores negros como Sidney Poitier y Harry Belafonte se convierten en estrellas, y Dorothy Dandridge es nominada al oscar. Con la aparición del disco la música obtiene un mayor desarrollo y expansión. Desaparece la etiqueta de "Race Music" (música racial).

Ray Charles.

Sam Cooke, Ray Charles y James Brown son considerados comúnmente y a grandes rasgos los pioneros del género. Algunas de las grabaciones de Solomon Burke a finales de los años 1950 y principios de los 60 en Atlantic como "Cry to Me", "Just Out of Reach" y "Down in the Valley", codificaron el estilo y le dieron algunas de sus bases. Es muy frecuente encontrar citas que proclaman el gospel secularizado de "I Got A Woman"(1954, Atlantic Records) de Ray Charles como el primer tema soul de la historia.

Esta pieza también era ejecutada por el Blues, el cual provenía de los barrios bajos y obreros de Estados Unidos. Tanto el soul como el blues lograron combinarse a la perfección a lo largo de la historia. Siendo casos a lo largo de las décadas como los de Etta James, Janis Joplin, Glenn Hughes.

En Memphis, la compañía discográfica Stax comenzó a grabar a artistas como Otis Redding, Wilson Pickett y Don Covay. En 1965 Joe Tex grabó "The Love You Save" que dio un nuevo giro emotivo al estilo. Otro gran centro de grabación y creación del soul fue la ciudad de Florence (Alabama), donde estaban los Fame Studios; donde trabajó a principios de los sesenta gente como Percy Sledge, Arthur Alexander y Jimmy Hughes; y donde más tarde lo haría también Aretha Franklin. En estos estudios obtuvo gran fama la banda de grabación denominada Muscle Shoals, que mantenía también una estrecha relación con Stax.

Otra importante discográfica que trabajó en Memphis fue Goldwax Records, propiedad de Quinton Claunch. En esta etiqueta estaban James Carr y O.V. Wright.

[editar] Revolución soul (1967/1970)

Es un tiempo de lucha por los derechos civiles, marcado por líderes como Martin Luther King, en el que estaba floreciente la conciencia racial y a la orden del día los motines callejeros. En este tiempo es cuando la música soul adquiere un valor de símbolo dentro del contexto social. Se descubre el R&B en Europa, lo que hace posible la aparición de fenómenos de fans como The Beatles o The Rolling Stones.

Aretha Franklin.

En 1967 llegó la revolución del soul, acrecentada por la reivindicación de los derechos raciales y la aparición del álbum de Aretha Franklin "I never loved a man the way I love you", y singles de tal impacto como "Respect". Estos momentos son considerados como los de máximo apogeo del soul. Durante este tiempo artistas de Stax como Eddie Floyd y Johnnie Taylor hicieron grandes contribuciones. Por estos momentos el fenómeno Motown estaba en lo más alto con artistas como The Supremes, Gladys Knight & The Pips, The Temptations, Stevie Wonder o Marvin Gaye. Atlantic seguía manteniendo en lo más alto a artistas como Ray Charles. En 1968 artistas como James Brown y Sly & The Family Stone empiezan a dar un nuevo sentido al soul; debido a la muerte de Marthin Luther King en abril de ese año, y la pérdida de aquellos ideales de revolución soul. Los mencionados y otros más como The Meters contribuyen en añadirle la dureza y mayor agresividad rítmica y sonora acorde a los tiempos que se vivían entonces, dando paso al funk.

[editar] Revolución disco (años 70)

La industria del disco había crecido a pasos agigantados, y con ella la industria del espectáculo. Aparece una nueva burguesía negra en Estados Unidos. Hay un fenómeno entre la población negra en el que es común convertirse al islam, el cual también tiene consecuencias políticas, como los Black Muslims. Con la primera crisis del petróleo había una especie de necesidad de diversión motivo por el cual se puede explicar el éxito a ultranza de la música disco.

Con la llegada de la década de los 1970 el soul comienza a decaer y a renovarse, surgiendo nuevos estilos derivados. Cada vez empezaba a quedar menos de la esencia gospel, que sólo conservaban puramente artistas como The Staple Singers. Uno de los fenómenos musicales fue Al Green, que incluso con uno de sus temas creó un subgénero denominado quiet storm. Por este tiempo surgió también el retro soul, el soul sinfónico (Barry White) y el soul psicodélico (los Temptations desde "Psychedelic Shack" de 1967, Fifth Dimension, Stark Reality), a la par que de aquí derivaban estilos como el disco con artistas como Gloria Gaynor , Donna Summer e Isaac Hayes. Hi Récords continuó la tradición de Stax con cantantes como Ann Peebles, Otis Clay o Syl Johnson. Dos de las representantes máximas de este tiempo, con un arrullador sonido suave y nuevo fueron Roberta Flack y Minnie Riperton. Bobby Womack y Curtis Mayfield fueron dos de los máximos exponentes del chicago soul y el blaxplotation, con evidente toque funky. Motown hacía crecer las carreras de Marvin Gaye y las carreras en solitario de Diana Ross, Michael Jackson y Smokey Robinson. En estos tiempos la música disco tenía una mayor incursión en el género. De este acercamiento comercial hubo artistas como Parliament, Earth, Wind & Fire y otros, que se acercaban al funk, al rock y a la música disco como MSFB. A finales de la década casi toda la música soul estaba invadida por la música disco, con grupos como The Spinners, Tramps y The O'Jays.

[editar] Nuevas tendencias (80/90/00/10)

Se dice que con el asesinato de Marvin Gaye en 1984 finaliza una era. Por ese tiempo la música negra era mainstream absoluto, y se convierte en sello de calidad haciendo triunfar a artistas como Michael Jackson y Whitney Houston.

Con la llegada de los años 1980 la música disco empezó a decaer, y el soul resurgió en forma de retro soul y quiet storm antes de que sufriera otra metamorfosis. A mediados de la década se transformó en urban por la influencia del disco y el hip hop . En este tiempo triunfaron artistas como Michael Jackson, Chaka Khan Sade, Shalamar que tenían un estilo que combinaba el soul o funk con la música disco europea de los 80, pero surgieron dentro del urban otros que daban un nuevo sonido al soul, como Whitney Houston, Babyface, New Edition,Midnight Starr, Janet Jackson... Pero también las viejas glorias del soul como Stevie Wonder, Aretha Franklin o Patti Labelle se adaptaban a las nuevas formas del género, teniendo gran éxito. Cabe mencionar que en los años 80 se formó en Europa Simply Red, grupo británico de mucho éxito.

En la década de los 90 el urban derivó en el R&B contemporáneo, que a finales de la década tomaría un giro hacia sus raíces dando lugar al hip hop soul (cuya inicial transición fue el New Jack Swing del ex New Edition Bobby Brown, Bell Biv Devoe, Jodeci y Joe Public), y más actualmente al neo soul, con un sonido mucho más puro; siendo representado por artistas como la pionera Mary J. Blige, Seal, TLC, Lauryn Hill, Erykah Badu, India Arie, Joss Stone, Jill Scott, Leela James, D'Angelo, Macy Gray, Amy Winehouse, Adele, Alicia Keys, James Morrison, Duffy, Plan B, Jennifer Hudson, Florence and the Machine, Paloma Faith.

[editar] Moda soul y evolución

[editar] Referencias

[editar] Enlaces externos

• All Black - Magazine online dedicado a la música negra: Soul, Urban, R&B, Jazz, Funk y Blues.
• SoulSpain - La escena r&b y soul en España
• Página web sobre soul y música negra en general (en español)
• Guía de Soul (en inglés)
• Música soul, funk, 80s (en español)
• Musicasoul Novedades, multimedia y clásicos (en español)
• Sonidos de Ébano Programa de radio sobre música negra (en español)

Tony Bennett
Nombre real	Anthony Dominick Benedetto
Nacimiento	Nueva York, Nueva York,  Estados Unidos 3 de agosto, 1926 (86 años)
[http://Sitio Oficial Sitio oficial] Ficha en IMDb

Anthony Dominick Benedetto, de nombre artístico Tony Bennett (n. Queens, Ciudad de Nueva York, 3 de agosto de 1926) es un cantante estadounidense de orígenes italianos, uno de los últimos grandes crooners de mediados del siglo XX, aún en activo con 85 años de edad. Recordado por éxitos como "Blue Velvet" y "I Left My Heart In San Francisco", su repertorio se basa en standards o canciones clásicas de la música popular, mayormente baladas y jazz. Tony Bennett ha sido visto como el eterno rival de Frank Sinatra, si bien se profesaron mutua admiración y grabaron juntos el célebre tema "New York, New York".

Tras una prolongada crisis en las décadas de 1970-80 por problemas personales y por el cambio de las modas musicales, recobró pujanza en los años 90 y actualmente es muy estimado por estrellas y público de nuevas generaciones. En 2006, 2011 y 2012 ha grabado exitosos álbums de duetos con figuras como Lady Gaga, Amy Winehouse, Mariah Carey, George Michael, Elton John, Barbra Streissand, John Mayer, K.d. lang, Michael Bublé, Christina Aguilera, Gloria Estefan, Juanes y Alejandro Sanz, entre otros. En un estado de forma inusual para su edad, sigue ofreciendo decenas de conciertos al año. A lo largo de una dilatada carrera de más de seis décadas Tony Bennett ha vendido 50 millones de discos y ha sumado múltiples galardones, como 15 premios Grammy y dos premios Emmy. Es también un reconocido pintor con obras en diversos museos e instituciones públicas.

«En mi opinión, Tony Bennett es el mejor cantante que hay en el negocio (del espectáculo). Me emociono cuando le veo, me conmueve. Él es el cantante que ve lo que el compositor tenía en su mente, y posiblemente un poco más» (Frank Sinatra, elogiando a Tony Bennett en la revista Life, 1965).

[editar] Biografía y carrera

De orígenes italianos, Anthony Benedetto nació en Astoria, un barrio del distrito de Queens (Ciudad de Nueva York). Creció escuchando a Al Jolson, Eddie Cantor, Judy Garland, Bing Crosby, y artistas del jazz tales como Louis Armstrong, Jack Teagarden, y Joe Venuti.

Su padre era empleado de grocery (comercio de ultramarinos) y falleció cuando él tenía unos diez años, y su madre tuvo que trabajar como costurera para sostener a la familia.

[editar] Debut a los 10 años

Uno de sus tíos era bailarín de tap (claqué) en funciones de vodevil, y fue quien le acercó al mundo del espectáculo. Siendo un niño de diez años Anthony ya cantaba, y en 1936 actuó ante el alcalde de Nueva York Fiorello La Guardia en la inauguración del Triborough Bridge, una red de tres famosos puentes que unen los principales distritos de la urbe.

Estudió en el High School of Industrial Art no solamente música sino también pintura, un arte que sigue practicando con éxito (firma sus cuadros como Benedetto). Pero tuvo que dejar el centro a los 16 años para ayudar económicamente a su familia. Su carrera musical la inició cantando en varios restaurantes italianos en Queens.

Bennett (primero por la derecha) en 2005, en el acto de entrega de la distinción Kennedy Center Honor, que recibió al igual que otras figuras como Robert Redford y Tina Turner. En el centro, el entonces presidente George Bush y su esposa.

[editar] Soldado en Alemania

Cumplidos los 18 años, en noviembre de 1944 fue alistado para combatir en Alemania durante la Segunda Guerra Mundial; tomó parte en la 63ª división de infantería y participó en la liberación del campo de concentración de Landsberg. Al terminar el conflicto permaneció por un tiempo en el país, formando parte de una banda musical que entretenía a las fuerzas ocupantes. Las duras experiencias vividas en la guerra reafirmaron su ideología pacifista.

[editar] Rebautizado por Bob Hope

De regreso en Estados Unidos, siguió actuando sin muchas pretensiones hasta que fue descubierto por la actriz y cantante Pearl Bailey, quien le eligió como telonero en un espectáculo que ella ofrecía en el barrio de Greenwich Village. Le vio en este show el popular Bob Hope, quien se convenció de la valía del joven cantante y decidió llevarle consigo en una gira, si bien le sugirió que cambiase de nombre: Anthony Benedetto pasaría a llamarse Tony Bennett.

Animado por Hope, en 1950 Bennett grabó una prueba de la canción "Boulevard of Broken Dreams" y la envió a la Columbia Records, compañía discográfica que pertenecía a la multinacional CBS; fue contratado y así arrancó su despegue profesional.

[editar] Éxito: de la música a la televisión

Su primera etapa de apogeo artístico y comercial abarcó la década de 1950 y principios de los 60. Bennett alcanzó su primer éxito en 1951 con el tema "Because of You" (del que vendió más de un millón de discos single) y amplió su público gracias al sonido country de "Cold, Cold Heart". Fue un intérprete ecléctico desde el principio y experimentó con ritmos de tango en la canción "Rags to Riches", que permaneció ocho semanas liderando las listas de éxitos. En 1952 se casó con una fan, Patricia Beech, con quien tuvo dos hijos. Se divorciarían en 1971.

Otro de sus grandes títulos es "Stranger in Paradise", canción grabada para promocionar Kismet, un musical de Broadway; fue un éxito incluso en el Reino Unido, donde llegó al número 1. Bennett también hizo popular la melodía "Blue Velvet", provocando la histeria de fans adolescentes tal como hacían Elvis Presley y el joven Sinatra. El éxito de Bennett en esa época era tal, que ofrecía siete conciertos diarios (de 10:30 de la mañana a las 3 de la madrugada) en el Paramount Theatre de Nueva York. "Blue Velvet" volvería a la actualidad treinta años después con la película homónima de David Lynch (Terciopelo azul).

En el verano de 1956 Bennett presentaba un programa semanal de variedades en el canal de televisión NBC (The Tony Bennett Show), en sustitución de Perry Como, y repetiría dos años después.

En 1957 publicó el álbum The Beat of My Heart, clara aproximación al jazz que tuvo buena acogida comercial y crítica. Anticipándose a Frank Sinatra, fue el primer cantante de música popular que colaboró con Count Basie y su orquesta; publicaron juntos dos álbums y su canción más recordada fue el clásico "Chicago", que también grabaría Sinatra.

[editar] Años de declive

En 1962 Tony Bennett protagonizó un sonado recital en el Carnegie Hall y grabó su canción-emblema: "I Left My Heart in San Francisco", ganadora de dos premios Grammy y considerada hoy una de las cien mejores de la historia. Pero pocos años después su caché empezó a bajar coincidiendo con un vuelco en los gustos mayoritarios, más inclinados a los Beatles y el rock & roll. Empezaba para él un declive que le llevaría a abusar de la cocaína y a sufrir problemas económicos.

En 1966 probó fortuna en el cine con la película The Oscar; no recibió buenas críticas y no volvería a rodar en treinta años. Ante las nuevas tendencias musicales fue presionado por el presidente de CBS Records, Clive Davis, para que interpretase un repertorio más juvenil (lo mismo le plantearon a Barbra Streissand). Bennett se mostró reacio a abrazar el pujante género rock, pero en 1970 accedió a grabar un álbum de «éxitos de hoy»... que no convenció a nadie.

En 1972 abandonó la Columbia Records para firmar con MGM Records, pero no tuvo buenos resultados y en poco tiempo se vio sin compañía discográfica. Fundó un sello propio, Improv, que fracasó al carecer de una adecuada red de distribución. Se quedó sin mánager y, visto como una vieja gloria, solo era llamado para cantar en los casinos de Las Vegas. Al igual que varias figuras del jazz, se mudó al Reino Unido buscando un mercado más receptivo, pero se equivocó.

En 1979 Bennett tocó fondo: se separó de su segunda esposa (la actriz Sandra Grant), gastaba más dinero del que podía y sufrió una sobredosis de cocaína que casi le costó la vida. Su casa de Los Angeles corrió el riesgo de ser embargada por la Hacienda estadounidense. Pidió ayuda a sus hijos Danny y Dae, y así emprendió un progresivo relanzamiento. Ya en diciembre del mismo año 1979 hizo una sorprendente reaparición, pleno de forma, actuando como invitado de honor en un festejo por el 40º aniversario profesional de Frank Sinatra.

Tony Bennett saluda a Stevie Wonder, en un acto en la Casa Blanca en 2009.

[editar] Otra vez de moda

Los hermanos Danny y Dae Bennett habían formado un grupo musical, fallido pues carecían del talento paterno. Pero tenían mejor ojo para los negocios: Danny se convirtió en mánager de su padre y consiguió enderezarle económica y artísticamente. Gracias a una gestión más racional, saldaron las deudas con la Hacienda norteamericana y a principios de la década de 1980 Tony Bennett reapareció en pequeños locales de Nueva York, intentando despegarse de la etiqueta decadente asociada a Las Vegas.

En 1986 Bennett volvió a firmar con la compañía de sus mayores éxitos, Columbia Records, y empezó a expandir su audiencia hacia una generación más joven, todo ello manteniendo su estilo musical y su imagen clásica de caballero trajeado. Un paso firme en su resurgimiento fue el álbum The Art of Excellence: entró en las listas de superventas en 1986 dejando atrás catorce años de fracasos comerciales.

A partir de entonces, y sagazmente asesorado por su hijo Danny, Tony Bennett hizo colaboraciones en radio y televisión que le hicieron familiar para las nuevas generaciones: participó en actos benéficos de pequeñas emisoras de radio, acudió a los programas de David Letterman y de los populares Muppets (Los Teleñecos) y llegó a aparecer en la serie de dibujos animados Los Simpson. Según él explicó, el público joven ignoraba a compositores como Gershwin y toda la tradición melódica de principios del siglo XX, y él conectó con ese mercado. «Si eres diferente, resistes», afirmó. Visto hoy, su éxito es comprensible pues se enmarca en un nuevo interés por la música easy listening y las big bands, fenómeno que anticiparon en los 80 figuras como Linda Ronstadt y que luego se ha consolidado con estrellas más jóvenes como Harry Connick, Jr., Michael Bublé y Amy Winehouse.

[editar] Años 90: intensa actividad

En 1990 Bennett revisó su viejo repertorio con el disco Astoria: Portrait of the Artist (título que alude a su barrio natal) y dos años después ganó un premio Grammy por Perfectly Frank, álbum en homenaje a Frank Sinatra. Si bien Bennett y Sinatra eran rivales por sus afinidades musicales, demostraron en varias ocasiones una relación cordial y de mutua admiración, y en 1993 trabajaron juntos cantando a dúo el clásico "New York, New York" para el álbum Duets de Sinatra. Ya en 1965 «La Voz» había elogiado a Bennett como «el mejor» en la revista Life.

En el mismo año 1993 Tony Bennett desempolvó melodías relacionadas con Fred Astaire en el disco-homenaje Steppin' Out. Recibió otro premio Grammy por él, y años después grabaría otras recopilaciones monográficas sobre Billie Holiday, Duke Ellington y Louis Armstrong.

En 1994 protagonizó un exitoso show unplugged (acústico) para el canal MTV, con colaboraciones de Elvis Costello y K.d. lang, y el álbum resultante llegó a ser disco de platino por ventas, ganando el principal premio Grammy: el de Álbum del Año. Cuando le preguntaron por la novedad de un recital unplugged, él se extrañó: «¿Unplugged? Yo siempre he actuado así».

Su presencia en actuaciones y ceremonias televisivas junto a Red Hot Chilli Peppers y otros grupos punteros demostraba su vigencia, y todo lo hacía sin renunciar a su estilo; en 1999 sorprendió en el Festival de Glastonbury, un certamen campestre y más bien hippy, al actuar vestido con un impoluto traje blanco. Para demostrar su dominio vocal sin trucos tecnológicos, muchos recitales los abría cantando "Fly Me To The Moon" sin música (a capela) y sin micrófono.

Empezó a hacer cameos en comedias de Hollywood como Analyze This (Una terapia peligrosa) con Robert de Niro y Billy Crystal, y para 1999 su fortuna se estimaba en 15-20 millones de dólares. Negó que pensara en retirarse; a una edad ya madura ofrecía entre 100 y 200 conciertos por año.

[editar] Desde 2000

Tony Bennett se mantiene como un cantante popular y críticamente aclamado, y continua abordando conciertos y discos con la colaboración fiel de sus hijos Danny y Dae. En 2005 fue distinguido con el Kennedy Center Honor junto a figuras como Robert Redford y Tina Turner, en un acto al que acudió el presidente George Bush. Precisamente Bush motivó una de sus opiniones más polémicas: en septiembre de 2011, hablando de las causas y consecuencias de los atentados del 11-S, Bennett arremetió contra la política de Bush y la invasión de Irak, lo que le acarreó críticas. Las rebatió recordando sus ideas pacifistas, sus vivencias en la Alemania de la guerra y su conocida proximidad a Martin Luther King.

En los últimos años ha publicado tres álbumes de duetos que siguen la línea de los grabados a mediados de los 90 por su admirado amigo Frank Sinatra (Duets y Duets II). El primero vio la luz en 2006, coincidiendo con su 80º cumpleaños, y tuvo una buena acogida: Duets: An American Classic, con colaboraciones de (entre otros) Barbra Streissand, Elton John, Stevie Wonder, Sting, Bono de U2, George Michael, Celine Dion, Juanes y las Dixie Chicks. El álbum dio pie a un programa especial para televisión dirigido por Rob Marshall que obtuvo tres premios Emmy. Por las mismas fechas Bennett cantó con Christina Aguilera en el programa televisivo Saturday Night Live.

En 2011 Tony Bennett lanzó la segunda entrega de colaboraciones (Duets II) con estrellas invitadas como Lady Gaga ("The Lady is a Tramp"), Michael Bublé, Aretha Franklin ("How Do You Keep the Music Playing"), John Mayer ("One For My Baby"), Mariah Carey, Diana Krall, Andrea Bocelli, el español Alejandro Sanz ("Yesterday I Heard The Rain / Esta tarde vi llover", versión bilingüe del éxito de Armando Manzanero) y Amy Winehouse en su última grabación conocida: "Body & Soul". La hizo hacia marzo de 2011, unos cuatro meses antes de fallecer.

Ante el éxito de ambos discos, en octubre de 2012 Bennett publica un tercer álbum de duetos, este cantado en español: Viva Duets, con colaboraciones de Gloria Estefan, Christina Aguilera, Marc Anthony, Juan Luis Guerra, Thalía y Dani Martín, entre otros.

[editar] Discografía esencial

• 1957: The Beat of My Heart (Columbia)
• 1958: Basie Swings, Bennett Sings (Roulette)
• 1961: Bennett and Basie Strike up the Band (Roulette)
• 1962: At Carnegie Hall (Sony)
• 1962: I Left My Heart in San Francisco (Columbia)
• 1963: I Wanna Be Around... (Columbia)
• 1968: Snowfall: The Tony Bennett Christmas Album (Columbia)
• 1975: The Tony Bennett Bill Evans Album (Columbia)
• 1986: The Art of Excellence (Columbia)
• 1990: Astoria: Portrait of the Artist (Columbia)
• 2002: A Wonderful World
• 2004: The Art of Romance
• 2006: Duets: An American Classic
• 2011: Duets II

[editar] Autobiografías

• Bennett, Tony. Tony Bennett : What My Heart Has Seen. Rizzoli, 1996. ISBN 0-8478-1972-8.
• Bennett, Tony, with Will Friedwald. The Good Life: The Autobiography Of Tony Bennett. Pocket Books, 1998. ISBN 0-671-02469-8.

Amy Winehouse
Amy Winehouse en el Festival Eurockéennes de Belfort (2007).
Datos generales
Nombre real	Amy Jade Winehouse
Nacimiento	14 de septiembre de 1983 Londres, Inglaterra, Reino Unido[1]
Muerte	23 de julio de 2011 (27 años)[2] Londres, Inglaterra, Reino Unido
Cónyuge	Blake Fielder-Civil (2007-2009)
Ocupación	Cantante y compositora
Información artística
Tipo de voz	Contralto[3]
Género(s)	Jazz, rock alternativo, ska, R&B,[4] [5] pop
Instrumento(s)	Voz, guitarra
Período de actividad	2003-2011
Discográfica(s)	Island Records, Universal
Web
Sitio web	www.amywinehouse.co.uk

Amy Jade Winehouse (Londres, 14 de septiembre de 1983 – ibídem, 23 de julio de 2011),^{[6] [2]} conocida como Amy Winehouse, fue una cantante y compositora británica de familia judía, conocida por sus mezclas de diversos géneros musicales, incluidos entre ellos el jazz, R&B, soul y ska. Fue conocida por su contralto, registro vocal que fue descrito como "acústicamente poderoso" y capaz de expresar "profundamente sus emociones".^[7]

En 2003 Winehouse lanzó su álbum debut, Frank, que obtuvo críticas positivas y fue comercialmente exitoso en su país natal, el Reino Unido, y fue nominado por los premios Mercury Prize. Su segundo álbum de estudio, Back to black, fue publicado en 2006. Por este disco la cantante consiguió seis nominaciones a los Premios Grammy, de las cuales ganó cinco, entre ellas, Canción del año, Grabación del año y Mejor artista nuevo.

Este hecho condujo a Winehouse a obtener el récord de la primera mujer en ganar la mayor cantidad de reconocimientos en una sola noche y ser la primera artista británica ganadora de cinco Grammys. A su vez esto provocó que Winehouse estuviera en la mira de los medios, involucrándose con su agitada vida personal.^{[8] [9] [10]}

En febrero de 2007, ganó el BRIT Award a Mejor Artista Británica. También ganó un World Music Award y tres Premios Ivor Novello, entre otros prestigiosos reconocimientos. Winehouse fue acreditada como una influencia detonadora en el ascenso de la popularidad de mujeres dedicadas a la música, de la música soul y por fortalecer a la música británica.

Winehouse recibió atención de los medios por causas ajenas a su voz. Su estilo distintivo, sus tatuajes y su peinado beehive, la convirtieron en motivo de inspiración para algunos diseñadores de modas como Karl Lagerfeld. Sus constantes problemas legales, su adicción a las drogas y al alcohol y sus complicaciones médicas derivadas de su comportamiento autodestructivo fueron fuente de titulares desde el año 2007. Fue encontrada muerta en su apartamento el 23 de julio de 2011 a los 27 años de edad, tras sufrir un colapso ante el síndrome de abstinencia. Esto se reveló meses después de su muerte, que en un principio fue asociada a sus múltiples adicciones. Su álbum Back to Black posteriormente se convirtió en el álbum más vendido del siglo XXI del Reino Unido.^[11] En 2012, Winehouse fue incluida en el número 26 en el listado de las «100 mejores mujeres en la música» de la cadena VH1.^[12]

[editar] Biografía

[editar] Primeros años

Amy Winehouse nació el 14 de septiembre de 1983,^{[Notas 1]} en el seno de una familia judía y con tradición musical en el jazz.^{[13] [Notas 2]} Se crio en los suburbios de Southgate (norte de Londres) junto a su padre Mitchell (un conductor de taxi),^{[Notas 3]} su madre Janis (una farmacéutica)^{[Notas 4]} y su hermano mayor Alex.^{[14] [Notas 5]} Constantemente, Mitchell cantaba éxitos de Frank Sinatra para la joven Amy, quien pronto tomó dicho hábito a tal punto que sus maestros no podían mantenerla callada en clase.^[15] Sus padres se divorciaron cuando ella tenía nueve años.

A esa misma edad, se inscribió en la Escuela de Teatro de Susi Earnsh, donde permaneció por cuatro años. A la edad de diez años, Winehouse fundó una banda de rap llamada Sweet 'n' Sour. Luego, a los trece, acudió a la Escuela de Teatro de Sylvia Young, pero fue expulsada tres años más tarde por «no aplicarse» y por hacerse un piercing en la nariz.^[14] En 1997, apareció en un episodio de The Fast Show, junto con otros estudiantes de la escuela de Sylvia Young. Más tarde, fue al Colegio Británico de Selhurst, Croydon y al Ashmole School.^{[16] [17]}

[editar] Carrera artística

[editar] 1999-2002: inicios de su carrera

Amy recibió su primera guitarra a los trece años y comenzó a componer un año más tarde. Al poco tiempo, empezó a presentarse en pequeños bares de Londres. Más tarde, formó parte de una pequeña banda femenina de Jazz. Por entonces su novio, el cantante Tyler James, entregó un demo suyo a un productor y, así, Amy comenzó su carrera profesional a los dieciséis años.^[13] Firmó su primer contrato con simón Fuller con quien renunció en el 2002, Un representante de Island/Universal Darcus Beese escuchó hablar de ella casualmente cuando el gerente de los hermanos Lewinson le mostró unas producciones grabadas por Amy para que ella sea vocalista clave. Cuando se le pregunto quien era la cantante, el director comentó que podía decirlo. Después de haber decidido firmar a Winehouse tomó varios meses buscandola y saber quien era. Sin embargo Amy se encontraba grabando canciones y firmó un contrato editorial con EMI en ese momento conoció a su futuro productor Salaam Remi. Beese presentó a su jefe Nick Gatfield a Amy entusiasmado por el talento de la cantante decidieron firmar a la cantante.

[editar] 2003-2005: Frank

Su álbum debut, Frank, salió a la venta el 20 de octubre de 2003. El disco, producido principalmente por Salaam Remi, contenía influencias de jazz y, a excepción de dos covers, todas las canciones estaban coescritas por Winehouse. El álbum fue bien recibido por los críticos, quienes compararon su voz con las de Sarah Vaughan y Macy Gray.^{[5] [18]} El álbum logró alcanzar el disco de platino en el Reino Unido y fue nominado a los Premios Mercury Music y a los BRIT Awards. En 2004, ganó un Premio Ivor Novello a la Mejor Canción Contemporánea por su single "Stronger Than Me".^[19] El mismo año, la cantante se presentó en el Festival de Glastonbury y en el IV Festival.

[editar] 2006-2007: Back To Black, éxito internacional

Amy Winehouse en el Festival Eurockéennes de Belfort (2007).

Amy Winehouse cantando en el Bowery Ballroom 18, Nueva York, Estados Unidos.

En 2006, Amy sacó su segundo álbum, Back to black. El 30 de octubre de 2006 en el Reino Unido donde tuvo buena recepción comercial tanto como de la crítica alcanzando el número uno, el álbum ganó un Brit award en la categoría de Mejor Artista Británica. En junio de 2007, Winehouse ha sido nuevamente nominada a los Mercury Prize, por Back to Black; su disco ha alcanzado el platino en Estados Unidos y, como broche de oro, ha conseguido tres nominaciones a los MTV Video Music Awards de 2007; ya en 2008, en enero, lanzó Back To Black: B-Side, reedición de su exitoso álbum Back to Black y su primer DVD titulado I Told You I Was Trouble: Live in Londres.

Back to Black tuvo un éxito rotundo, y una crítica favorable que ganó numerosas comparaciones con la «era Motown de R&B». La revista Rolling Stone dijo que en este álbum, Amy Winehouse desprendía la fuerza de los intérpretes de indie y de hip hop. La revista anglosajona People afirmó que «Back to Black es un disco que es mejor cada vez que lo escuchamos». The New Statesmen remarcó que este segundo trabajo era mejor que el primero, refiriéndose a él como «un impresionante trabajo de soul».

El 10 de febrero de 2008, se celebró la ceremonia de entrega de los Premios Grammy 2008, en que Winehouse resultó ser la gran ganadora de la noche, llevándose cinco de los seis premios a los que estaba nominada, entre ellos: Mejor nuevo artista, Grabación del año, Canción del año, Mejor interpretación femenina de pop por Rehab, además de Mejor álbum pop vocal por Back to Black, pero no pudo asistir a la ceremonia debido a que en un primer momento, Estados Unidos le denegó el visado debido «a uso y abuso de narcóticos», y aunque esta decisión fue reconsiderada, el visado no llegó a tiempo para que la artista pudiera asistir a la gala.^[20] Finalmente intervino vía satélite desde Londres, interpretando dos de sus canciones más exitosas.

[editar] 2008-2009: continuo éxito y aclamación

Al final del año, recibió varios reconocimientos y premios. La cantante ganó cinco premios Grammy 2008 Mejor nuevo artista, Grabación del año, Canción del año, Mejor interpretación femenina de pop por Rehab, además de Mejor álbum pop vocal, El trabajo de Mark Ronson como productor de Amy le valio un premio Grammy como "Productor del año" con todo el éxito a la cantante le valio una entrada a la edición del 2009 de los Records Guinnes por la mayoría de premios Grammy ganados por una artista británica. Luego de los premios Grammy las ventas de Back to black aumentaron alcanzando el número dos del Billboard 200. En enero de 2008 Universal Music International dijo que creia que las ventas del álbum fueron gracias a los medios de comunicación.

Una edición especial de Back to Black encabezo la lista del Reino Unido el 2 de marzo de 2008 mientras que la versión original en el número 30 en su semana 68 y Frank en el 35. Al 12 de marzo el álbum ya había vendido un total de 2,467,575 copias en el Reino Unido entrando en el Top-10 de los álbumes más vendidos del siglo 21. El 7 de abril de 2008 Back To Black lideraba la lista de los álbumes europeos siendo su sexta semana consecutiva. Esto género que Back to Black se convierta en el séptimo álbum más vendidos de todo el mundo.

En los premios Ivor Novello de 2008 Winehouse se convirtió en la primera artista en estar nominada en dos categorías importantes "Mejor Canción" y "Mejor Canción Liricamente" Ganado por «Love Is a Losing Game» y nominado por «You Know I'm No Good», «Rehab» ganó en la categoría Mejor canción contemporánea. Winehouse fue nominada a un MTV Europe Music Award en la categoría «Acto del año». Amy Winehouse – The Girl Done Good: A Documentary Review un DVD de 78 minutos fue lanzado el 14 de abril de 2008 El documental incluye entrevistas con aquellos que la conocieron en una edad joven, le ayudaron a tener éxito, los expertos en música de jazz, así como especialistas en música y cultura pop.

En la semana del 26 de julio de 2011, después de la muerte de Winehouse Frank, Back To Black y Back To Black EP entraron nuevamente en el Billboard 200 en Estados Unidos en el número 57, 9 y 152, respectivamente Back To Black alcanzó el puesto número cuatro a la semana siguiente. Back To Black también encabezo la lista Digital álbumes y fue el segundo mejor vendedor en iTunes en la misma semana. «Rehab» volvió a entrar y encabezo la lista Digital Songs con ventas digitales de 38.000 copias también alcanzó el quinto puesto en el Billboard Hot 100.

[editar] 2010-2011: proyectos finales

Winehouse y Mark Ronson contribuyeron con «It's My Party» de Quincy Jones para el disco homenaje Q Soul Bossa Nostra lanzado el 09 de noviembre 2010. Winehouse y el baterista ?uestlove de la banda the Roots habían acordado formar un grupo. Pero los problemas de Winehouse llevaron a una demora del grupo todavía no identificado de trabajar juntos. El productor Salaam Remi había creado algún material con Winehouse como parte del proyecto. Según un informe de prensa, Universal Music apretó su importancia relativa. De acuerdo a ese mismo informe que Winehouse, el 2 de septiembre no había estado cerca de un estudio de grabación. Se observó que había recorrido los rumores durante el verano y también que si un disco se grabó rápidamente, sería al menos un año antes de que un álbum podría ser puesto en libertad. El vocero de Winehouse fue citado diciendo que Winehouse no tenía un plazo para completar su tercer álbum.

Durante su estancia en 2009 de Santa Lucía , Winehouse trabaja en nueva música con el productor Salaam Remi . Island afirmó que un nuevo álbum sería con lanzado en 2010, co-presidente de la islands Darcus Beese dijo: "He oído un par de demos de canciones que tienen absolutamente me derribó ". En julio de 2010 Winehouse, según fue citado su próximo álbum sería puesto en libertad a más tardar en enero de 2011, diciendo: "Va a ser muy muy parecida a mi segundo disco, donde hay un montón de cosas jukebox y canciones que son ... sólo jukebox, la verdad. " Mark Ronson dijo en julio de 2010 que no había comenzado a grabar el álbum.

Última grabación de Winehouse fue un dueto con el cantante estadounidense Tony Bennett por su último disco, Duets II , el cual fue lanzado el 20 de septiembre de 2011. Su single del álbum, "Body & Soul", fue lanzado el 14 de septiembre de 2011 en MTV y VH1 para conmemorar lo que hubiera sido su cumpleaños número 28. Su padre, Mitch Winehouse, lanzó Amy Winehouse Foundation con el objetivo de crear conciencia y apoyo a las organizaciones que ayudan a los adultos vulnerables, jóvenes con problemas como la adicción. Las ganancias de "Body & Soul" beneficiará a Amy Winehouse Foundation. La canción recibió el Grammy a Mejor Artista Pop Dúo / Grupo de rendimiento en los premios Grammy número 54 ª el 12 de febrero de 2012. El padre de Winehouse, Mitch Winehouse, recogió el premio en la ceremonia de premiación con su esposa Janis, diciendo: "No deberíamos estar aquí. Nuestra querida hija debería estar aquí. Estas son las cartas que te reparten". También agrego al final del discurso «Amy, Etta, Whitney grandes mujeres están en el cielo» ya que Etta James había fallecido semanas antes y Whitney Houston un día antes de los Grammy.

Al ser entrevistado por Jon Stewart en The Daily Show , el 29 de septiembre de 2011, Bennett dijo que en retrospectiva, él creía que Amy:

«estaba en problemas en ese momento porque tenía un par de compromisos que no se mantuvieron. Pero lo que la gente no se dio cuenta en ese momento, que ella realmente sabía, y de hecho ni siquiera lo saben, cuando estábamos haciendo el disco, y ahora mirando a todo el asunto, ella sabía que ella estaba en una gran cantidad de problemas, que ella no iba a vivir. Y no eran las drogas. Fue el alcohol hacia el final. . . . Era una cosa tan triste porque. . . ella era la única cantante que realmente cantaba lo que yo llamo el 'camino correcto', porque era una gran cantante de jazz-pop. . . . Ella era realmente un gran cantante de jazz. Una verdadera cantante de jazz. Y lamento que debido a que ese es el 'camino correcto' para cantar.»

[editar] 2011-presente: éxito póstumo y Lioness: Hidden Trasures

Amy Winehouse en 2007.

Luego de su muerte fue anunciado que su trabajo Back to Black enmarcó directamente la lista de iTunes en casi todos los países del mundo, volvió a entrar en las listas del Reino Unido el 24 de julio de 2011 en el número de cincuenta y nueve, con tan sólo siete horas de ventas tras el anuncio de su muerte. A la semana siguiente, su disco regresó al número uno, que marca la cuarta vez en que ha alcanzado el primer puesto. En Canadá, desde su muerte, el álbum ha vendido 2.500. 000 copias; logrando alcanzar el número trece en la carta de los álbumes de Canadá. A la semana siguiente, se elevó al número seis y se vendió un adicional de 5.000 copias. El 25 de agosto, la Official Charts Company anunció que Back To Black era el álbum más vendido en el Reino Unido en el siglo XXI, con unas ventas de 3,26 millones de copias.

El 5 de diciembre salió a la venta el primer álbúm póstumo de la cantante Lioness: Hidden Treasures que contenía cover y canciones inéditas grabadas a partir del 2002. Previo al lanzamiento —se publicó el primer y último sencillo que grabó la cantante Body & Soul; a dueto con Tony Bennett. El 18 de noviembre de 2011 llegó al público el segundo sencillo Our Day Will Come, habiéndose grabado en el estudio en el año 2007—. De este primer trabajo póstumo, en el Reino Unido se vendieron 194.000 copias en su primera semana, la más grande en ventas de la carrera del cantante. También fue el cuarto álbum con número de ventas más altas en la primera semana de ventas de 2011, debutando en el primer puesto. En los Estados Unidos el álbum debutó en el número 5 en el Billboard 200 con 144.000 unidades vendidas, por lo que es su más alta primera semana de ventas en el país. Luego del lanzamiento del álbum, la canción «Between the Cheats» que iba a pertenecer a su tercer álbum de estudio, sirvió para la difusión de un rumor que trataba sobre la posibilidad de la publicación de un segundo disco del mismo estilo.

En 2012, Winehouse fue incluida en el número 26 en VH1 100 mejores mujeres en la música. ^[21]

[editar] Vida personal

[editar] Adicciones

Los problemas de Winehouse con el abuso de drogas fueron objeto de fuerte atención de los medios. En varias entrevistas, había admitido tener problemas de depresión, drogadicción y trastornos de alimentación.^[22] En 2005, pasó por un período de consumo de drogas fuertes, violentos cambios de humor y pérdida de peso.^[23] Las personas que la vieron durante el fin de ese año y principios de 2006 informaron de un rebote que coincidió con la escritura del disco Back to black.

En agosto de 2007, Winehouse canceló una serie de shows en el Reino Unido y Europa, citando el agotamiento y la enfermedad. Fue hospitalizada durante este período por lo que se informó como una sobredosis de heroína, éxtasis, cocaína, ketamina y alcohol.^[24]

Arte mural de Amy Winehouse en Barcelona (España).

Error al crear miniatura: Parámetros del thumbnail no válidos

Arte mural de Amy Winehouse en Barcelona (España).

En octubre de 2007, fue descubierta junto con su ex-esposo, Blake Fielder-Civil, consumiendo marihuana en un hotel de Noruega.^[25] El 2 de diciembre de 2007, las imágenes de la cantante fuera de su casa en horas de la madrugada, descalza y vestida sólo con un sujetador y pantalones de mezclilla, apareció en Internet y en los periódicos sensacionalistas.

En enero de 2008, fue difundido un vídeo donde presuntamente se observa a Winehouse fumando crack.^[26] Días después su compañía discográfica anunció que ingresaría en un centro de desintoxicación, por propia voluntad, para contrarrestar su adicción.^[27] En mayo, fue citada por la policía de Londres en relación al vídeo por delitos de drogas.^[28]

En mayo de 2008, Amy participó del festival Rock in Río III, en la ciudad de Lisboa. Después de media hora de retraso y aclamación de sus fans, la cantante, para sorpresa del público, subió al escenario con un mal aspecto, un poco ebria, tambaleándose y disfónica.^[29]

En abril de 2009, la cantante fue captada corriendo desnuda por las instalaciones del hotel donde se hospedaba en la isla caribeña de Santa Lucía. Al parecer la intérprete se disgustó cuando los administradores del establecimiento le solicitaron que se cubriera los pechos porque estaba prohibido tomar sol en topless, pero hizo caso omiso y comenzó a desnudarse en señal de protesta.^[30]

En julio de 2009, se presentó la demanda de divorcio contra quien fuera su marido, Blake Fielder-Civil.^[31]

En ese mismo mes fue absuelta de una acusación por lesiones contra una fan que se acercó ebria a solicitarle un autógrafo rodeándole el cuello, a quién rechazó con un supuesto puñetazo en términos poco claros.^{[cita requerida]}

En agosto de 2010, ofendió al rey de los Zulúes, Goodwill Zwelithini kaBhekuzulu, en el discurso que éste daba en un nuevo restaurante de temática "Shaka Zulu", ya que además de asistir con su ex-novio Reg Traviss algo impuntual, Amy llegó completamente borracha^[32] y se quedó dormida durante las palabras del rey.^[33]

En ese mismo mes, la cantante fue fotografiada borracha y dormida/desmayada en una mesa, afuera de un pub, el cual (se desconoce si sola o con amigos) visitó esa madrugada, además de dos restaurantes, luego de beber alcohol 16 horas seguidas.^[34] Al parecer, la situación se debió a una fuerte discusión con su ex pareja Reg Traviss.

El 18 de junio de 2011, Amy realizó en Belgrado, capital de Serbia, un concierto catalogado por sus propios fans como «desastroso» y «escandaloso», e incluso catalogándolo como «el peor concierto jamás visto», al encontrarse en el escenario completamente ebria. La crítica fue tal, que la artista canceló el resto de las funciones, regresando a su hogar antes de lo previsto.^[35]

[editar] Muerte

A la edad de 27 años, el 23 de julio de 2011 sobre las 16:00 hora local BST, Amy Winehouse fue encontrada muerta en su apartamento de Londres.^[36] La policía británica respondió a una llamada del servicio londinense de ambulancias tras reportes del deceso de una mujer.^[37] Los oficiales encontraron el cuerpo de Winehouse, que fue declarada muerta inmediatamente. Su cuerpo fue encontrado sin vida en su apartamento en Camden.

Se realizó una investigación para hallar las causas de su muerte, descrita por la policía como inexplicada. Inmediatamente, los medios de comunicación y la muchedumbre se reunieron en los alrededores de la residencia de Winehouse para rendirle honores. Los investigadores forenses entraron en el apartamento una vez que la policía aisló la calle. Su discográfica, Universal, hizo un comunicado público en el que declaraba: "estamos profundamente afligidos en la pérdida repentina de una artista tan dotada y admirable".

El 23 de agosto, la familia de Winehouse dio a conocer un breve comunicado sobre los resultados de las pruebas de toxicología devueltos por las autoridades: "no había drogas ilegales" y la causa de la muerte aún no se pudo determinar.^[38] La declaración concluye: "La familia desea agradecer a la policía y al juez de instrucción por su investigación exhaustiva y continua para mantenerlos informados durante todo el proceso. Se espera que los resultados de la investigación se publiquen en octubre."

En una entrevista en la CNN en septiembre el padre de Amy Winehouse, quien se encontraba en proceso de rehabilitación del alcoholismo, sostuvo la teoría de que su muerte pudo producirse por un ataque provocado por las sustancias que le habían prescrito para aliviar los efectos del síndrome de abstinencia del alcohol. «Todo lo que Amy hizo, lo hizo en exceso: tomó en exceso y también se desintoxicó en exceso», declaraba.^[38]

El 25 octubre de 2011 se hizo público el resultado de la autopsia.^[39] La forense Suzanne Greenway dijo que “la muerte repentina fue la consecuencia no intencionada” de la gran ingesta de alcohol de Amy Winehouse. En su apartamento se encontraron tres botellas de vodka vacías, dos grandes y una pequeña.

La investigación forense halló 416 mg de alcohol por decilitro de sangre (416 mg/dl). El límite para conducir en Gran Bretaña es de 80 mg/dl. El patólogo que realizó el examen post-mortem afirmó que 350 mg/dl era considerado un nivel fatal, es decir, que implicaba la muerte. El examen concluyó que los órganos vitales estaban en buen estado pero ella tenía grandes cantidades de alcohol en el sistema por lo que su respiración podría haberse detenido y habría terminado en un coma.

Las pruebas toxicológicas no hallaron en su cuerpo sustancias ilegales cuando murió.^[40]

[editar] Legado

La cantante ha sido destacada como gran influencia y ayuda por varios artistas. Adele comentó que: «gracias a Winehouse yo soy un gran éxito en este momento», Duffy explicó que gracias a Amy ella está "un poco más suave", Lady Gaga acreditó que: «gracias a Winehouse las mujeres tienen un camino más fácil en la música pop en general». Raphael Saadiq, Anthony Hamilton y Jhon Legend dijeron:"Amy Winehouse fue producida por la gente que quería crear una comercialización golpe de Estado. El lado positivo es que al familiarizar al público con esta música desempeñó un papel introductorio para los demás. Revitalizó el género mediante la superación del aspecto vintage "

Después del lanzamiento de Back to black, las discográficas buscaban mujeres artistas similares, música sin medio en general. Adele y Duffy eran artistas similares a Winehouse otras mujeres que surgieron luego de su éxito fueron VV Brown, Florence and the Machine, La Roux y Little Boots.

En febrero de 2010 el rapero Jay-Z acreditó que Winehouse revitalizó la música británica diciendo que: «Hay un fuerte impulso que sale de Londres en estos momentos, lo cual es genial. Ha estado viniendo desde que me imagino a Amy (Winehouse). Quiero decir siempre, pero creo que por ella, este resurgimiento fue anunciado»; en marzo de 2011 New York Daily News publicó un artículo en donde atribuye a las mujeres británicas que tuvieron éxito en Estados unidos tras la ausencia de Winehouse. Charles Aaron de Spin cito que «Amy Winehouse fue el Nirvana de todas estas mujeres», «Todos ellos se remontan a Winehouse en forma de actitud y forma musical». Según Keith Caulfield de Billboard: «debido a la ausencia de Amy el mercado fue capaz en artistas como Adele y Duffy».

Homenaje a Amy.

[editar] Discografía

Álbumes de estudio

• 2003: Frank
• 2006: Back to Black

Álbumes Póstumos

• 2011: Lioness: Hidden Treasures

Otros

• 2004: Sessions@AOL
• 2007: iTunes Festival: Londres 2007
• 2008: Back To Black: B-Side
• 2011: Frank / Back To Black

DVD

• 2007: Amy Winehouse Live @ The Orange Lounge
• 2007: I Told You I Was Trouble: Live in Londres
• 2011: In Concert 2007

[editar] Premios

[editar] Colaboraciones

• "Addicted" con Green Teacher
• "Best for Me" con Tyler James de The Unlikely Lad
• "Get Over It" con John the rapero blanco
• "You Know I'm No Good" con Ghostface Killah de More Fish
• "B-Boy Baby" con Mutya Buena.
• "Valerie" con Mark Ronson.
• "Will you still love me tomorow", para la banda sonora original de Bridget Jones: The Edge of Reason (2004).
• "It's my party" con Quincy Jones, disco tributo al cantante "Q Soul Bossa Nostra"
• "Body & Soul" con Tony Bennett, última grabación de estudio de Winehouse. Fue grabada el 23 de marzo de 2011.

[editar] Notas

[editar] Referencias

[editar] Bibliografía

• Johnstone, Nick (2008). Amy, Amy, Amy. La Historia de Amy Winehouse. ISBN 978-84-612-7646-2. 
• Sardá, Joan (2008). Amy Winehouse. La chica mala del pop rock. ISBN 978-84-96924-55-0. 

[editar] Enlaces externos

• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Amy WinehouseCommons.
• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Amy Winehouse. Wikiquote
• Wikinoticias tiene noticias relacionadas con Amy Winehouse.Wikinoticias
• Página oficial
• Myspace oficial
• Análisis de su técnica vocal
• La muerte de Amy Winehouse Artículo de Julián Ruíz

Mac James Miller
Datos generales
Nombre real	Malcolm McCormick
Nacimiento	19 de enero de 1992 (20 años)
Origen	Pittsburgh, Pennsylvania,  Estados Unidos
Ocupación	Rapper
Información artística
Otros nombres	Mac Miller Easy Mac EZ Mac Cam Rellim
Género(s)	Rap, Hip Hop, Hipster Hop, Pop Rap
Período de actividad	2007 — presente
Discográfica(s)	Rostrum Records
Artistas relacionados	Wiz Khalifa, Beedie, The Ill Spoken, ID Labs, Just Blaze, Phonte
Web
Sitio web	Web oficial Página oficial en MySpace Página en Facebook Página oficial en Youtube Página oficial en Twitter

Malcolm Selma McCormick, más conocido por su nombre artístico Mac Miller, es un rapero estadounidense. Nació el 19 de enero de 1992 en Pittsburgh, Pennsylvania. Miller, también es un músico autodidacta, toca el piano, la guitarra y la batería.

[editar] Carrera

En su primer año en la escuela Taylor Allderdice, Mac Miller decidió centrarse en su carrera en el Hip Hop y dejar de lado los estudios, aunque no se lo tomaba muy seriamente, más tarde señaló: "Tengo serias verdades acerca de ello, y cambió mi vida completamente..., yo solía hacer deporte, jugaba a todos los deportes, e iba a todas las fiestas de la preparatoria, pero una vez me enteré que el Hip Hop es casi como un trabajo, y a partir de entonces, me lo tomé mucho más en serio y no he parado desde que cumplí 15 años." Cuando comenzo su carrera tenia su apodo Easy Mac , que luego fue cambiado al actual Mac Miller . Antes de su carrera en solitario, formó parte del grupo de rap The Ill Spoken con su colega rapero de Pittsburgh, Beedie. Al cumplir los 18 años, firmó con Rostrum Records y lanzó su debut mixtape, titulada K.I.D.S. en agosto de 2010. El 29 de marzo de 2011, lanzó un EP llamado On And On And Beyond, que cuenta con seis canciones y fue producida por Rostrum Records en Argentina, con quien también ha grabado multitud de vídeos de sus temas. En 2011 saca un nuevo EP titulado Best Day Ever. Su álbum debut de estudio titulado Blue Slide Park fue sacado el 8 de noviembre del 2011.

[editar] Discografía

• Macadelic (Mixtape) (24 de marzo de (2012)
• Blue Slide Park (8 de noviembre de 2011)
• I Love Life, Thank You (Mixtape) (2011)
• Best Day Ever (Mixtape) (2011)
• On and On and Beyond (EP) (2011)
• 92 Til Infinity (Mixtape) (2011)
• K.I.D.S (Kickin' Incredibly Dope Shit) (Mixtape) (2010)

• Nota: A partir del mixtape K.I.D.S. son todos estos cd's producidos por Rostrum Records.

• The High Life (Mixtape) (2009)
• The Jukebox: Prelude to Class Clown (Mixtape) (2009)
• How High: The Mixtape con The III Spoken (Mixtape) (2008)
• But My Mackin' Ain't Easy (Mixtape) (2007)

[editar] Singles

• Frick Park Market (2011)
• Smile Back (2011)
• Party On Fifth Ave (2011)

[editar] Vídeos

• Dont Mind if I do
• La La La
• Kool Aid and Frozen Pizza
• Nikes on My Feet
• Another Night
• Donald Trump
• Get Up
• Live Free
• Knock Knock
• Smile Back
• Frick Park Market
• Got a Clue
• Senior Skip Day
• Wear My Hat
• Cruisin'
• Best Day Ever
• Party on fifth ave
• Of the Soul
• Loud
• Thoughts From a Balcony
• Clarity
• Missed Calls
• America

[editar] Colaboraciones

• Mac Miller Feat. Bun B - All That -(I love life, thank you)
• Chevy Woods Feat. Mac Miller - The Drive
• The Wonder Feat. Mac Miller - Thats sock
• Mac Miller Feat. Wiz Khalifa - Keep floating - Best Day Ever
• Chris Webby Feat. Mac Miller - I Need a Dollar
• Phil Ade - Incense
• Cobra Starship - Middle finger
• Boaz - Around the world - 5 O'Clock
• Rapsody - EXTRA EXTRA
• Wale - So what
• Chiddy Bang - Heatwave
• Young Scolla - Winner
• Skyzoo - Pen game
• Helmz - Thumbs up
• Bill the Kid - Feeling is gone
• Colicchie - Class atacs
• Chris Webby - I need a dollar
• Mac Miller Feat. Wiz Khalifa - Cruise Control - The High Life
• Josh Everette Feat. Mac Miller - Around The World - The Transition

[editar] Enlaces externos

¿Por qué Mac Miller no suena en las radios?

• [1]
• [2]
• [3]

Este artículo o sección necesita referencias que aparezcan en una publicación acreditada, como revistas especializadas, monografías, prensa diaria o páginas de Internet fidedignas. Puedes añadirlas así o avisar al autor principal del artículo en su página de discusión pegando: {{subst:Aviso referencias|James Brown}} ~~~~

James Brown
James Brown en 2001.
Datos generales
Nombre real	James Joseph Brown
Nacimiento	3 de mayo de 1933
Origen	Barnwell, Carolina del Sur, Estados Unidos
Muerte	25 de diciembre de 2006, 73 años Atlanta, Estados Unidos
Ocupación	Cantautor, productor discográfico
Información artística
Otros nombres	"El Rey del Soul" El Padrino del Soul ("The Godfather of Soul"), Sr. Dinamita("'Mr. Dynamite"), El Hombre Más Trabajador del Espectáculo ("The Hard Worker Man In Showbizness"), El Creador Del Funk ("The Creator Of Funk Music").
Género(s)	R&B, soul, funk
Instrumento(s)	Voz, órgano/ piano/ teclados, batería, guitarra
Período de actividad	1956–2006
Discográfica(s)	King/Polydor
Artistas relacionados	The Famous Flames, The JBs

James Joseph Brown (Barnwell, Carolina del Sur, 3 de mayo de 1933 - Atlanta, Georgia, 25 de diciembre de 2006) fue un cantante de soul, funk y rock estadounidense, conocido también como "Soul Brother Number One", "Mr. Dynamite", "The Hardest-Working Man in Show Business", "Minister of The New Super-Heavy Funk", "Universal James", pero quizá su sobrenombre más famoso sea "the Godfather of Soul" (El Padrino del Soul).

[editar] Biografía

Nació el 5 de mayo de 1933 en una granja en Barnwell, Carolina del Sur, en el seno de una familia pobre de un barrio marginal. Esto le obligó a desempeñar desde la adolescencia (15 años) todo tipo de trabajos. Abandonado por su madre, Brown creció con su padre, un trabajador itinerante, hasta que terminó en Augusta (Georgia), donde una tía regentaba una fonda que también funcionaba como timba y prostíbulo. Sin apenas educación, el niño Brown procuró ganarse la vida limpiando zapatos, recogiendo algodón y robando piezas de coches. Antes de cumplir los veinte años ya había sido detenido por robo a mano armada y fue condenado por ello a cumplir entre 8 y 16 años de cárcel (según él, todavía era un menor, pero le encerraron y le juzgaron cuando llegó a la edad penal). Fue un buen preso y, tras tres años y un día, fue puesto en libertad y estuvo más de tres años en un reformatorio. Fue entonces cuando le acogió la familia de Bobby Byrd, el cantante que le lanzó al estrellato. Compartieron escenarios en el grupo The Flamous Flames.

En 1953 ingresó en el grupo de gospel The Starlighters. Con él en el grupo fueron transformándose desde el gospel al R&B. Tiempo después el nombre del grupo pasó a ser The Famous Flames. En 1955 publicaron el single "Please, Please, Please". En 1958 se lanza el primer número uno de James Brown, "Try me" y en 1966 "It's a Man's, Man's, Man's World". El 24 de octubre de 1962 ofrecieron un concierto el teatro Apollo de Nueva York como nombre "Live at The Apollo" en el que participó el baterista Clayton Fillyau, quien adelantó en temas como "I've Got Money" los contrarritmos percusivos (influenciado del estilo de los bateristas del R&B de Nueva Orleans) que serían marca distintiva de Brown.

A partir de ese momento, los éxitos comenzaron a acumularse en su carrera, con títulos como "I´ll Go Crazy", "Think" (un tema ideal para bailar 'Monkey' y 'Shake'), "Shout and Shimmy" y "Prisioner of Love". Ya consolidado como una de las más brillantes y explosivas estrellas del Soul, no fue sino hasta 1965 cuando con "Papa´s Got A Brand New Bag" hace algo realmente original. La resaltación del ritmo sobre la melodía, una musculosa línea de bajo de Bernard Odum, compases en síncopa y el rasgueo de guitarra de Jimmy Nolan (ex guitarra del grande blanco del R&B de los 40s y 50s, Johnny Otis) haciendo de puente se hicieron notar en esta composición y también en "Cold Sweat" de 1967; dando a conocer masivamente el concepto del funk, ya premonizado por los trabajos sincopados de bateristas oriundos de Nueva Orleans tales como Cornelius 'Tenoo' Coleman (para Fats Domino), Earl Palmer (que tocó para uno de sus ídolos y máximas influencias, Little Richard y Joseph 'Smokey' Johnson quien tocó en el más claro antecedente funky pre-Brown, el tema "Trick Bag" de 1961.

El Funk fue una verdadera bocanada de aire fresco frente a la dulzona música para gente de color de entonces (doo wop y el estilo Motown), y además de un rescate de la herencia de la acidez urbana del Jazz y la poliritmia de los ritmos afrocubanos como la rumba y el mambo.

De hecho como dice el músico de James Brown, Pee Wee Ellis en el documental "Soul Deep", la línea de vientos de Cold Sweat "fue basado en una línea de un tema de Cool Jazz llamado 'So What?' de Miles Davis". Pero de mayor relevancia, fue el efecto energizante tras el Movimiento Por Los Derechos Civiles; como muy bien lo representó su hit de 1968 "Say It Loud I´m Black & Proud", todo un desahogo de puro orgullo negro que, no obstante, le valió su censura de muchas estaciones radiales racistas. Tras separarse del grupo con el que se dio a conocer, The Flamous Flames, por razones monetarias y de convivencia; James Brown comenzó en 1969 a actuar con una banda más joven originalmente llamada The Pacemakers y que para él de ahí en adelante los rebautizaría como The JB´S, con quienes ahondó más en las exploraciones rítmicas y sonoras, poniendo aún más acento en el primero de 4 compases (la fórmula funky por excelencia denominada The One) con la ayuda de los músicos Phelps y William Bootsy Collins, el trombonista Fred Wesley, el saxofonista Maceo Parker y su hermano en la batería Mel Parker. Bootsy, Fred y Maceo se unieron posteriormente a la cofradía espacial de George Clinton conocida como P-Funk. Con esta nueva alinación siguió consiguiendo nuevos éxitos: "Sex Machine" que fue nº1 R&B en 1970, "The Payback" álbum de multiplatino en 1974, "My Thang", "Gravity", "Papa don't take no mess", "Body Heat" entre otros.

En sus escarceos con el cine, participó en 1980 en la película "The Blues Brothers", junto a John Belushi y Dan Aykroyd, trabajando después en 1998 en la secuela del film "Blues Brothers 2000". En ambas, representó a un reverendo. En 1986 graba "Living in America", el tema compuesto para la película "Rocky IV".

En 1988 fue arrestado por exceso de velocidad y por consumo de drogas, período que fue aprovechado por productores de Hip Hop para samplear trozos de su música. Fue condenado a seis años de prisión, aunque salió de la cárcel en 1991. En 1996 falleció su esposa durante una operación de cirugía estética y en 1998 fue arrestado de nuevo por tenencia de armas y consumo de drogas, a los pocos días de haber salido de una clínica de desintoxicación.

En noviembre de 2006, Brown se presentó durante una ceremonia en Alexandra Palace, en Londres, en donde fue reconocido con su entrada al Salón de la Fama del Reino Unido, 20 años después de haber recibido un homenaje similar en Estados Unidos.

El domingo 24 de diciembre de 2006, Brown, el autoproclamado "hombre más trabajador del mundo del espectáculo", es internado en el Emory Crawford Long Hospital a causa de una neumonía que lo aquejaba. A pesar de los intentos de los médicos, el corazón del "padrino del soul" dejó de latir en la madrugada de Navidad de 2006 a la 1.45 AM, a la edad de 73 años. Su amigo y compañero Charles Bobbit se encontraba con él en el momento de su fallecimiento.

James Brown consiguió llevar sus modos de iglesia inspirados en el gospel al rhythm and blues, que en los años sesenta, ya con conciencia racial, se transformó en lo que se denominaría posteriormente como soul e inundó el planeta. Desarrolló el ritmo concentrado en estado puro que se bautizó como funk y que mantendría su gancho hasta el presente. En los setenta, el funk tuvo como hijo a la comercial música disco , el afrobeat de gente como Fela Kuti, y sirvió de base para la fundación del hip-hop: miles de temas de rap parten de grabaciones de Brown como "Funky Drummer", "Give it up or turn it loose" o "Think" de su protegida Lyn Collins. Incluso muchos pasos de breakdance provienen directa o indirectamente de los frenéticos movimientos de baile (" The Boogaloo", "get down", "slide", "robot") a los que instaba seguir en temas como "Get On The Good Foot" de 1972.

Por llamarlo de alguna manera, el funk es una creación colectiva: todos los instrumentos se concentran en generar un cierto ritmo, a expensas de la melodía. James Brown tuvo la genialidad de implicar a instrumentistas imaginativos, muchos de los cuales siguieron productivas carreras en solitario: Alfred Pee Wee Ellis, Maceo Parker, Fred Wesley, William Bootsy Collins. Pero sin la visión de un genio como James Brown, es posible que no hubieran pasado de nombres para coleccionistas.

El rey del soul buscaba el momento adecuado para grabar: muchos de sus más grandes clásicos se hicieron en la carretera, entre actuación y actuación. No podía ser de otra manera. Brown se había ganado a pulso el título de "el trabajador más duro del mundo del espectáculo" debido a la intensidad de sus actuaciones y el número de conciertos: más de 300 en sus buenos años. Le gustaba alardear de la afilada precisión de sus bandas, sometidas a disciplina férrea, rayando lo militar: multas por retrasos, descuidos indumentarios, fallos musicales; y si el culpable se resistía, podía llegar a ponerse violento.

James Brown fue declarado culpable de maltrato a su esposa en el año 2004, cuando tras una discusión la arrojó al suelo y amenazó con matarla. Tras pagar una sanción de 1.087 dólares fue puesto en libertad. Brown, fallecido el día 25 de diciembre de 2006 de un infarto al corazón en Atlanta, mantenía actualmente, según su esposa, una relación conyugal feliz con ella.

Cuando Brown murió mucha gente se echó a la calle para guiar su ataúd hasta el Teatro Apollo.

Cuando murió, Tomi se encontraba siguiendo un tratamiento de rehabilitación: "Lo último que me dijo era que me amaba a mi y al bebé, nos veremos pronto", fueron las últimas palabras de James, según ha manifestado su viuda al Chronicle de Augusta.

La negativa del abogado y el contable a permitir entrar en su casa a Tomi ha sido interpretada por ella como una agresión “Éste es mi hogar. No tengo ningún dinero. No tengo donde ir.”

Brown consiguió alcanzar una posición hegemónica durante la segunta mitad del siglo XX, el cual quedó marcado por la emergencia de la música afroamericana. Miles Davis tuvo más respeto pero nunca logró su impacto comercial. Su influencia en la música ha sido tal que músicos como Mick Jagger,The Who, Serge Gainsbourg, David Bowie, Prince, y Michael Jackson le han reconocido como un gran inspirador en sus carreras. Una vez dijo: "Lo que me conviene es desaparecer, llamando la atención lo menos posible.

[editar] Discografía

[editar] Álbumes significativos

Cuatro de los álbumes de James Brown aparecieron en la lista de la revista Rolling Stone de 2003 "los 500 mejores álbumes de todos los tiempos":^[1]

• Live at the Apollo (1963) (#24)
• In the Jungle Groove (1986) (#330)
• Star Time (1991) (#79)
• 20 All-Time Greatest Hits! (1991) (#414)

Adicionalmente, el doble álbum de 1970 de Brown, Sex Machine, apareció clasificado en el puesto 96 en una encuesta de 2005 del canal británico Channel 4 que determinaba los 100 mejores discos de todos los tiempos.^[2] Otros álbumes notables incluyen significativas apariciones del grupo The J.B.'s y han servido de fuente para buena cantidad de samples para artistas musicales posteriores, como:

• Get On the Good Foot (1972)
• The Payback (1974)
• Hell (1974)

El disco de 1968 Live at the Apollo, Vol. II tuvo gran influencia en su época. Este álbum se mantiene como un ejemplo del tipo de actuación energética habitual de Brown

[editar] Sencillos significativos

Hasta los primeros 1970, Brown era famoso solo por su show y sus sencillos antes que por sus álbumes (con la excepción de sus LPs en directo). Seis de sus sencillos aparecieron en la lista de Rolling Stone Magazine's "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos":^[3]

• "Papa's Got a Brand New Bag" (1965) (#72)
• "I Got You (I Feel Good)" (1965) (#78)
• "It's a Man's Man's Man's World" (1966) (#123)
• "Please, Please, Please" (1956) (#142)
• "Say It Loud - I'm Black and I'm Proud" (1968) (#305)
• "Get Up (I Feel Like Being a) Sex Machine" (1970) (#326)

[editar] Referencias

[editar] Enlaces externos

• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre James BrownCommons.
• James Brown - Página Web (en inglés)
• James Brown Extenso reportaje
• [juanmaromo.blogspot.com/2010/09/otis-redding-el-rey-del-soul.htmljuanmaromo.blogspot.com/2010/09/otis-redding-el-rey-del-soul.html]